RDF: Recensioni Di Film - by Ale Jo

Chris Gorak

2012-01-27T18:07:00.001+01:00

Right at Your Door (2006)
L'ora nera (The Darkest Hour) (2011) - 1/5

Gorak, americano, è specializzato in film di SF.

-L'ora nera
USA 2011 - fantascienza - 89min.

Due sviluppatori di software americani vanno a Mosca per presentare un progetto a degli acquirenti, ma un collega li ha preceduti fregando loro l'idea. Delusi, vanno a sbronzarsi in un locale dove incontrano due turiste americane che avevano saputo essere lì tramite post su social network. Appena il tempo di socializzare che va via la luce in tutta la città, in concomitanza con la discesa dal cielo di strani bagliori luminescenti che cadono a grappoli sull'asfalto. Chiunque li tocchi viene disintegrato. Distruzione totale!

Dura la vita del critico cinematografico, specie quando si ha a che fare con film per i quali non sembrerebbe necessario sprecare tempo per scriverci sopra qualche cosa. L'ora nera è la solita traduzione stupida italiana per The Darkest Hour, in cui il superlativo assoluto non è messo a caso. Il rimando infatti è al detto che la notte è più buia subito prima dell'alba, insomma l'equivalente del detto “every cloud has a silver lining” (ogni nuvola ha un bagliore argentato). Come volete tradurlo, “la speranza è l'ultima a morire”? “Finchè c'è vita c'è speranza”? Scegliete voi. Il punto è che finchè i nostri supereroi americani sono vivi l'umanità non scomparirà mai. Ma per non mitizzare troppo gli USA si mette in scena anche un manipolo di soldati russi abbastanza indifferenti al disastro verificatosi ed ansiosi di sforacchiare qualche ectoplasma alieno, nonché in vena di battute di dialogo da ricordare: “Benvenuto in Russia, coglione!”. Forse i produttori (fra cui il Timur Bekmambetov di Wanted e della bilogia I guardiani del giorno – I guardiani della notte) hanno affidato il progetto nelle mani sbagliate di un regista poco esperto (Chris Gorack, il cui unico altro film, qui uscito solo in home video, è un altro fantascientifico, Right At Your Door, del 2006), anche se in realtà cerca solo di salvare il salvabile. Indubbiamente la carenza principale è una sceneggiatura di Jon Spahits, inetto artefice dei dialoghi più imbarazzanti degli ultimi anni per pressapochismo, superficialità ed inconcludenza.
Gli attori non sono da meno, incapaci di conferire qualsivoglia approfondimento ai propri personaggi, a partire da Hemile Hirsch (Alpha Dog, Into The Wild) nell'interpretazione probabilmente più insulsa della sua ancora breve carriera.

Soprassedo sulla scipitezza della storia, la prevedibilità estrema, la mancanza di qualsiasi capacità da parte del film di comunicare la minima emozione (paura, tensione, ansia, divertimento, curiosità...) per segnalare il fatto più eclatante, che riguarda gli alieni di turno: essi sono invisibili! (o quasi) cioè rendetevi conto che per un'ora e mezza si assiste alla fuga dei protagonisti da...bagliori giallastri, presenze invisibili che ti fanno scomparire. A parole è difficile descrivere lo sgomento di chi assiste per 89 minuti a scene di gente che cammina spaventata per una città deserta fuggendo dal nulla. Grande genialata per risparmiare soldi, è anche una grandissima idiozia cui poi per tutto il film si tenta persino di trovare una spiegazione pseudo-scientifica (sarebbero degli esseri elettromagnetici che assorbono i minerali terresti...boh!) scadendo in una ridicolaggine che non fa nemmeno ridere.
Invece si piange a vedere questo film, e non certo per il dramma vissuto dai protagonisti. Non un'idea buona, non un guizzo di originalità.

L'ora nera del cinema è arrivata. Tremate, gente!

Voto: 1/5

Kevin Smith

2012-01-15T14:48:00.008+01:00

Clerks - Commessi (Clerks) (1994) - 2,5/5
Generazione X (Mallrats) (1995) - 1,5/5
In cerca di Amy (Chasing Amy) (1997) - 3/5
Dogma (Dogma) (1999) - 3,5/5
Jay & Silent Bob... Fermate Hollywood! (Jay & Silent Bob Strike Back) (2001) - 2,5/5
Jersey Girl (Jersey Girl) (2004) - 2,5/5
Clerks II (Clerks II) (2006) - 2,5/5
Zack & Miri - Amore a... primo sesso (Zack and Miri Make a Porno) (2008) - 2,5/5
Poliziotti fuori - Due sbirri a piede libero (Cop Out) (2010) - 1,5/5
Red State (Red State) (2011)

Smith (1970), americano, ha ottenuto un clamoroso successo col suo film a basso budget Clerks, in cui evidentemente molti americani medi si sono riconosciuti. In seguito ha diretto prevalentemente commedie irriverenti, ma si è cimentato anche in generi opposti come il thriller/horror.

-Clerks - Commessi
USA 1994 - commedia - 92min.

Una giornata nella vita di Dante, commesso in un negozio di generi alimentari cui si reca sebbene quel giorno non toccasse a lui, e Randal, commesso in un negozio di videonoleggio lì vicino, che apre e chiude quando gli gira e preferisce passare il tempo nel negozio dell'amico chiacchierando e dicendo sconcezze.

Molto divertente, costruito per episodi, siparietti più o meno comici in cui vengono presentati personaggi grotteschi che compongono la compagine della società americana che si reca in negozi di bassa lega. Il regista gira nel negozio in cui all'epoca lavorava, quindi probabilmente il film contiene situazioni un po' esagerate ma di carattere autobiografico. Uno degli esempi più eclatanti di film di derivazione stilistica tarantiniana, coinvolge per la surreale e volgare simpatia dei protagonisti. Con le dovute cautele, può essere considerato un interessante documento sociologico.

Voto: 2,5/5

-Generazione X
USA 1995 - commedia - 94min.

Due ragazzotti lettori di fumetti sono piantati dalle loro ragazze. Tentano di riconquistarle durante un'assurda giornata al centro commerciale.

Il ritmo e la comicità spontanea del primo film vanno a farsi benedire, soppiantati da battute infelici, storia insulsa, personaggi poco accattivanti e gag più o meno riuscite. Divertenti i siparietti di Jay & Silent Bob, nonchè la comparsata di Stan Lee nella parte di sè stesso. Il resto è superfluo.

Voto: 1,5/5

-In cerca di Amy
USA 1997 - commedia - 111min.

Holden lavora come fumettista assieme all'amico di sempre Banky, che inchiostra i suoi disegni. In occasione di un Comicon a New York Holden conosce Alyssa di cui si invaghisce, ma presto scopre che è lesbica. Diventano amici, ma Holden vorrebbe dichiararsi a lei. Inoltre questa situazione mina il rapporto fra i due amici.

Al contrario dei due film precedenti (con cui questo compone una trilogia sul New Jersey) la comicità surreale lascia il posto ad una commedia sentimentale ancora pregna di battute sboccate, ma anche insolitamente fine nella descrizione psicologica dei due protagonisti e nella descrizione del cambiamento del loro rapporto. Si segue volentieri perché è in grado di dire qualcosa anche a chi non ha provato una situazione "al limite" come il rapporto illustrato nel film, perché in senso lato parla dei rapporti uomo-donna in generale, e del modo in cui i due sessi ragionano diversamente. Bel cast, con un Ben Affleck insolitamente bravo ed una bella schiera di comprimari (ancora presente il duo Jay & Silent Bob) sostengono un film la cui pecca principale è qualche lungaggine di sceneggiatura che rende la seconda metà ripetitiva e meno riuscita della prima, più leggera: retaggio dei film precedenti di Smith.

Voto: 2,5/5

-Dogma
USA 1999 - fantastico - 128min.

Due angeli cacciati dal paradiso e relegati nel Wisconsin vogliono sfruttare un'occasione per ritornare al loro mondo: per l'anniversario della riconsacrazione di una chiesa del New Jersey, il vescovo ha deciso di conferire l'indulgenza plenaria a chiunque varcherà le soglie della pieve. Urge fermarli, perchè qualora i due riuscissero nell'impresa, si dimostrerebbe l'infallibilità di Dio (che per altro è scomparso e nessuno sa dove sia andato) e tutto l'universo si distruggerebbe. Allora il Metatron, l'angelo per mezzo del quale Dio parla agli uomini, affida questa missione a Bethany Sloane, una tizia che peraltro è in crisi di fede.

Storia intricata, tantissimi personaggi, situazioni assurde, compongono questo affresco satirico verso la religione cristiana , di cui si evidenziano varie assurdità (anche se Smith fa un po' di confusione mettendoci dentro pure la figura di una Musa...). Fra mostri di escrementi e folli angeli sterminatori, la surreale commedia procede per oltre due ore in un susseguirsi di gag, alcune più riuscite di altre, incurante del buon gusto e del politically correct. Un delirio anticristiano che verrà ripreso da Smith nel ben più serio thriller Red State. Qui la baracconata alla Clerks la fa da padrone, complice la coppia Jay&Silent Bob cui sono affidati i momenti più divertenti. Il cast è forse il punto di forza del film, specie l'irresistibile Alan Rickmann che mostra di volersi divertire più che mai nel ruolo di messaggero divino asessuato. Come al solito i più bigotti potranno prendersela, ma la commedia sovversiva è un classico del cinema americano, ed affonda le sue radici nello slapstick di Mack Sennett ed il suo gusto per il suo ribaltamento di regole; la novità forse è il tema trattato, che come ben sappiamo in America è ambivalentemente dileggiato o strenuamente difeso da posizioni ultraconservatrici. Strabismo di un Paese che stampa il motto "In God We Trust" sulle sue banconote ed ha al contempo la più sviluppata industria cinematografica del porno.
Un film molto divertente che a volte eccede nell' autocompiacimento.

Voto: 3,5/5

-Jay & Silent Bob...Fermate Hollywood!
USA 2001 - commedia/grottesco - 104min.

Jay e Silent Bob scoprono che a Hollywood stanno girando un film basato su di loro, così partono per boicottarlo, dato che non hanno ricevuto soldi per i diritti di immagine.

Baracconata nonsense ricca di umorismo triviale e situazioni assurde, con attori che interpretano gente che critica i film dove loro stessi hanno recitato, finti Scooby Doo e registi impegnati in improbabili sequel. Metacinema all'ennesima potenza che fa la gioia di chi è cresciuto negli '90 (e anche un po' prima) per il citazionismo ed i rimandi a serie tv e film del periodo. Ad una prima metà spassosa subentra un secondo tempo più lento e sfilacciato, ma il divertimento è comunque garantito, se si è capaci di non prendere la vita troppo sul serio.

Voto: 2,5/5

-Jersey Girl
USA 2004 - commedia - 102min.

Ollie lavora in un ufficio stampa, ha una bellissima moglie e tutto va alla grande. Senochè la moglie muore di parto. Lo stress della perdita e del crescere da solo la bambina fa sì che si fotta con le sue mani, perdendo il lavoro. Rincasato nel natio New Jersey a casa del vecchio padre, comincia una nuova vita fra depressione, colloqui di lavoro inconcludenti e poco tempo da dedicare alla figlia. Man mano che la bambina cresce però il rapporto fra i due si intensificherà.

Smith prosegue il corso della commedia sentimentale intrapreso con In cerca di Amy, ma qui declina il sentimento nell'ottica padre-figlia, un binomio quasi per nulla usato al cinema: vi si avventura con delicatezza e un po' di melensaggine, ma è sostenuto da una storia piacevole e da bravi interpreti. L'operazione è forse meno fresca ed originale dell'altro film, ma non manca di intenerire, divertire e commuovere: emoziona, insomma. E' il primo film in cui non compare la coppia Jay & Silent Bob, la cui ultima apparizione nella filmografia del regista è nel successivo Clerks II. Da un lato dispiace, ma dall'altro è segno di una maturazione di Smith e della volontà di esplorare nuovi territori.
Gradevole colonna sonora.

Voto: 2,5/5

-Clerks II
USA 2006 - commedia - 97min.

Randal e Dante lavorano al fast food Mooby's dopo che il vecchio quick stop è andato in fumo (letteralmente). Dante sta per sposarsi e trasferirsi con la sua compagna in Florida, ma ha una situazione irrisolta con il suo capo, la seducente Becky. Nel suo ultimo giorno di lavoro al Mooby's, ne capiteranno di tutti i colori.

Passano gli anni ma non la voglia da parte di Smith di divertire in modo irriverente. Questa volta il film è a colori a tinte pastello, come l'infantilismo che pervade tutto il film: i protagonisti sono eterni bambini che non sanno o non vogliono affrontare le responsabilità del mondo adulto. Grande spasso per i cinefili a caccia di citazioni, è reso appetitoso da una bella colonna sonora e dal brio degli interpreti (ancora presente la coppia Jay & Silent Bob).
Nessuna novità di rilievo, ma...repetita iuvat, a volte.

Voto: 2,5/5

-Zack & Miri - Amore a...primo sesso
USA 2008 - commedia - 102min.

Zack & Miri, amici da sempre e compagni di liceo, sono due squattrinati coinquilini di una catapecchia fatiscente da qualche parte nel New Jersey. Per trovare i soldi necessari a pagare l'affitto, hanno l'idea di girare un porno assieme a dei conoscenti. Quest'esperienza modificherà il loro rapporto.

A partire da questo film, Smith inizia a percorrere strade diverse da quelle già ampiamente battute nei film precedenti; siamo ancora nel territorio della commedia, ma c'è un ricambio quasi totale di attori e la storia è del tutto slegata dai film passati. La licenziosità del soggetto ha probabilmente causato il ritardo di distribuzione in Italia, dove è arrivato con 2 anni di ritardo. In realtà si vede molto meno di quanto si immagini, anche se un fugace nudo integrale maschile nel finale potrà far piacere al gentil sesso.
Smith scrive con la consueta irriverenza dialoghi espliciti e pieni di battute volgari, ma un po' di scurrilità ogni tanto è anche divertente. Più che altro il film è sesso-centrico in tutto, e ciò alla lunga stufa un po', specie quando si tenta di conciliare questo aspetto con la più rassicurante commedia sentimentale americana verso cui si scivola pericolosamente nella seconda parte (anche se il finale si salva).
Intrattenimento senza pretese, è adatto ad adolescenti e giovani adulti, mentre probabilmente risulterebbe insopportabile per presone anagraficamente più mature.
Simpatico il cast, azzeccato il reparto costumi, musica poco incisiva.
Così così, ma va bene per passare una serata in compagnia.

Voto: 2,5/5

-Poliziotti fuori
USA 2010 - commedia - 107min.

Due poliziotti, il bianco Jimmy (Bruce WIllis) e il nero Paul (Tracy Morgan) sono sospesi dal servizio per un mese senza stipendio dopo aver mandato a monte un'operazione. Jimmy deve racimolare i soldi per pagare il matrimonio della figlia, vendendo una rara figurina, ma gli viene rubata. Con l'aiuto dell'amico si mette sulle tracce del ladro.

Primo film che Smith dirige senza averlo scritto, e si vede. Il suo ingresso nel mondo del mainstream è la perfetta rappresentazione di quanto il cinema indipendente sia più creativo di quello hollywoodiano da catena di montaggio. Tutto è già visto, a partire dal clichè dei due poliziotti dal rapporto tormentato. Coppia d'azione e coppia comica insieme, i due danno vita a situazioni più o meno divertenti (prevalgono le seconde), non supportati da linee di dialogo all'altezza. Il ritmo è veloce, forse per nascondere l'imperizia di scrittura. Restano qualche battuta ed un paio di gag, il resto si perde nel mare del già visto.
Smith si limita a dirigere il traffico, totalmente subordinato alle logiche di produzione industriale.
Evitabile.

Voto: 1,5/5

Manoel de Oliveira

2012-01-14T11:46:00.000+01:00

Aniki Bóbó (1942)
Il pane (O Pão) (1959) - Documentario
Atto di primavera (Acto da Primavera) (1963)
Passato e presente (O Pasado e o Presente) (1971)
Benilde o la Vergine madre (Benilde ou a Virgem Mãe) (1975)
Amor di perdizione (Amor de Perdição) (1978)
Francisca (1981)
Conversazione privata (Visita, ou Memorias e Confissões) (1982)
Nice... A propos de Jean Vigo (1983) - Documentario
Lisboa Cultural (1984) - Documentario [TV]
Le soulier de satin (1985)
Simposio Internacional de Escultura em Pedra (1986) - Documentario [TV], coregia di Manuel Casimiro
Mon cas (1986)
I cannibali (Os Canibais) (1988)
No, o La folle gloria del comando (Non ou A Vã Gloria de Mandar) (1990)
La divina commedia (A Divina Comédia) (1991)
O Dia do Desespeo (1992)
La valle del peccato (Vale Abraão) (1993)
A Caixa (1994)
I misteri del convento (O Convento) (1995)
Party (1996)
Viaggio all'inizio del mondo (Viagem ao principio do mundo) (1997)
Inquietudine (Inquietude) (1998)
La lettera (A Carta / La Lettre) (1999)
Parola e utopia (Palavra e Utopia) (2000)
Ritorno a casa (Je Rentre à la Maison) (2001)
Porto da Minha Infância (2001)
Il principio dell'incertezza (O Principio da Incerteza) (2002)
Un film parlato (Um Filme Falado) (2003)
Il Quinto Impero - Ieri come oggi (O Quinto Império - Ontem como Hoje) (2004)
Specchio magico (Espelho magico) (2005)
Bella sempre (Belle toujours) (2006)
Cristoforo Colombo - L'enigma (Cristóvão Colombo - O Enigma) (2007)
Singolarità di una ragazza bionda (Singularidades de uma Rapariga Loira) (2009)
O Estranho Caso de Angélica (2010) - 2,5/5

De Oliveira (1908), portoghese, è il regista in attività più vecchio della storia, dato che passato il secolo di vita continua a dirigere film. Alterna la sua produzione di lungometraggi a quella di corti e documentari, e nell'ultimo ventennio ha incredibilmente intensificato la sua attività, realizzando anche due opere all'anno.

-O Estranho Caso de Angélica
Portogallo 2010 - commedia/drammatico/fantastico - 95min.

Un fotografo ebreo che alloggia in un pensionato della cittadina di Peso de Régua, vicino Oporto, viene chiamato nel cuore della notte da una ricca famiglia locale per immortalare il corpo di Angélica, appena deceduta, e di cui la madre vuol conservare un ricordo. Mentre sta scattando le foto, vede la ragazza animarsi e sorridergli attraverso l'obiettivo della macchina fotografica, sebbene essa sia morta. Altri fatti strani continuano ad accadere, col risultato che l'uomo si rinchiude sempre più nella sua stanza e si estranea dalla realtà, sognando di poter incontrare ancora una volta la fanciulla, di cui si è invaghito.

Rielaborando una sceneggiatura che aveva scritto nei primi anni '50, de Oliveira commistiona presente e passato in una specie di atemporalità favolistica; in effetti tutta la vicenda ha un che di fiabesco, non solo per gli inserti esplicitamente fantastici (richiamo agli effetti speciali del cinema delle origini), ma anche per una sorta di sospensione della Storia, che incornicia il paesino sul fiume in una dimensione da libro delle favole, in un'atmosfera da "c'era una volta...". Tenendo la camera quasi sempre fissa, e basandosi sulla ripetizione di azioni, il regista dà l'idea di un tempo ciclico, in cui vita e morte sono concetti un po' astratti, assimilabili a quelli di presenza/assenza. Insomma non è tanto un film sulla morte, quanto sulla mancanza, sull'incompletezza di un uomo che è impossibilitato a congiungersi con la persona amata, e può farlo solo con un atto estremo, rifiutando la sua vita attuale. Certo è che l'impianto così astratto del soggetto concorre a dare l'impressione di un film abbozzato, troppo distante dalla concretezza del quotidiano per riuscire ad essere veramente comunicativo. Si salva quindi un'impressione generale di incanto che può suscitare interesse, anche se mai coinvolgere veramente.
Buona la squadra di attori e gradevole l'accompagnamento musicale di pianoforte.
Così così.

Voto: 2,5/5

A ciascuno il suo cinema o Quel piccolo tuffo al cuore quando le luci si spengono e il film inizia

2012-01-13T16:56:00.001+01:00

(Chacun son cinéma ou Ce petit coup au coeur quand la lumière s'éteint et que le film commence) di Théo Anghelopulos, Olivier Assayas, Bille August, Jane Campion, Youssef Chahine, Chen Kaige, Michael Cimino, Joel Coen, Ethan Coen, David Cronenberg, Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Manoel de Oliveira, Raymond Depardon, Atom Egoyan, Amos Gitai, Alejandro Gonzàles Iñàrritu, Hou Hsiao-hsien, Aki kaurismäki, Abbas Kiarostami, Takeshi Kitano, Andrej Concalovski, Claude Lelouch, Ken Loach, David Lynch, Nanni Moretti, Roman Polanski, Raoul Ruiz, Walter Salles, Elia Suleiman, Tsai Ming-Liang, Gus Van Sant, Lars von Trier, Wim Wenders, Wong Kar-wai, Zhang Yimou - Francia 2007 - episodi/commedia/drammatico/sperimentale - 117min.

Progetto collettivo commissionato dalla direzione del festival di Cannes anno 2007. Il tema comune è il rapporto con la sala cinematografica e la fruizione dei film. Un episodio dei fratelli Coen non è stato incluso nel dvd, però si può vedere su youtube. L'episodio di Lynch invece era assente nella versione cinematografica perché non era stato finito in tempo, però è stato incluso nel dvd. Il film è dedicato a Fellini.

Arena estiva (Cinéma d'été)
Regia: Raymond Depardon
Immagini di un cinema all'aperto in una città mediorientale. La gente si raduna gioiosa per vedere il film. Illustra la bellezza della fruizione collettiva.

Una bella giornata (One Fine Day)
Regia: Takeshi Kitano
Un contadino si reca in un piccolo cinema in mezzo ai campi. Il proiezionista (Beat Takeshi) non riesce a far andare la pellicola (il film mostrato è Kids Return, dello stesso Kitano), che continua a saltare. Il contadino torna rassegnato alla sua vita. Film divertente ma anche malinconico: tipico stile del regista.

Tre minuti (Trois minutes)
Regia: Theo Angelopoulos
Una dichiarazione d'amore di un'anziana Jeanne Moreau nei confronti di Mastorianni, ricalcando battute del film La notte, in cui hanno recitato assieme.
Comprende anche un estratto dal film Il volo, collaborazione fra quest'ultimo ed il regista greco. E' un omaggio all'attore nostrano.

Al buio (Dans le Noir)
Regia e sceneggiatura: Andrej Končalovskij
Mentre una donna si commuove guardando un film, nelle file posteriori c'è una coppia che copula, incurante di quanto viene proiettato sullo schermo. Superfluo, ma bella fotografia.

Diario di uno spettatore
Regia: Nanni Moretti
Confessioni di moretti al pubblico, su episodi legate a film visti al cinema o a cinema particolari. Uno dei più divertenti.

The Electric Princess House
Regia: Hou Hsiao-hsien
Bianco e nero. Cina inizio Novecento, una donna porta dei bambini al cinema. Colore, all'interno della sala si proietta un video di un autoscontro. Ermetico, che vuol dire?
Comprende un estratto dal film Mouchette - Tutta la vita in una notte.

Nell'oscurità (Dans l'obscurité)
Regia e sceneggiatura: Jean-Pierre e Luc Dardenne
Un ladruncolo tenta di frugare nella borsa di una ragazza assorbita nella visione di un film, in sala. Non ci riesce. Molto autoriale, nel senso peggiore, ma è una dichiarazione d'amore al cinema.
Comprende un estratto dal film Au hasard Balthazar (solo sonoro).

Absurda
Regia: David Lynch
Voci over narrano di un fatto misterioso, forse l'uccisione di una ballerina. sul palcoscenico della sala buia e vuota di alternano strane visioni. Onirismo lynchano al 100%, stile Rabbits.

Anna
Regia e sceneggiatura: Alejandro González Iñárritu
Anna è cieca, ma si commuove lo stesso in sala. Potenza del cinema. Grande fotografia.

Guardando il film (En regardant le film)
Regia: Zhang Yimou
proiezione in un villaggio cinese, con bimbi incuriositi. Tipico esempio di cinema "sociale" del regista, di ispirazione neorealista..

Il Dibbuk di Haifa (Le Dibbouk de Haifa)
Regia: Amos Gitai
Lo stesso film proiettato a Varsavia nel 1936 e ad Haifa nel 2006, sala gremita di gente, nel secondo caso scoppia una bomba che fa una strage. La persecuzione degli ebrei perpetrata nella Storia.

Lady Insetto (The Lady Bug)
Regia: Jane Campion
un tizio tenta di schiacciare un insetto. La cosa è vista anche dalla prospettiva dell'insetto, che un attore con un costume da insetto. Dialogo in sottofondo. Superfluo.
Dedicato ai «due gentleman di Cannes Gilles Jacob e Pierre Rissent».

Artaud doppio spettacolo (Artaud Double Bill)
Regia: Atom Egoyan
Scambio di battute fra tizi in sale diverse che comunicano tramite cellulare. Atmosfera sinistra. Inquietante, anche se non si capisce il perchè.
Comprende estratti dai film Questa è la mia vita (la sequenza che contiene a sua volta l'estratto da La passione di Giovanna d'Arco) e Il perito.

La fonderia (Valimo)
Regia: Aki Kaurismäki
Operai in una fonderia sovietica; nella pausa si proietta una veduta dei Lumiere, doppiata a farne un film di propaganda comunista. Critica politica ironica e spiritosa.

Recrudescenza (Recrudescence)
Regia: Olivier Assayas
Un tizio segue una ragazza che in compagnia del suo uomo va al cinema. mentre i due si baciano, l'uomo le ruba la borsetta. Superfluo.

47 anni dopo (47 Ans Après)
Regia: Youssef Chahine
Un ricordo del regista di molti decenni prima, quando il suo film era passato inosservato al festival, ed ora, che ha ricevuto un riconoscimento ufficiale. Grande soddisfazione. Chi la dura la vince.

È un sogno (It's a Dream)
Regia: Tsai Ming-liang
Ricostruzione di un sogno del regista, lui da bambino che guarda un film in una sala assieme a parenti defunti. Dello stesso regista raccomando Goodbye, Dragon Inn; ha delle affinità tematiche con questo.

Occupazioni (Occupations)
Regia e sceneggiatura: Lars von Trier
Lars von Trier si libera di un vicino di sala fastidioso. Esilarante gag. il vertice comico del film.

Il dono (Le Don)
Regia: Raoul Ruiz
Un regista commenta con sua nipote delle riprese che ha fatto in sud America anni prima, appena prima di rimanere cieco. Inconcludente.

Il cinema sul boulevard (Cinéma de Boulevard)
Regia: Claude Lelouch
Omaggio al cinema ed ai genitori del regista.
Comprende estratti dai film Cappello a cilindro, La grande illusione, Quando volano le cicogne e Un uomo, una donna.

Primo bacio (First Kiss)
Regia: Gus Van Sant
Un ragazzo entra nel film e bacia una gnocca che sta dall'altra parte. Il cinema come veicolo di realizzazione dei sogni e come realtà alternativa.

Cinema erotico (Cinéma Erotique)
Regia: Roman Polański
Un'anziana coppia va al cinema a vedere Emmanuelle. Dietro di loro un uomo si sta masturbando. Chiedono l'intervento dello staff. Sorpresa. Divertente, ma prevedibile.

Traduzione non richiesta (No Translation Needed)
Regia: Michael Cimino
Un teatro in Sud America in cui il regista assiste ad uno spettacolo musicale. Imbarazzante.

Il suicidio dell'ultimo ebreo del mondo nell'ultimo cinema del mondo (At the Suicide of the Last Jew in the World in the Last Cinema in the World)
Regia: David Cronenberg
Un reality show immaginario sul suicidio dell'ultimo ebreo del ondo. Temi cari a Cronenberg in una cornice inquietante.

I Travelled 9000 km To Give It To You
Regia: Wong Kar Wai
Rapporto sentimentale di due tizi in una sala cinematografica. Bello visivamente.
Comprende un estratto dal film Agente Lemmy Caution, missione Alphaville (solo sonoro).

Dov'è il mio Romeo (Where Is My Romeo)
Regia: Abbas Kiarostami
primi piani di donne arabe commosse durante la visione in sala del film Romeo e Giulietta. Poco ispirato.

Appuntamento all'ultimo spettacolo (The Last Dating Show)
Regia: Bille August
Un tizio ci sta provando con una donna araba in un cinema, traducendogli come vuole lui il film che stanno guardando, di cui la donna non capisce la lingua; tre tizi davanti a loro gli chiedono di far silenzio. Nasce una situazione spiacevole. Divertente degenerazione di una situazione quotidiana.

Maldestro (Irtebak)
Regia e sceneggiatura: Elia Suleiman
un regista sta assistendo all'anteprima del suo film in sala, ma combina tanti macelli perchè è maldestro. Fine umorismo e grottesca interpretazione.

L'unico incontro (Rencontre Unique)
Regia e sceneggiatura: Manoel de Oliveira
Ricostruzione di un immaginario incontro fra Kruscev e papa Giovanni XXIII. Spiritoso e fine, si sente la mano di un maestro.

A 8.944 chilometri da Cannes (À 8944 km de Cannes)
Regia: Walter Salles
Dialogo musicale in Brazile fra due tizi, di cui uno racconta all'altro cose su Cannes. Divertente performance dei due attori.

Guerra in tempo di pace (War in Peace)
Regia: Wim Wenders
Una proiezione in un villaggio tribale in Congo. Lo spettro della guerra che non abbandona mai l'Africa.
Comprende un estratto dal film Black Hawk Down (solo sonoro).

Nel villaggio di Zhanxiou (Zhanxiou Village)
Regia: Chen Kaige
In un villaggio rurale della Cina un gruppo di bimbi ricorre ad una strategia di gruppo per far funzionare un proiettore. Fra di loro anche un bimbo cieco. Un altro film sulla cecità ed il cinema. Episodio in B/N con epilogo a colori.

Lieto fine (Happy Ending)
Regia: Ken Loach
Padre e figlio in coda incerti sul film da vedere, causano disagi a tutta la fila. Senza pretese. Film sulla maleducazione della gente.

Epilogo (Epilogue)
Estratto dal film Il silenzio è d'oro di René Clair.

In sintesi: un esperimento con i suoi punti di interesse, un excursus interessante sul cinema di tutto il mondo.

Voto: 3/5

Keisuke Kinoshita

2012-01-06T13:45:00.000+01:00

1943 The Living Magoroku 生きてゐる孫六 Ikite iru Magoroku
1943 Port of Flowers 花咲く港 Hana saku minato
1944 The Army 陸軍 Rikugun
1944 Jubilation Street 歓呼の町 Kanko no Machi
1946 The Girl I Loved わが恋せし乙女 Waga koiseshi otome
1946 La mattina della famiglia Osone (大曾根家の朝 Ōsone-ke no asa)
1947 Phoenix 不死鳥 Fushichō
1947 Marriage 結婚 Kekkon
1948 Apostasy 破戒 Hakai
1948 The Portrait 肖像 Shōzō
1948 The Lady (aka, Woman) 女 Onna
1949 Broken Drum 破れ太鼓 Yabure daiko
1949 The Yotsuya Ghost Story I & II 新釈四谷怪談(前後編) Shin'yaku Yotsuya kaidan (sengo hen)
1949 Let's Toast the Young Lady お嬢さん乾杯！ Ojō-san kanpai!
1950 Wedding Ring (aka, Engagement Ring) 婚約指環 Kon'yaku yubiwa
1952 Fireworks by the Ocean (aka, Fireworks Over the Sea) 海の花火 Umi no hanabi
1952 A Record of Youth (aka, Boyhood) 少年期 Shonen-ki
1952 Carmen Se ne torna a casa (カルメン故郷に帰る Karumen kokyō ni kaeru)
1952 Good Devil 善魔 Zenma
1952 Il puro amore di Carmen (カルメン純情す Karumen junjōsu)
1953 Tragedia del Giappone [aka: Una tragedia giapponese] (日本の悲劇 Nihon no higeki) - 3/5
1954 Ventiquattro occhi (二十四の瞳 Nijushi no hitomi)
1954 The Garden of Women (aka, The Eternal Generation) 女の園 Onna no sono
1955 My First Love Affair (aka, You Were Like a Wild Chrysanthermum) 野菊の如き君なりき Nogiku no gotoki kimi nariki
1955 The Tattered Wings (aka, Distant Clouds) 遠い雲 Tōi kumo
1956 A Rose on His Arm 太陽とバラ Taiyō to bara
1956 Farewell to Dream (aka, Clouds at Twilight) 夕やけ雲 Yūyake-gumo
1957 Danger Stalks Near (aka, Candle in the Wind) 風前の灯 Fūzen no tomoshibi
1957 The Lighthouse (aka, Years of Joy and Sorrow) 喜びも悲しみも幾歳月 Yorokobi mo kanashimi mo ikutoshitsuki
1958 The Eternal Rainbow この天の虹 Kono ten no niji
1959 The Snow Flurry 風花 Kaza-hana
1959 Farewell to Spring 惜春鳥 Sekishunchō
1958 La leggenda di Narayama (楢山節考 Narayama bushi kō)
1960 The River Fuefuki 笛吹川 Fuefukigawa
1960 Spring Dreams 春の夢 Haru no yume
1961 Amore immortale (永遠の人 Eien no hito)
1962 Ballad of a Workman (aka, The Seasons We Walked Together) 二人で歩いた幾春秋 Futari de aruita ikushunjū
1962 This Year's Love 今年の恋 Kotoshi no koi
1963 Legend of a Duel to the Death 死闘の伝説 Shitō no densetsu
1963 Sing, Young People! 歌え若人達 Utae wakōdotachi
1964 The Scent of Incense 香華 Kōge
1967 Lovely Flute and Drum なつかしき笛や太鼓 Natsukashiki fue ya taiko
1969 Thus Another Day 今日もまたかくてありなん Kyō mo mata kakute arinan
1976 Love and Separation in Sri Lanka スリランカの愛と別れ Suri Ranka no ai to wakare
1979 Oh, My son! (aka, Impulse Murder) 衝動殺人・息子よ Shōdō satsujin musuko yo
1980 The Young Rebels 父よ母よ! Chichi yo, haha yo!
1983 Children of Nagasaki この子を残して Kono ko o nokoshite
1986 Big Joys, Small Sorrows 新・喜びも悲しみも幾歳月 Shin yorokobi mo kanoshimi mo ikutoshitsuki
1988 Father 父 Chichi

Kinoshita (1912-1998), giapponese, è un regista molto noto in patria ma molto meno conosciuto in occidente. Appassionato del cinema fin da bambino, entra nella Shochiku come direttore della fotografia dopo aver studiato alla Oriental Photography School. Allo scoppio della WWII sarà chiamato in guerra in Cina, da cui farà ritorno con un congedo per malattia. Dedicandosi completamente al cinema, diventa regista nel 1943 vincendo il premio per miglior cineasta esordiente (battendo Akira Kurosawa che esordì nello stesso anno) con Port of Flowers. In seguitò realizzò tantissimi film, riscuotendo successi di pubblico e di critica, fra cui in occidente sono noti soprattutto Tragedia del Giappone [aka: Una tragedia giapponese] e La leggenda di Narayama (rifatto da Imamura nel 1983).

-Tragedia del Giappone [aka: Una tragedia giapponese]
Giappone 1953 - drammatico - 116min.

Fin dove può spingersi l'amore di una madre verso i propri figli? Fino alla prostituzione, alla vendita della propria dignità per assicurare ad essi un futuro; e se i figli, malgrado tutti i sacrifici compiuti dalla madre, la disconoscono, la disprezzano, che le resta? Solo morte.

Melodramma alla giapponese: tragico fino alle lacrime (almeno per lo spettatore dell'epoca), oggi forse colpisce di più per i suoi meriti tecnici, fra cui una bella fotografia senza luci artificiali, memore della lezione neorealista, ed una regia misurata che muove appena la telecamera ricorrendo ad un unico movimento, la carrellata laterale, che diviene leitmotiv del film spezzando la monotonia della camera fissa. Il montaggio inoltre spezza la narrazione con inserti di cinegiornali che illustrano i movimenti di piazza, i disordini sociali, le lotte popolari dell'epoca: un periodo di grande agitazione sociale quello del dopoguerra giapponese, in cui si fatica a trovare il proprio posto nel mondo ed in cui una madre (ottima interpretazione di Yûko Mochizuki, premiata in patria) è disposta a tutto per far avere successo ai figli. Picco emozionale nel tragico finale, ma il film è in grado di coinvolgere per tutta la sua durata grazie ad una scrittura agile ed ancora godibile.

Voto: 3/5

Tommy Wirkola

2011-12-26T12:45:00.000+01:00

Remake (2006)
Kill Buljo (2007)
Dead Snow (2009) - 1/5
Tomme tønner (2009)

Wirkola (1979), norvegese, è specializzato in film parodici dalle tinte splatter.

-Dead Snow
Norvegia 2009 - commedia horror - 90min.

Un gruppo di amici, studenti di medicina, va a trascorrere una vacanza in una baita in mezzo alle montagne innevate. Qui vengono a conoscenza di una leggenda locale che vede le vette maledette e popolate da famelici esseri assetati di sangue. Ovviamente non ci credono. Ovviamente moriranno.

Parodia orrorifica che mescola Raimi e Romero con il risultato di un'accozzaglia di cliché che non fa ridere quasi per nulla. Non raggiunge nemmeno la soglia minima di divertimento raccomandabile per consigliarlo per una visione tra amici. Riciclare stereotipi non è garanzia di divertimento e questo film ne è la prova. Peccato perché la fotografia coglie immortala qualche bell'immagine qua e là. L'interpretazione migliore è quella del colonnello Herzog.
Chi vedrà il film coglierà l'ironia.

Voto: 1/5

Brett Leonard

2011-12-22T16:49:00.000+01:00

Incubo in corsia (The Dead Pit) (1989)
Il tagliaerbe (The Lawnmower Man) (1992)
Premonizioni (Hideaway) (1995)
Virtuality (Virtuosity) (1995)
T-Rex: Back to the Cretaceous (1998)
Siegfried & Roy: The Magic Box (1999)
Man-Thing - La natura del terrore (Man-Thing) (2005)
Feed (2005) - 1,5/5
Highlander: The Source (2007)

leonard (1959), americano, regista di videoclip oltre che di cinema, è noto al pubblico principalmente per l'adattamento (molto libero) del racconto di Stephen King Il tagliaerbe, ma anche Feed ha avuto un certo successo underground.

-Feed
Australia 2005 - thriller - 101min.

Il cyber-poliziotto Richard (Jack Thompson) è da poco tornato a casa dopo una missione in Germania (richiamo al caso del cannibale di Hamburg). Sconvolto per ciò che vede nel suo lavoro ed insoddisfatto dal rapporto con la sua compagna, che lo lascia, è in piena crisi. Scopre un sito illegale in cui sono pubblicati video di feeder, persone che che nutrono donne consenzienti fino a renderle enormemente grasse, il che spesso porta alla loro morte. Indagando sul caso, Thompson scoprirà un mondo sommerso di depravazione senza limiti.

Lo spunto interessante è l'unica cosa positiva del film, adatto solo a stomaci forti, weird-seekers, horror fans e depravati. La realizzazione tecnica è povera, benché gli effetti speciali "ingrassanti" funzionino, è la recitazione è quello che è. Anche il finale scivola nel già visto risultando banale, sebbene la vicenda presenti qualche momento interessante specie dal punto di vista del problema giudiziario: è illegale dar da mangiare ad una persona consenziente?
Ributtante.

Voto: 1,5/5

Dino Risi

2011-12-22T16:15:00.000+01:00

Vacanze col gangster (1951)
Il viale della speranza (1953)
L'amore in città - episodio Paradiso per 4 ore (1953)
Il segno di Venere (1955)
Pane, amore e... (1955)
Poveri ma belli (1957)
La nonna Sabella (1957)
Belle ma povere (1957)
Il vedovo (1959)
Poveri milionari (1959)
Venezia, la luna e tu (1959)
Il mattatore (1959)
Un amore a Roma (1960)
A porte chiuse (1961)
Una vita difficile (1961)
Il sorpasso (1962)
Il successo (1963)
La marcia su Roma (1963)
Il giovedì (1963)
I mostri (1963)
Le bambole - episodio La telefonata (1965)
Il gaucho (1965)
I complessi - episodio Una giornata decisiva (1965)
L'ombrellone (1966)
I nostri mariti - episodio Il marito di Attilia (1966)
Operazione San Gennaro (1966)
Il tigre (1967)
Straziami, ma di baci saziami (1968)
Il profeta (1968)
Vedo nudo (1969)
Il giovane normale (1969)
La moglie del prete (1970)
Noi donne siamo fatte così (1971)
In nome del popolo italiano (1971)
Mordi e fuggi (1973)
Sessomatto (1973)
Profumo di donna (1974)
Telefoni bianchi (1976)
Anima persa (1977) - 3/5
La stanza del vescovo (1977)
I nuovi mostri - episodi Con i saluti degli amici, Tantum ergo, Pornodiva, Mammina e mammine e Senza parole (1977)
Primo amore (1978)
Caro papà (1979)
Sono fotogenico (1980)
I seduttori della domenica - episodio Il carnet di Armando (1980)
Fantasma d'amore (1981)
Sesso e volentieri (1982)
...e la vita continua (1984) (TV)
Dagobert (1984)
Scemo di guerra (1985)
Il commissario Lo Gatto (1986)
Teresa (1987)
Carla - Quattro storie di donne (1987) (TV)
Il vizio di vivere (1988) (TV)
La ciociara (1988) (TV)
Vita coi figli (1990) (TV)
Tolgo il disturbo (1990)
Missione d'amore (1992) (Miniserie TV)
Giovani e belli (1996)
Esercizi di stile - episodio Myriam (1996)
Le ragazze di Miss Italia (2002) (TV)

Risi (1916-2008), prolifico regista-sceneggiatore milanese, è stato uno dei maggiori esponenti della commedia all'italiana, ma ha spaziato in diversi generi.

-Anima persa
Italia 1977 - thriller/drammatico - 97min.

Il giovane Tino va a Venezia ospite degli zii per studiare arte. La casa è una decadente magione dell'alta aristocrazia veneziana, per metà disabitata ed in stato di abbandono. Lo zio (Vittorio Gassman) è un uomo rigido e schematico, la zia (Catherine Deneuve) è afflitta dalla sua condizione di relegata in casa e soffre di emicranie ed insonnie. L'atmosfera che si respira nella casa è pesante, e lo diviene ancor di più quando Tino scopre l'esistenza di un fratello pazzo dello zio relegato in soffitta...

Tratto dal romanzo Un'anima persa di Giovanni Arpino (proprio come il precedente Profumo di donna), il film è uno stacco netto rispetto alla commedia tipica di Risi, che qui si cimenta nel thriller psicologico alla Polanski (elemento esplicitato dalla presenza della Deneuve), forte dell'atmosfera malsana di una Venezia sudicia e spettrale. Sebbene l'impianto narrativo non riservi grosse sorprese, dato che lo svolgimento è intuibile, il finale è comunque in grado di riservare qualche sorpresa. C'è un notevole lavoro scenografico e fotografico che contribuisce in maniera determinate al risultato finale, inabissando la torbida vicenda in un'ambiente lugubre e pulsante di malsanità. Il terzetto di interpreti principali, Gassman fra tutti, garantisce una prova attoriale da ricordare.
Film di genere intrigante e non privo di fascino.

Voto: 3/5

Matthew Vaughn

2011-12-21T16:26:00.000+01:00

The Pusher (Layer Cake) (2004)
Stardust (2007)
Kick-Ass (2010) - 3,5/5
X-Men - L'inizio (X-Men: First Class) (2011)

Vaughn (1971), regista e produttore inglese, ha ottenuto notorietà col suo primo lungometraggio Layer Cake con Daniel Craig. Poi ha realizzato due adattamenti: uno da un libro del fumettista Neil Gaiman, Stardust, e uno dalla saga a fumetti Kick-Ass. Ha anche prodotto molti film in collaborazione con Guy Ritchie.

-Kick-Ass
USA/UK 2010 - azione/fantastico - 117min.

Un ragazzo un po' sfigato di una qualsiasi città americana fa la sua vita normale in compagnia di un paio di amici, cercando un modo per abbordare la ragazza che gli piace senza riuscirci ecc. Come molti della sua età è anche appassionato di fumetti di supereroi, e decide di diventarlo lui stesso. La sua prima impresa per poco non lo porta alla morte, ma ha anche una conseguenza positiva: diventa poco sensibile al dolore. Diventa famoso sul web grazie ad un video amatoriale, ed è una spina nel fianco di un potente criminale che vuole farlo fuori. Auto-nominatosi Kick-Ass, il nostro eroe scoprirà di non essere il solo in città.

Bellissimo film che stravolge il genere, prende per il culo Spider-Man ribaltandone la morale (le grandi responsabilità ce le hanno tutti, anche chi non ha alcun potere) e Batman (è presente Nicolas Cage che si veste con un costume simile a quello del pipistrello). Privo di superpoteri un eroe può fare poco. O forse no? Il film, sarabanda di scene d'azione ben coreografate, situazioni assurde, scurrilità a iosa, violenza fumettistico/Matrix-style/tarantiniana, musica rock a palla, propende per quest'ultima ipotesi, e si diverte a dipingere l'improbabile situazione di un ragazzo che vuol far qualcosa per il mondo. Difficile valutare se ci sia una morale in questo film, a volte soffocato dall'azione violenta. Quel che è certo è che è una delle cose più divertenti e fuori dagli schemi che Hollywood abbia sfornato da anni. Se vi fa un certo effetto vedere una ragazzina undicenne che impala un gruppo di trafficanti, allora potreste trovarlo di cattivo gusto; personalmente lo ritengo geniale.
Tratto dalla serie di fumetti creata da Mark Millar e disegnata da John Romita Jr.

Voto: 3,5/5

Jean-Jacques Annaud

2011-12-18T13:22:00.000+01:00

Bianco e nero a colori (Noir et blancs en couleur) (1977)
Il sostituto (Coup de tête) (1978)
La guerra del fuoco (La guerre du feu) (1981)
Il nome della rosa (Der Name der Rose) (1986)
L'orso (L'Ours) (1988)
L'amante (L'amant) (1992)
Les Ailes du courage (1995)
Sette anni in Tibet (Seven Years In Tibet) (1997)
Il nemico alle porte (Enemy at the Gates) (2001)
Due fratelli (Two Brothers) (2004)
Sa Majesté Minor (2007)
Il principe del deserto (Black Gold) (2011) - 3/5

Annaud (1943), francese, è noto per i suoi lavori concilianti impegno e spettacolo. Dopo aver studiato all'École technique de photographie et de cinéma di Parigi e all'Institut des hautes études cinématographiques (IDHEC), ha iniziato a lavorare come pubblicitario. Già dal suo primo film, oscar per miglior film straniero, mostra la sua predilezione per i luoghi esotici, ripresi in molti suoi film.

-Il principe del deserto
Francia/Italia/Qatar 2011 - avventura/storico - 130min.

Penisola arabica, inizio '900. Due capitribù si incontrano in mezzo ad un campo di battaglia: Amar (Mark Strong) deve accettare le condizioni di resa, avendo perso lo scontro, ovvero la proclamazione della Striscia Gialla (il territorio conteso tra i due) come territorio neutrale, zona cuscinetto fra i dominii dei due. A garanzia del rispetto del patto, Amar deve consegnare al rivale Nesib (Antonio Banderas) i suoi due figli, Saleeh e Auda, che verranno cresciuti dal nemico.

Anni dopo, Un gruppo di rappresentanti di compagnie petrolifere texane annunciano a Nesib di aver scoperto il petrolio nella Striscia Gialla, e di voler contrattare con lui per lo sfruttamento: come assicurarsi le risorse della zona neutrale senza violare il patto siglato anni prima? I due fratelli possono essere lo strumento giusto; ma le cose non vanno come dovrebbero.

Tratto dal romanzo “Paese dalle ombre lunghe” (1957) dell'italo-svizzero Hans Ruesch (1913-2007), l'undicesimo lungometraggio di Jean-Jacques Annaud è un epica storica che è impossibile non raffrontare a Lawrence d'Arabia, più per la scarsa quantità di film epici di ambientazione araba che per il concept di fondo, molto diverso. Ma la traversata del deserto e le imponenti scene di battaglia richiamano per forza alla mente il film di David Lean, che rimane insuperato per grandiosità dell'affresco sociopolitico.

Ciò non toglie nulla al lavoro più che apprezzabile svolto da Annaud assieme al produttore Tarak Ben Ammar, ideatore del progetto. L'opera si concentra sulle psicologie dei protagonisti e sulla evoluzione delle stesse: Auda, il protagonista della storia, passa dalla personalità schiva e timorosa a quella coraggiosa del combattente con convincente progressione, e non è che una delle numerose figure i cui comportamenti si modificheranno nel corso della lunga vicenda.

Tutto senza trascurare l'aspetto avventuroso tipicamente romanzesco né l'aspirazione al resoconto storico di un mondo teocratico che si trova improvvisamente a dover fare i conti con i concetti più terreni di “economia, mercato, profitto”: il mondo industriale che avanza e che gli arabi dell'epoca faticano a capire, continuando a questionare sul significato delle sure del Corano, la lotta per il mantenimento della propria identità in un mondo che cambia inesorabilmente, in bilico fra convivenza pacifica e scontro di civiltà. Temi caria ad Annaud, che li ha già affrontati in Sette anni in Tibet, L'amante e persino nel suo film d'esordio Bianco e nero a colori, Oscar per miglior film straniero 1977.

Purtroppo questo anelare alla grandiosità ha prodotto alcuni difetti: la scelta del cast per esempio, lungi dal provocare deficienze qualitative, lasciano un po' perplessi riguardo la provenienza: perchè far interpretare il ruolo di una principessa araba a Freida Pinto che, pur splendida, è indiana? Anche Banderas appare fuori posto, ma la sua interpretazione è notevole. Inoltre alcune lungaggini potevano essere tagliate. Encomiabile invece il rifiuto di usare effetti speciali computerizzati, conferendo al film la giusta dose di realismo e verosimiglianza.

Dipanandosi attraverso vari anni e districandosi fra personaggi di provenienze e proponimenti svariati, il regista è riuscito nella difficile impresa di coniugare assieme potenza narrativa, coerenza logica, rispetto del contesto storico (grande il lavoro di ricostruzione ambientale, con centinaia di costumi e riproduzioni di armi da guerra), analisi socio-politico-culturale, ottenendo come risultato un film che parla dell'Oriente fatto per essere visto ed apprezzato dall'Occidente.

Sciocco il titolo italiano (l'originale è Or Noir).

Voto: 3/5

Gaspar Noé

2011-12-07T15:15:00.005+01:00

Tintarella di luna (1985)
Pulpe amère (1987)
Carne (1991)
Une expérience d'hypnose télévisuelle (1995)
Sodomites (1998)
Intoxication (1998)
Seul Contre Tous (1998)
Irréversible (2002) - 2,5/5
Eva (2005)
Destricted (segment, We Fuck Alone) (2006)
8 (segment, SIDA) (2007)
Enter The Void (2009) - 4/5

-Irréversible
Francia 2002 - drammatico - 95min.

Si inizia dalla fine (cronologicamente): un uomo viene portato in barella fuori dal locale gay Rectum. A ritroso, si assiste alla sortita di quest'ultimo (Vincent Cassel), assieme ad un amico, all'interno del locale per cercare un uomo. Il perché viene chiarito in seguito, andando ancora più indietro: è lo stupratore della moglie (Monica Bellucci) di lui.

Il film di Noè, che si rifarà ampiamente con Enter The Void, soffre di diverse pecche, a cominciare dalla costruzione in rewind in ritardo di due anni rispetto a Memento di Nolan. I coreografici movimenti di macchina che divengono reiterata marca stilistica nel succitato film successivo, appaiono qui un po' senza senso, inutilmente velleitari e fastidiosi alla vista, anche se di impatto nella sequenza all'interno del locale Rectum. Di buon impatto il piano-sequenza dello stupro, anche se da lì in avanti il film finisce, non succede più nulla di rilevante, e nella tranquilla descrizione della vita sentimental-sessuale della coppia la regia si rilassa in vuote conversazioni alla Tarantino con attori semi o totalmente nudi. Sembra in effetti la proposizione abbozzata dei temi che verranno affrontati in Enter The Void, e la cosa non stupisce dato che Noé ha realizzato Irréversible per ottenere i fondi necessari alla realizzazione dell'altro film.
Trattasi quindi di un film non particolarmente voluto, che funge più che altro da laboratorio in cui sperimentare alcune soluzioni visive che saranno riprese in seguito.

Voto: 2,5/5

-Enter The Void
Francia 2009 - sperimentale - 161min.(versione integrale)

Oscar, spacciatore americano che vive a Tokyo, è stato da poco raggiunto dalla sorella Linda. I due sono molto legati in seguito ad un trauma infantile comune. Oscar passa le sue giornate con l'amico Alex, fra droga e avventure sessuali. Una sera un'affare salta ed Oscar, tentando la fuga dalla retata della polizia, è sparato. Morente, prova la sensazione di uscita dal corpo tipica del trip allucinogeno, e di cui ha letto anche di recente nel Libro Tibetano Dei Morti, che descrive il viaggio dell'anima a seguito della morte fisica. Sogno di un moribondo o vera esperienza post-mortem?

Quindici anni di continue riscritture; più di un mese di riprese Fra Tokyo e Montreal; un anno di post-produzione per il complicato lavoro estetico e di effetti speciali; La presentazione a Cannes nel 2009 in versione integrale di 161 minuti, il lavoro ininterrotto di post-produzione che ritarda l'uscita nelle sale francesi di un anno in versione accorciata, di 154 minuti, poi in Usa e Uk in una riduzione di 137 minuti (se riprodotto a 25 frame al secondo) o 142 (se a 24 frame) ed ora, all'alba del 2011, anche in Italia (non so in che versione).
Enter The Void è il progetto di una vita, e come tale non può che essere un capolavoro. Paradigma della post-modernità, ma che forse va già oltre, usa i linguaggi correnti per crearne uno nuovo.
Tutto in soggettiva il lungo prologo; in prima persona anche il viaggio post-mortem, mentre i flashback sono spesso in terza persona ravvicinata (visuale da videogame, per intenderci, alle spalle del personaggio). Montato in modo da sembrare un ininterrotto piano-sequenza, a dir poco magistrale quando da un buco d'appartamento sale fino in cielo all'interno di un aeroplano per poi ridiscendere.
Noé si ispira parzialmente ai suoi trip giovanili, ma dichiara anche molti riferimenti artistici: 2001 evidentemente, nonché il libro soprammenzionato che ha effettivamente letto, ma anche il cinema sperimentale di Kenneth Anger, Jordan Belson e Peter Tscherkassky.
Splendida fotografia di Benoit Debie, già collaboratore di Noé in Irreversible.
Enter The Void è la rappresentazione dell'irrapresentabile, un'esperienza cinematografica al momento unica e di conseguenza imprescindibile per chiunque si interessi di quest'arte. A volte può risultare estenuante, ma tutto sta nel lasciarsi andare al flusso di immagini/ricordi/sogni stando al gioco del regista. Chi ha una mentalità troppo ristretta e pragmatica non potrà apprezzarlo.
Bel lavoro sul sound design, con suoni electronic che danno l'illusione di extra-fisicità. Accorta scelta degli attori, un mix fra professionisti ed amatoriali che rende il tutto più convincente.
Splendido finale aperto, affascinante ed irritante insieme.
Ipnotizzante, vertiginoso.
Rimarrà.

Voto: 4/5

Jean-Pierre Améris

2011-12-04T13:21:00.002+01:00

Le bateau de mariage (1993)
Les aveux de l'innocent (1996)
Tous nos voeux de bonheur (1997)
Madame Dubois - Hôtel Bellevue (1997)
L'amour à vif (1998)
Mauvaises fréquentations (1999)
C'est la vie (2001)
Poids léger (2004)
Je m'appelle Elisabeth (2006)
Maman est folle (2007)
Emotivi Anonimi (Les Émotifs anonymes) (2010) - 2/5

Améris (1961), è uno sceneggiatore e regista francese.

-Emotivi Anonimi
Francia 2010 - commedia - 80min.

Francia. Jean-René (Benoît Poelvoorde), cioccolataio proprietario di una piccola fabbrica artigianale, è iper-motivo, costantemente ansiogeno. Il suo medico gli suggerisce quindi di instaurare una relazione con una donna. L'occasione si presenta con l'assunzione della nuova addetta alle vendite, Angélique (Isabelle Carré), anch'ella iper-emotiva e segreta mastro-cioccolataia, preda di attacchi di panico e svenimenti se oggetto di eccessive attenzioni da parte di altri e frequentatrice assidua del circolo degli emotivi anonimi. Fra i due scocca la scintilla.

Chi ricorda Benoît Poelvoorde solamente per il suo esordio del 1992 Il Cameraman e l'Assassino, che egli stesso aveva co-diretto assieme aRémy Belvaux (1966-2006) e André Bonzel, farà effetto scoprire il suo talento comico in questa commedia molto francese, tutta canzoncine e sorrisini, diretta da Jean-Pierre Améris, iper-emotivo che ha riversato molto del proprio vissuto nel tratteggio delle psicologie traballanti dei due protagonisti.

Un film svelto, conciso, prevedibile nel suo sviluppo da favola romantica, che non si discosta mai da binari già noti e sfrutta i topoi classici di questo genere di produzioni: equivoci, doti nascoste dei personaggi che emergono durante il corso della narrazione, personaggi di contorno più utili a fare numero che a fornire spunti narrativi interessanti. La pellicola, di cui raccomando la visione in lingua originale, sicuramente più incisiva di quella doppiata (le parti cantate comunque sono rimaste quelle originali), procede fra gag più o meno riuscite e sviluppi più o meno divertenti fino allo scontato finale. Tutto si regge sull'affiatamento dei due attori protagonisti e sulla loro mimica.

Se è vero che da una commedia sentimentale è forse illecito aspettarsi una trama particolarmente elaborata, più discutibile è l'approccio registico all'insegna dell'astrazione, del surrealismo, della programmatica scarsa attinenza alla realtà della vicenda che appare un po' fuori dal tempo e dallo spazio, depotenziando un tema che invece sarebbe stato interessante da approfondire nei suoi contesti concreti, soprattutto in virtù del fatto che si tratta di un disagio poco conosciuto e trattato al cinema, di cui il regista e la stessa attrice Isabelle Carré hanno sofferto in gioventù.

Rimane un vacuo passatempo, accompagnato da una gradevole colonna sonora fra cui spicca un'Oci Ciornie cantata in scena da Poelvoorde.

Superfluo.

Voto: 2/5

Sebastiàn Lelio

2011-11-25T17:37:00.002+01:00

Cuatro (1996) (corto)
Ciudad de maravillas (2001) (corto)
Carga vital(2003) (corto)
Cero (2003)
Mi mundo privado (2004)
La sagrada familia (2005)
Navidad (2009)
El año del tigre (2011) - 2/5

Lelio, cileno, si è diplomato alla Escuela De Cine. Dopo svariati corti e documentari, ha realizzato il suo primo film di finzione nel 2005. El año del tigre è stato presentato a Locarno.

-El año del tigre
Cile 2011 - drammatico - 82min.

Il 27 febbraio 2010 il Cile è colpito da un forte terremoto. Manuel (Luis Dubo), carcerato, fugge grazie ai danneggiamenti subiti dalla struttura detentiva. Aggirandosi per un paese ridotto ad un cumulo di macerie, cerca di ritrovare la via di casa, ignaro della sorte toccata ai famigliari.

L'aspetto di maggior interesse di questo film è il setting: ambientato nei veri luoghi colpiti dalla calamità naturale, il regista Sebastiàn Lelio, qui al suo terzo lungometraggio, ha l'opportunità di costruire una storia di finzione che contiene una larga parte di verità. Il protagonista si aggira per tutta la durata del film attraverso paesaggi sconfortanti fatti di detriti ed abitazioni diroccate, con il volto sconvolto, alla ricerca dei propri cari. Vero è che se per un cileno il film potrà toccare corde profonde, per uno spettatore estraneo alla vicenda la pellicola finisce presto per risultare noiosa, anche perché, essendo un film descrittivo più che narrativo, molte lunghe sequenze dopo un po' diventano estenuanti per il loro protrarsi. A ciò aggiungiamo la povertà tecnica dell'operazione (una sola videocamera digitale, quasi sempre con operatore a mano, montaggio piatto e colonna sonora praticamente assente) ed avremo come risultato un'opera che a malincuore risulta difficilmente apprezzabile. Il protagonista per di più è poco interessante (di lui sappiamo molto poco) e non interagendo quasi con nessuno per tutto il film si limita a vagabondare con aria assente in un paesaggio desolato: non è certo il massimo del coinvolgimento.

Ma forse non sono questi i difetti più gravi: se Lelio si fosse limitato ad un film documentario sarebbe forse stato più incisivo; raccontando una storia di finzione, invece, inserisce tutta una serie di episodi (l'incontro con la tigre, il delirante dialogo/scontro con barbone) che dovrebbero affrontare argomenti alti come il dilemma sull'esistenza di Dio, la possibilità di salvezza, il binomio giusto/sbagliato eccetera, e che si rivelano solo spunti poco approfonditi e insufficienti a ridestare l'attenzione dello spettatore.

El año del tigre è un esempio perfetto di come non bastino le buone intenzioni per fare un buon film.

Voto: 2/5

Pil-Sung Yim

2011-11-14T12:52:00.000+01:00

So-Nyun-Ghi (short) (1998)
Baby (short) (1999)
Antarctic Journal (Namgeuk-ilgi) (2005)
Hansel & Gretel (2007) - 3/5
Super Nerds: No Pain No Gain (short) (2010)

Yim (1972) è un regista sudcoreano specializzato in horror.

-Hansel & Gretel
Corea del Sud 2007 - fantastico/thriller - 117min.

Eunsu è in viaggio sulla highway 69 per andare a trovare la madre malata, mentre discute al telefono con la fidanzata incinta che lo rimprovera per la scarsa attenzione che le dedica. Per evitare una roccia sbanda e finisce fuori strada. Rinviene a tarda notte, nel bosco che circonda la strada, soccorso da una ragazzina di nome Younghee, che lo accompagna nella sua casa nel bosco. Qui Eunsu conosce la sorellina ed il fratello della ragazzina, oltre ai suoi genitori, che si offrono di ospitarlo per la notte. La mattina dopo Eunsu fa per incamminassi nel bosco e ritornare alla strada, diretto al più vicino villaggio, ma scoprirà che abbandonare la villa è tutt'altro che semplice.

A metà fra una fiaba dark e un thriller paranormale, il lavoro di Pil-Sung Yim si rivela vincente sotto molti punti di vista: la storia ha il merito di mescolare in modo intelligentemente originale elementi fiabeschi provenienti dalla tradizione europea delle case stregate, delle fate, ed ovviamente delle storie dei fratelli Grimm. Tuttavia non si tratta di una riproposizione pedissequa della fiaba omonima, bensì di una libera interpretazione aggiornata peraltro ai canoni dell'horror odierno, se non nella violenza delle immagini, sicuramente nell'uso della fotografia e del montaggio, atti a creare suspense. Più che l'inquietudine però ciò che affascina del film è il senso di mistero, la storia intricata che si dipana a poco a poco, con uno svolgimento difficilmente prevedibile, da cui si evince la volontà del team creativo di realizzare qualcosa di inedito, con un risultato finale sicuramente positivo. Due ore sono forse eccessive per spalmare una sceneggiatura di questo tipo mantengo sempre vivo l'interesse, e qualche lieve cedimento di ritmo si avverte qua e là, ma la resa generale è comunque buona. Cast e musiche sono funzionali, mentre parole di lode merita senza dubbio il reparto scenografia, con ambienti ispirati ed iper-arredati.
Anche il finale, spesso tallone d'Achille degli horror e dei thriller, riesce a non deludere, forte della sua imprevedibilità.
In conclusione è un bel film di paura che ha il pregio di poter essere guardato anche dai bambini (anzi sembra fatto apposta per loro), un po' come il recente Il labirinto del fauno (2006) di Guillermo del Toro.

Voto: 3/5

Tarsem Singh

2011-11-12T15:03:00.001+01:00

The Cell - La Cellula (The Cell) (2000)
The Fall (2006)
Immortals (2011) - 1,5/5

Singh (1961), indiano, dopo alcuni videoclip si è dato al cinema, raggiungendo una certa notorietà con The Fall.

-Immortals
USA 2011 - fantamitologico - 110min.

Grecia, 1228 A.C. Il malvagio re Iperione (Mickey Rourke) è folle e vuole conquistare tutta la Grecia liberando i Titani imprigionati da Zeus nel Tartaro millenni prima. Contro di lui si leverà Teseo (Henry Cavill), figlio bastardo di una prostituta (ma abilissimo combattente perché istruito da un vecchio che in realtà è Zeus sotto mentite spoglie) con altri compagni, fra cui l'affascinante oracolo del tempio Sibillino.

Hollywood ha già stuprato la cultura greca due volte negli ultimi anni: i figli bastardi che ne sono usciti sono 300 (2007, di Zack Snyder, tratto dalla graphic novel di Frank Miller) e Scontro tra titani (2011, di Louis Leterrier). Siccome non c'è due senza tre, Gianni Nunnari e Mark Canton, guardacaso i due produttori di 300, hanno avuto l'idea geniale di realizzare un terzo film “fanta-mitologico”, neologismo che ho coniato per indicare film fantastici che hanno come base mitologie storicamente esistenti (un altro esempio di questo “genere” può essere considerato La leggenda di Beowulf, 2007, di Robert Zemeckis, o i vari film biblici, per chi non è credente).
Chi non ha mai visto un film di questo tipo potrà rimanere impressionato dal lavoro di Tarsem Singh e del suo staff: le imponenti e stilisticamente elaborate scenografie di Tom Foden, i notevoli effetti speciali (supervisionati da Raymon Gieringer) ed il 3D ben implementato (sebbene ancora una volta scurisca fastidiosamente l'immagine) costituiscono un impianto solido; molto bene anche i costumi (eccettuati i ridicoli copricapi delle divinità), forse il reparto tecnico migliore del film. Il problema è il contenuto di questa bella cornice: scene d'azione (alcune ben coreografate, altre più banali; in ogni caso nulla che non si sia già visto) intervallate da qualche scena di dialogo come al solito poco brillante e ancor meno originale (non manca il solito, tedioso discorso dell'eroe ai soldati spaventati dal nemico, ancor più piatto e ridicolo della norma, ma a cui, dopo Braveheart nessun film d'azione sembra più capace di rinunciare), tutto qui. Unici segnali di vita in platea: risolini durante una scena in cui un soldato viene reso sterile mediante martellata sui genitali; apatia per il resto delle due ore di noia generalizzata.

Ora, io non prendo mai come metro di giudizio la reazione del pubblico al film; questa è e sarà l'unica volta che lo faccio, ma lo faccio per una ragione precisa: illustrare come tutto in questo film sia posticcio, e si potrebbe fare un lungo, interminabile elenco in cui scrivere l'insieme di prestiti e saccheggi vari operati in sede di sceneggiatura e di scelta estetica, come ad esempio i titani dall'aspetto scimmiesco come gli Immortali in 300, il muro difensivo del Tartaro, un misto fra il Cancello Nero di Mordor e la diga di Hoover (con conseguente stravolgimento di qualsiasi accuratezza storica per quanto riguarda l'ingegneria), il canovaccio classico dell'uomo qualunque (anzi in verità singolarmente sfigato) che si trasforma in eroe, comune a qualsiasi letteratura di qualsiasi paese di qualunque tempo, per non parlare dell'associazione implicita “antico eroe greco – moderno eroe americano”, che lo accomuna a tutti film più o meno velatamente propagandistico/reazionari sfornati da Hollywood negli ultimi anni, fondati sul binomio God&Guns (Teseo vince perchè diventa “credente”, acquistando fede negli dei, roba che farà esaltare un popolo che sulle proprie banconote ha stampato il motto “In God We Trust”).

Per finire in bellezza si segnala un piattume recitativo su tutti i fronti ed una roboante quanto anonima colonna sonora.

Di leggendario in questo film c'è solo la sete di dollari delle majors (Universal in questo caso specifico) che producono qualunque cosa per far cassa, a volte con risultati notevoli, altre volte no. Questo è un caso no.

Voto: 1,5/5

Alessandro Genovesi

2011-10-27T12:22:00.006+02:00

-La peggior settimana della mia vita (2011) - 2/5

Genovesi, autore teatrale italiano, è noto nel cinema per aver curato l'adattamento del suo Happy Family per il grande schermo. "La peggior settimana della mia vita" è il suo esordio registico.

-La peggior settimana della mia vita
Italia 2011 - commedia - 93min.

La settimana precedente il matrimonio fra Paolo (Fabio De Luigi), impiegato milanese con una spasimante in ufficio e un grande amico napoletano, e Margherita (Cristiana Capotondi), rampolla di una ricca famiglia residente sul lago di Como: una settimana di equivoci, fraintendimenti, uccisioni involontarie e confronti fra le controparti.

Il film è l'esordio alla regia cinematografica di Alessandro Genovesi, autore teatrale di Happy Family, di cui ha curato l'adattamento cinematografico diretto da Gabriele Salvatores (che ha coadiuvato come aiuto regista). Per questo film si è ispirato ad una serie tv inglese trasmessa dalla BBC nel 2004,The Worst Week Of My Life.

Lo spunto di base è carino anche se non brilla di originalità. La commedia ha più che altro la particolarità di svolgersi come una sequenza di gag più o meno sviluppate, più o meno verosimili, più o meno divertenti, che hanno luogo nei sette giorni (in cui è scandita la narrazione) che precedono il matrimonio tanto atteso dai due sposini.

Come tutte le commedie, regia e tecnica sono subordinate agli interpreti, tutti nella parte e mediamente spiritosi, il cui pregio principale sta nella naturalezza della recitazione: le situazioni che si vengono a creare sono per buona parte verosimili, e ciò contribuisce a creare una certa continuità fra attori e spettatori. A volte si scivola nel grottesco e nell'inverosimile, e questi sono i momenti peggiori. Tuttavia la mancanza di volgarità e l'appeal leggero del film rendono la visione accettabile. Gradevole la colonna sonora, con una performance in scena della cantante Arisa.

Nota negativa invece proprio per la sceneggiatura, cosa che da un autore teatrale non ci sarebbe aspettati: molto spesso la situazione va a terminare con uno fade sul primo piano urlante di De Luigi, palesando una natura da sketch televisivo più che cinematografico: non per niente la produzione è Colorado Film, dal che si comprende (ma certo non si giustifica) un'impostazione adatta alla trasmissione su piccolo schermo.

Purtroppo questo sta diventando la norma in Italia, paese con pochi produttori, in cui quelli che ci sono si occupano sia di tv che di cinema, intendendo il secondo come medium necessario ad aumentare gli ascolti sulla prima. That's entertainment, pardon: that's business.

Voto: 2/5

Massimo Martelli

2011-10-21T12:22:00.000+02:00

Per non dimenticare (1992) (medio)
Pole Pole (1995)
Muzungu (2001)
Bar Sport (2011) - 1/5

Martelli (1957), italiano, è autore teatrale e regista televisivo e cinematografico. In quest'ultimo ambito non ha doti di merito.

-Bar Sport
Italia 2011 - commedia - 93min.

La vita di un bar della provincia bolognese e dei suoi strampalati avventori: il tecnico (Claudio Bisio), il gestore ciccione (Giuseppe Battiston), la cassiera avvenente (Aura Rolenzetti), due vecchiette malefiche (Angela Finocchiaro e Lunetta Savino), l'elettricista incapace, (Antonio Cornacchione) il finto playboy (Teo Teocoli) gli odiati gestori del bar di fronte.

Ogni tanto in Italia qualcuno sente il bisogno di fare una commedia corale riunendo qualche comico tv, confezionando una sequela di situazioni più o meno comiche senza una vera e propria trama, con l'illusione di mostrare il particolare per arrivare all'universale o qualcosa di simile. Stavolta ci ha provato il regista Massimo Martelli, attivo principalmente in televisione, adattando il famoso racconto di Stefano Benni, pubblicato per la prima volta nel 1976; il risultato è il solito piattume indegno del grande schermo, stileTutti al mare, Benvenuti al Sud et similia: pellicole che accumulano personaggi stereotipati con la pretesa di fornire ritratti a tutto tondo della società italiana, o almeno di un particolare microcosmo (in questo caso la vita di provincia). Situazioni già viste e riviste, battute che non fanno ridere, attori poco o mal sfruttati, sceneggiatura ellittica: possibile che non si tenti mai niente di nuovo, che non si faccia il minimo sforzo per essere originali? Per la verità in questo film ci sono inserti che per il livello penoso delle commedie italiane moderne pare quasi sperimentale (ironizzo, ovviamente): sequenze animate, computer grafica (giusto un accenno, meglio non esagerare!) ed un incipit preistorico, con cui gli autori forse pensano di stupire: patetico. Solo la colonna sonora si salva, e non certo per meriti di un qualche compositore illuminato: le musiche sono praticamente tutte non originali, e fra i Pooh edIggy Pop almeno non ci si annoia dal punto di vista auditivo; questo aspetto e la recitazione pacata ma incisiva di Battiston sono gli unici due pregi del film. Troppo finto per poter vantare pretese di descrizione realistica della realtà , troppo ancorato al macchiettismo (non) comico della commedia italiana per risultare di qualche interesse, Bar Sport è l'ennesima reiterazione di stilemi usati ed abusati dal nostro cinema che sta diventando sempre più televisione. Che tristezza.

Voto: 1/5

Shinji Aoyama

2011-10-20T17:08:00.002+02:00

1996 Helpless
1996 Chinpira: Two Punks
1997 Wild Life
1999 Shady Grove
1999 EM Embalming
2000 Eureka
2001 Desert Moon
2001 Roji e: Nakagami Kenji no nokoshita firumu
2002 Mike Yokohama: A Forest with No Name
2003 Ajima no uta: Uehara Tomoko, tenjo no utagoe
2004 Lakeside Murder Case
2005 My God, My God, Why Hast Thou Forsaken Me?
2006 Crickets
2007 Sad Vacation
2011 Tokyo kōen - 4/5

Aoyama (1964), giapponese, dopo una lunga serie di film yakuza, ha suscitato l'attenzione della critica con Eureka. Ospite di vari festival internazionali, è anche un quotato scrittore.

-Tokyo Koen
Giappone 2011 - commedia - 119min.

Koji (Haruma Miura), studente universitario con ambizioni di fotografo, si diletta nel fotografare famiglie nei vari parchi di Tokyo. Ha una sorrellastra cui è molto legato, un'amica che stava con suo fratello, scomparso da poco tempo, una matrigna malata di cui si occupa il padre. Un giorno, mentre è impegnato nelle sue fotografie, viene avvicinato da un ricco uomo d'affari che lo paga per fotografare di nascosto la moglie, che gira diversi parchi della città , forse per incontrarsi con un amante segreto. Titubante, Koji accetta: questa scelta lo porterà a porsi domande (e trovare anche qualche risposta) sui rapporti uomo-donna, la socialità ed i sentimenti umani.

Simbolico e poetico, ma anche più concreto di quel che appare, Tokyo Koen è una specie di preghiera shintoista del nuovo millennio, officiata dal regista Shinji Aoyama, che invoca una pace ed un'armonia esistenziale che coinvolga tutte le persone. Il regista, attraverso la maturazione del suo protagonista, invita lo spettatore ad aprirsi al prossimo, ad esternare le proprie emozioni condividendole con l'Umanità , che viene immaginata come una rete collegata dal pulsare delle esistenze. Come un parco, la collettività umana è un ecosistema che si autoalimenta e che circonda le singole individualità come un sublime involucro, il cui contenuto è riempito da ciascuno di noi. Ovviamente possiamo riempirlo di sentimenti positivi, contribuendo a migliorarlo, oppure galleggiare nelle piccole liti, nei piccoli screzi quotidiani, che accumulandosi giorno dopo giorno annebbiano la nostra vita ingrigendo la nostra gioia, la nostra capacità di goderci la vita e di influenzare positivamente gli altri, auto-condannandoci all'insoddisfazione. Al suo quinto lungometraggio, il regista giapponese usa il medium del cinema per raccontarci la storia di un ragazzo fissato con il medium della fotografia, e attraverso di essa penetra (e ci fa penetrare) con lo sguardo all'interno delle persone, nella loro anima; si mischiano così realtà e sogno, vivi e morti, realismo e poesia. La materialità filtrata dall'obbiettivo: l'occhio artificiale della macchina fotografica di Koji (e per estensione, quello della telecamera del regista) è ciò che ci permette di scorgere questa bellezza nascosta; Aoyama dirige così un film meta-filmico, che ci parla dell'importanza e della potenza della settima arte. Il tutto nei toni di una solare commedia, con momenti più cupi ed altri più allegri, ma senza mai cadere nel dramma, rimanendo luminosa e lieta per tutta la sua durata. La bellissima fotografia esalta i colori caldi che risplendono sullo schermo dilettando la vista. La simpatia dei personaggi, incarnati da ottimi attori, rende piacevole l'elemento narrativo ed apprezzabile quello psicologico. La telecamera, spesso non troppo distante dai corpi umani, si lascia andare a splendidi scorci naturalistici nelle scene ambientate nei parchi, dove il regista pare deliziato nel contemplare le bellezze della natura. Infine, una gradevole e non invadente colonna sonora (pezzi lounge alternati da melodie più tipicamente orientali) fa da sottofondo a diverse sequenze dialogiche con un effetto piacevolmente rilassante. Mantra cosmico (la cosa più simile cui si può pensare è il recente The Tree of Life di Terrence Malick), Tokyo Koen è un poema audiovisivo sull'amore (in tutte le sue sfumature ed accezioni) che lega gli esseri umani e sulla necessità da parte di questi ultimi di rendersi conto di un legame che li unisce in un'unica entità universale, che tutti possono (e devono) contribuire ad arricchire.
Il miglior film presente a Locarno 2011.

Voto: 4/5

Rob Marshall

2011-10-16T19:37:00.000+02:00

Chicago (2002)
Memorie di una geisha (Memoirs of a Geisha) (2005)
Nine (2009)
Pirati dei Caraibi - Oltre i confini del mare (Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides) (2011) - 2/5

Marshall (1960), americano, è un mediocre regista noto per i suoi musical (nasce come coreografo) e per il quarto episodio della saga Pirati dei Caraibi, episodio di cui non si sentiva alcun bisogno.

-Pirati dei Caraibi - Oltre i confini del mare
USA 2011 - avventura/fantastico - 141min.

Jack Sparrow va alla ricerca della fonte della giovinezza. Ci vanno anche Barbossa, Barbanera, gli inglesi e gli spagnoli.

Perché proseguire una saga già conclusa, o che comunque aveva prevedibilmente molto poco ancora da dire? Per fare cassa, ovviamente. E Marshall, subentrato alla regia al posto del padre della serie Gore Verbinski, è riuscito nell'intento, dato questo quarto episodio è stato il più redditizio al botteghino dopo il primo film. Entusiasmo delle folle che non si sono volute perdere un'altra avventura del capitan Sparrow, dopo tre episodi divertenti e spettacolari. Questo quarto film è ridimensionato rispetto al precedente: effetti speciali più contenuti, mancanza di scene grandiose, personaggi totalmente nuovi a parte Sparrow e Barbossa. Purtroppo né la sceneggiatura né la regia sono in grado di competere con le pellicole precedenti: storia sfilacciata ed approssimativa, scarso senso dello spettacolo nelle scene d'azione, povera caratterizzazione dei nuovi personaggi che impediscono sia di affezionarsi ad essi di mettere in risalto le doti dialogiche di Depp, che attraverso il suo personaggio aveva imbevuto i film precedenti di battute fulminanti e spassose, mentre ora è impossibilitato ad esprimere tutto il potenziale del suo personaggio, ridotto ad una specie di Indiana Jones malfatto alla ricerca del reperto introvabile. L'unico momento suggestivo è la pesca delle sirene, per il resto il film è lento, privo di ritmo, noioso, specie nella seconda metà. L'avvio umoristico infatti faceva ben sperare, ma da metà film in poi le idee finiscono per lasciare posto a cose già viste e ad una narrazione poco interessante.
Peccato.

Voto: 2/5

Gore Verbinski

2011-10-15T16:15:00.002+02:00

The Ritual (1996) - cortometraggio
Un topolino sotto sfratto (Mouse Hunt 1997)
The Mexican (2001)
The Ring (2002)
La maledizione della prima luna (Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl 2003) - 3,5/5
The Weather Man - L'uomo delle previsioni (The Weather Man, 2005)
Pirati dei Caraibi - La maledizione del forziere fantasma (Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest 2006) - 3/5
Pirati dei Caraibi - Ai confini del mondo (Pirates of the Caribbean: At World's End 2007) - 3/5
Rango (2011)

Verbinski (1964), polacco, si è trasferito con la famiglia negli States quando aveva solo tre anni. Si è laureato alla UCLA Film School nel 1987. I suoi lavori più noti sono i tre episodi della saga piratesca Pirates of the Caribbean, record di incassi e gloria personale di Johnny Depp, superiore a ogni elogio.

-La maledizione della prima luna
USA 2003 - avventura/fantastico - 133min.

Port Royal: ELizabeth Swan, figlia del governatore; Will Turner, ripescato naufrago da bambino e ora apprendista di un fabbro; Jack Sparrow, capitano pirata dedito a scorribande di ogni genere; Hector Barbossa, pirata maledetto capitano della Perla Nera, con al seguito una ciurma di dannati intenzionati a spezzare il maleficio. Tutti questi personaggi (più diversi altri) sono destinati ad incontrarsi e scontrarsi, ognuno con il proprio obiettivo da raggiungere.

Ispirato ad un'attrazione di Disneyland, questo divertentissimo film ha avuto un successo planetario sicuramente inaspettato; molti i buoni motivi per vederlo: l'affascinante ecletticità del plot narrativo, che trafuga elementi presi dalle fonti più disparate (in primis la saga videoludica di Monkey Island della Lucas Arts); la recitazione memorabile di Depp, che nuovamente si conferma uno dei migliori attori americani di sempre, affiancato da un cast notevole fra cui spicca l'istrionico Goffrey Rush nel perfetto ruolo del malvagio Barbossa; le scenografie evocative, grandiose ed altamente spettacolari, sempre sopra le righe ma mai del tutto inverosimili; la fotografia, specie nelle scene in notturna; la regia spettacolare eppure attenta a far risaltare i singoli personaggi. Uno degli esempi migliori di blockbuster americano.

Voto: 3,5/5

-Pirati dei Caraibi - La maledizione del forziere fantasma
USA 2006 - avventura/fantastico - 150min.

Spunta il nuovo cattivo, Davy Jones, pirata maledetto capitano dell'Olandese Volante e padrone del Kraken, mostruosa creatura degli abissi, che da la caccia, tanto per cambiare, a Jack Sparrow; ma anche Will vuole sconfiggere Jones, dato che suo padre è prigioniero della nave maledetta. ed anche la marina inglese, che però non vuole uccidere Jones, bensì ridurlo alla propria mercè. Come? recuperando il forziere fantasma in cui è custodito il cuore del pirata.

Per il secondo episodio della saga la parola d'ordine è "aumentare": più lungo, più spettacolare, più intricato, più folle del precedente, è una lunga sfilza di sequenze d'azione comica realizzate in modo superlativo. Si perde invece quell'immediatezza propria del primo episodio in favore di una costruzione più grandiosa ma forse nel complesso meno divertente. L'inventiva degli sceneggiatori invece è encomiabile.
Inutile spendere parole per il perfetto apparato tecnico. Sempre ottima la recitazione e particolarmente apprezzabile il design del nuovo viscido malvagio.

Voto: 3/5

-Pirati dei Caraibi - Ai confini del mondo
USA 2007 - avventura/fantastico - 168min.

Alla soglia delle tre ore di kolossal ipercinetico ed iperspettacolare ci si può chiedere dove sia finita l'immediatezza del capostipite. La mania di grandezza hollywoodiana spinge Verbinski ed i produttori a realizzare il film più costoso della storia (300 milioni di dollari di budget) per uno dei film più spettacolari di sempre, specie nella battaglia navale finale sull'orlo di un gigantesco mulinello. I personaggi risultano sacrificati, la storia pure (in parte, almeno), tutto è subordinato alla spettacolarità visiva che è davvero stupefacente. Ma la durata è francamente eccessiva anche per il più eccezionali dei capolavori tecnici, e i personaggi perdono un po' di simpatia rispetto gal episodi precedenti.

Voto: 3/5

Sonthar Gyal

2011-10-10T11:59:00.002+02:00

The Sun Beaten Path (TAIYANG ZONG ZAI ZUOBIAN-Ulam kyi Nima) (2011) - 2,5/5

Gyal, tibetano, dopo aver lavorato come insegnante e cineoperatore, ha esordito alla regia con The Sun Beaten Path.

-The Sun Beaten Path
Cina 2011 - drammatico - 86min.

Nima (Yeshe Lhadruk), contadino tibetano novello sposo, provoca la morte della madre, trascinandola accidentalmente sotto il nuovo trattore. In preda al rimorso, Nima abbandona la famiglia e vagabonda per gli altopiani tibetani: vasti ambienti desertici con un'unica striscia d'asfalto percorsa da qualche raro camionista. Sulla via del ritorno da Lhasa, incontra un vecchio con cui condividerà parte del proprio tragitto.

The Sun Beaten Path (titolo originale: Tai yang zong zai zuo bian), esordio del regista tibetano Sonthar Gyal, è un film sull'elaborazione del lutto, sull'espiazione del peccato, sullo smaltimento del senso di colpa, affrontati con un viaggio purificatore. Road movie che si svolge a piedi, al margine della strada asfaltata, in bilico fra l'habitat umano e la vastità della natura incontaminata: una precarietà topica metaforica di una precarietà esistenziale di un uomo che, attanagliato da un senso di colpa pesante come un macigno, si interroga sul senso della sua esistenza e su come convivere con un tale rimorso.

Ci pensa un vecchio saggio a sostenerlo nel corpo e nell'anima, a convincerlo della necessità di tornare a casa da sua moglie e dai suoi famigliari, a riprendere la sua vita riconciliandosi con la propria coscienza. Film-rito, lento e meditativo, scarsamente parlato, contemplativo degli spazi, non del tutto risolto nella sua rarefazione nè particolarmente originale nel suo prevedibile sviluppo da favola morale (o da parabola zen, se preferite).

Musiche minimali, recitazione pressochè ingiudicabile, sviluppo narrativo quasi assente non lo rendono memorabile a livello tecnico nè di scrittura; qualche bella trovata in campo registico invece c'è, come il risveglio in una terra completamente bianca dopo un'inaspettata nevicata notturna, ed una buona fotografia, aiutata dal suggestivo paesaggio. Il montaggio invece spesso manca di ritmo, il che conferisce a molte sequenza un'eccessiva lentezza. Film sicuramente accessorio, tuttavia sincero e gradevole nella sua semplicità, The Sun Beaten Path è un esordio discreto che può essere visto o evitato senza perdere nè guadagnare molto in entrambi i casi.

Voto: 2,5/5

Gianluca De Serio

2011-10-05T18:43:00.000+02:00

Il giorno del santo (2002) (cortometraggio)
Maria Jesus (2003) (cortometraggio)
Mio fratello Yang (2004) (cortometraggio)
Zakaria (2005) (cortometraggio)
L'esame di Xhodi (2007)
Bakroman (2010)
Sette opere di misericordia (2011) - 2/5

Gianluca De Serio (1978) lavora sempre in coppia col fratello gemello sceneggiatore Massimiliano (1978). Prima di esordire nel lungometraggio di finzione hanno realizzato diversi corti e dei documentari.

-Sette opere di misericordia
Italia 2011 - drammatico - 100min.

Torino. Luminita (Olimpia Melinte), clandestina, si arrangia come può. Un giorno penetra nella casa del vecchio Antonio (Roberto Herlitzka), lo sequestra rinchiudendolo in un ripostiglio, e si trasferisce nel suo appartamento assieme ad un neonato. Fra Antonio e Luminita nasce a poco a poco una forma di reciproca solidarietà che li porta ad aiutarsi vicendevolmente. Luminita sembra stare elaborando un piano che le permetta di fuggire dai suoi padroni/aguzzini.

Cosa vuol dire questo film? Questa è la domanda che è legittimo porsi. Incontro/scontro tra due solitudini, verrebbe da dire. Nient'altro? Sette opere di misericordia non è un film malfatto, anzi: lentezza, silenzi, cupa atmosfera e violenza (più psicologica che fisica) sono i caratteri che denotano un'opera tetra ma sincera nella sua sensibilità. Il problema del film è che dice poco, o comunque che non dice nulla che non sia già stato detto. Di film sull'incontro tra emarginati ne esiste una caterva, più o meno diversi da questo (uno su tutti: Quando sei nato non puoi più nasconderti, di Marco Tullio Giordana, migliore di questo sotto tutti i punti di vista).

Tolti gli aspetti tecnici, in particolare la cura fotografica con cui si dipinge un mondo notturno e quasi incolore nella sua freddezza, non rimane niente di particolarmente significativo. L'interpretazione di Roberto Herlitzka, tutta rantoli e mugolii, è encomiabile (meno quelle degli altri protagonisti): si può dire che tutta la pellicola si regga sul suo personaggio (ciò è più un male che un bene, nel senso che senza di lui il film sarebbe trascurabile). La colonna sonora, peraltro poco presente e relegata a ruolo di sottofondo, è invece del tutto superflua. Ma il maggior difetto è l'impostazione del film, cui rimanda il titolo, ovvero la scansione a episodi, ognuno recante come titolo una delle sette opere suddette: slegate dalla storia, non si capisce cosa centrino con la narrazione, tanto più che sono talvolta presentate ossimoricamente (ad esempio il segmento riguardante l'alloggiare i pellegrini coincide nel film con l'irruzione di Luminita in casa di Antonio), talaltra difficilmente (o artificiosamente) riconducili a ciò che accade nel film.

La pellicola vuol forse mostrare la necessità di una misericordia laica (nessun riferimento religioso, nessuna connotazione cristiana accompagna le sette opere mostrate nella vicenda) nei confronti del prossimo, di qualunque etnia e condizione. Ma il discorso è farraginoso, poco approfondito (molti dei 100 minuti si perdono in inquadrature estetizzanti, in lunghi piani-sequenza di cui non si sente il bisogno), non originale. Sono apprezzabili l'evidente impegno e la competenza tecnica dei due registi/sceneggiatori, già autori di numerosi cortometraggi, ma le incertezze di questa loro opera dimostra ancora poca dimestichezza col lungometraggio.

Voto: 2/5

Rabah Ameur-Zaimeche

2011-10-04T16:58:00.000+02:00

Wesh wesh, qu'est-ce qui se passe? (2001)
Bled Number One (2006)
Dernier Maquis (2008)
Les Chants de Mandrin (2011) - 4/5

Ameur-Zaimeche (1966) francese algerino, ha diretto quattro film, l'ultimo dei quali è stato uno dei migliori proiettati al 64esimo festival del film di Locarno.

-Les Chants de Mandrin
Francia 2011 - storico/drammatico - 97min.

Francia, 1755. Dopo l'esecuzione del noto contrabbandiere Louis Mandrin, i membri della sua banda ne continuano l'attività, allestendo mercati illegali nei villaggi vendendo merci alla popolazione locale. Inoltre stanno architettando, con l'aiuto di un tipografo, di stampare "Les chants de Mandrin", una raccolta di poesie scritte da loro stessi con cui far conoscere le gesta del loro leader al popolo, in modo da ispirare loro l'anelito alla libertà.

Narrazione rarefatta, montaggio lineare, andamento lento e contemplativo: una composizione ieratica per un film che cerca tutto tranne che la verosimiglianza storica, ed in generale il realismo, per puntare alla poesia, all'estasi, al sublime. Les chants de mandrin è un film pienamente artistico, nel senso che ricerca la bellezza dell'arte in ogni inquadratura, musica, dialogo (e canzone), tralascia la crudezza di un combattimento in favore di un'armonia visiva di corpi che cadono e di fumo che esce dalle bocche dei fucili.

Lo spettatore che valuta negativamente il fatto che le vesti dei briganti siano sempre impeccabili, o che un assedio ad un villaggio o la liberazione di un ostaggio si risolvano in poche, incredibili battute, lo spettatore che si soffermi insomma su "errori" di attendibilità del racconto sbaglia evidentemente l'ottica con cui è necessario approcciarsi alla visione di questo film, poema visivo e sonoro che ha al suo centro il desiderio di libertà, osannato ed incarnato dalla figura di Mandrin, mai mostrato eppure continuamente ricordato (mitizzato insomma), che diventa emblema e rappresentazione della resistenza all'ordine oppressivo della monarchia (e in generale di qualunque regime repressivo della libertà personale).

Rabah Ameur-Zaimeche, algerino, dirige ed interpreta (mirabilmente) un film che ha il suo pregio più evidente nella fotografia pittorica di Irina Lubtchansky, che dà vita ad immagini di forte suggestione (fra tutte, i cavalieri in controluce ed il canto finale del marchese) facendo del contrasto fra luci ed ombre la sua marca stilistica. Ma le immagini non avrebbero lo stesso magico impatto senza la colonna sonora evocativa di Clastrier Valentin, specialista della ghironda, strumento musicale a corde di epoca medievale, con cui dà vita a toccanti sinfonie che si amalgamano con le immagini in un crescendo emozionale che ha pochi rivali. La lentezza del film può risultare indigesta a chi non gradisce un cinema di contemplazione, ma se ci abbandona a questo spettacolo cinematografico di gran classe non si potrà rimanere indifferenti.

Voto: 4/5

10.La Nouvelle Vague francese

2011-10-03T16:44:00.004+02:00

Negli anni ’50, con la ripresa economica, l’esportazione del mito americano (e del suo cinema), le rivoluzioni socio-culturali, il consumismo e l’avanzamento tecnologico, la volontà di fare del cinema uno strumento non solo di svago, ma anche di comunicazione piùù seria, spinge i giovani europei a studiarne nuove concezioni, anche grazie al fatto che le apparecchiature tecniche diventano più leggere ed economiche. Nascono perciò nuove correnti, la più importante delle quali in Francia da un gruppo di critici militanti che osteggiano il cinema tradizionale che li precedeva. Il luogo simbolo di questa congrega è la Cinématéque Française, fondata nel 1934. Molti di questi critici scrivono sui celebri Cahiers du Cinéma (rivista inaugurata il 1/4/1951), elogiando i cosiddetti film “maledetti”, pellicole di autori americani e/o europei del dopoguerra, incompresi e sottovalutati dalla critica (fra cui Renoir, Rossellini, Becker, Hawks, Hitchcock).

10.1 poetica

La nouvelle vague si fonda su due idee: la “politica degli autori”, che riconosce il primato del regista come mero artefice della pellicola, e di conseguenza la “camera-stylo”, (espressione coniata dal regista Alexandre Astuc), ovvero l’idea che il regista debba usare la cinepresa come lo scrittore usa la penna: cioè deve conferire il proprio personale stile alla pellicola. Elementi comuni ai nuovi cineasti sono:

-Piano-sequenza

-troupe leggere

-location

-possibilmente ricorso alle luci naturali

-basso budget

-improvvisazione attoriale/ricorso ad attori amatoriali.

Come primo film della nuova corrente si può indicare Le Beau Serge (1958) di Chabrol, seguito da I quattorcento colpi e I cugini (1959) e Fino all’ultimo respiro (1960) di Godard, considerato manifesto della corrente, pieno di innovazioni (jump-cut, piani-sequenza, carrelli, voci-over, camera look, “errori/infrazioni” della grammatica canonica filmica).

10.2 il cambiamento della narrazione

Al primato dell’azione subentra il primato dell’osservazione: il racconto si sfrangia in digressioni e deviazioni. La drammaturgia si complica: è difficile distinguere bene e male, buoni e cattivi, gli estremi tendono a sparire. L’inquadratura è meno leggibile a causa della profondità di campo; spesso anzi il primo piano è più inutile dello sfondo. La narrazione viene stravolta dagli autori in diversi modi:

-Godard: gli interessa mostrare la potenza suggestiva del cinema più che raccontare una storia; più che mostrare delle azioni, mostra ciò che sta fra esse (attese, tensioni, non-fatto e non-detto)

-Truffaut: recupera l’elemento dell’imbonitore facendo recitare a voci off intere pagine di libri da cui trae i suoi film; più importante del racconto è l’atto di raccontare, quindi usa sbalzi temporali, freeze frame, oppure mostra azioni contrarie a quanto narrato.

-Rohmer: fa film in cui non c’è quasi azione, film di attese, pause, pensieri, idee.

10.3 conclusione: accanto alla nuovelle vague

Alcuni autori francesi dell’epoca non rientrano nella corrente suddetta.

-Jean Eustache e Garrel portano all’estremo l’uso del piano-sequenza con l’idea utopica di filmare il fluire della vita, coi rispettivi film “La maman et la putain” (1973) e “J’entends plus la guitare” (1991)

-Jean-Pierre Melville è padre del polar, film girati come documentari, sulla vita solitaria dei criminali.

-Jean Rouch, fautore di un tipo nuovo di documentario antropologico, in cui il regista è profondamente coinvolto nel tema che tratta, fino a comparire egli stesso nel film.

Paolo Sorrentino

2011-10-02T13:02:00.009+02:00

L'uomo in più (2001) - 2,5/5
Le conseguenze dell'amore (2004) - 3/5
L'amico di famiglia (2006) - 3/5
Il divo (2008) - 3,5/5
This Must Be the Place (2011) - 3/5

Sorrentino (1970) è uno dei più interessanti registi italiani contemporanei, uno dei pochi che fa veramente il regista, nel senso di dirigere il film nella direzione che lui vuole. Famosa la sua predilezione per i complessi movimenti di macchina, che penetrano la scena seguendo i personaggi principali. Il suo stile molto personale l'ha reso poco italiano e molto internazionale: i suoi film sono più facilmente esportabili di molti altri del nostro paese, e ciò spiega il successo ai festival di molti suoi film: Luoghi e personaggi dei suoi primi lavori sono tipicamente nostrani, ma i temi di cui Sorrentino sono spesso universali.

-L'uomo in più
Italia 2001 - drammatico - 100min.

1980: Antonio Pisapia (Andrea Renzi) è un calciatore affermato con velleità da allenatore; si infortuna in allenamento e non può più giocare. Tony Pisapia (Toni Servillo) è un cantautore affermato, che vive sulla cresta dell'onda; viene sorpreso a fare sesso con una minorenne, e finisce in carcere.
1984: I due Pisapia sono uomini falliti che tentano invano di recuperare il tempo perduto.

Un uomo sdoppiato, o due uomini che sono lo stesso uomo: Sorrentino gioca con il tema del doppio nel suo lungometraggio d'esordio, che sorprende per la forte marca autoriale che il regista è in grado di infondere nella pellicola: una storia classica di ascesa e caduta sdoppiata in due personaggi complementari viene raccontata con un tipico procedimento di montaggio alternato. La bravura di Sorrentino è quella di bilanciare i due racconti dal punto di vista narrativo, e di raccontare le due storie con tecniche diverse: più distaccato, più fermo con la macchina da presa nella storia dell'allenatore, più nervoso e "mobile" in quella del cantante in rovina e cocainomane. In quest'ultimo caso ricorre a complessi piani-sequenza e a primi piani estremamente ravvicinati, facendo risaltare l'espressività dell'ottimo Toni Servillo. Solo nella conclusione il film sembra arrancare un po', con un finale poco convincente e verosimile, e concludendo in flashback con una scena che anche un auto-augurio di successo per la pellicola.
La recitazione di alcuni attori non è proprio il massimo, e forse in alcuni momenti il plot è fin troppo convenzionale. Positive invece sia la colonna sonora che la fotografia (che diverrà sempre più elaborata nei successivi film del regista).
Un discreto esordio.

Voto: 2,5/5

-Le conseguenze dell'amore
Italia 2004 - drammatico - 100min.

Titta (Toni Servillo), commercialista in esilio da quasi un decennio in un albergo svizzero perché ha perso dei miliardi della mafia in sbagliati giochi borsistici, mafia per conto della quale deposita una volta alla settimana in banca una valigia gonfia di contanti, ha lasciato la famiglia e la voglia di vivere. Intrappolato in una sorta di limbo, è come uno zombi, un morto che cammina. Una giovane ed avvenente barista dell'albergo in cui risiede riaccende in lui la voglia di vivere e di amare, ma le conseguenze dell'amore saranno imprevedibili.

Sorrentino perfezione le sue doti registiche, supportato dall'ottima fotografia del milanese Luca Bigazzi, costruendo con esse una storia stilizzata che poggia ancora una volta sull'interpretazione di Toni Servillo, mummificato in un'espressione glaciale (come capiterà in Il divo). Se la costruzione del "mistero" che circonda la figura del protagonista è ben reso da una struttura narrativa che predilige i silenzi ai dialoghi, lo stesso non si può dire per il finale, ancora punto debole del regata napoletano, raffazzonato e poco soddisfacente. C'è anche da evidenziare l'incompetenza attoriale di alcuni protagonisti, cosa che forse era più lecito aspettarsi nel film d'esordio: insomma meno male che il film è quasi totalmente incentrato su Servillo, perché la maggior parte degli attori fa pena. Il concept invece è vincente, mischiando il drammatico al noir al film gangsteristico. Le scenografie sono pure importanti: l'eleganza dell'albergo, ove si svolge la maggior parte del film, è il contraltare della bassezza e del lerciume dei personaggi mafiosi, cui nemmeno Titta è immune nella sua indifferente rassegnazione. Forse anche per questo il suo cambiamento repentino da metà film in poi lascia interdetti, sembrando poco verosimile. Ma si sa, l'amore fa fare le cose più impensabili alle persone più insospettabili.
Non segna un netto miglioramento rispetto il film d'esordio, ma conferma le grandi doti registiche di Sorrentino (che al solito muove molto la telecamera in spazi ristretti, attratto magneticamente dal volto del suo attore-feticcio). Ora si tratta di bilanciare al meglio tecnica e racconto.

Voto: 3/5

-L'amico di famiglia
Italia 2005 (distribuito nel 2006) - drammatico - 110min.

Ritratto di Geremia De Geremei, usuraio: vive con la madre che mantiene, organizza la sua attività dietro copertura di una sartoria, è socio con un attempato sognatore del west americano, fa piccoli prestiti ma è inflessibile quando si tratta di riscuotere gli interessi. Quando si prende un'infatuazione per la figlia di un suo cliente (cui servono soldi per organizzare il matrimoni o della ragazza), le cose precipitano.

La regia è sempre più raffinata, il ritmo, le inquadrature, la fotografia alla Antonioni di Luca Bigazzi, la costruzione del personaggio principale, antiteticamente ben definito rispetto al precedente Titta, di cui si sapeva poco o nulla: tutto il film è incentrato sulla persona di Geremia, sulla sua malvagità, la sua bruttezza fisica e distorsione etica (è convinto di far del bene). Peccato che il film sia praticamente una riproposizione pedissequa del canovaccio de Le conseguenze dell'amore: un uomo dalla vita controllatissima va alla deriva per colpa di una donna molto più giovane di cui si innamora improvvisamente. Il tema portante insomma è sempre l'ingovernabilità dei propri sentimenti. Il racconto è reso un po' faticoso dall'inserimento di parentesi oniriche che paiono superflue: qualche sforbiciata in più avrebbe conferito più ritmo, ma quella di Sorrentino è sempre una prassi contemplativa dell'estetica dell'immagine: i suoi tipici movimenti di macchina non mancano.
Bel film, ma niente di veramente nuovo rispetto al precedente.

Voto: 3/5

-Il divo
Italia 2008 - biografico/grottesco - 110min.

Ritratto di Giulio Andreotti dal suo settimo governo (1992) al processo per associazione mafiosa a Palermo, da cui uscirà assolto.

Sorrentino filtra la storia secondo la sua consueta visione nichilista, dipingendo la politica come la più marcia delle attività umane. Andreotti e la sua cricca muovono i fili di macchinazioni che portano a numerosi omicidi, tutto senza lasciare traccia. Sorrentino infatti propende per la colpevolezza del protagonista, di cui sono suggerite le implicazioni (a volte anche come mandante) in numerosi omicidi di mafia degli anni '70 e successivi. Il suo stile registico si mantiene intatto anche in questa pellicola, dall'andamento lento come le precedenti ed incentrato su Toni Servillo, che fa sempre un ottimo lavoro. Bene anche trucco e fotografia del solito Luca Bigazzi. La colonna sonora invece può risultare un po' fuori posto con i suoi influssi dub e dance, anche se una delle scene più significative è incentrata su un brano musicale (pur trattandosi in questo caso de "i migliori anni della nostra vita" di Renato Zero); altra "scena madre" è quella dell'intervista-interrogatorio condotta da Eugenio Scalfari, in cui Andreotti viene (ben poco) velatamente accusato di una sequela lunghissima di crimini.
Forse Sorrentino esagera un po' nella volontà di creare scene a tutti i costi memorabili, per esempio facendo parlare il suo divo solo per mezzo di battute folgoranti o aforismi pungenti, mai come una persona normale. Ma forse non si tratta di persone normali. Viene in mente la frase di Kafka usata da Petri in chiusura del suo "Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto" :"Qualunque impressione faccia su di noi, egli è un servo della legge, quindi appartiene alla legge e sfugge al giudizio umano." Sostituite la parola "legge" con "politica" e la massima potrà essere applicata a questo film.

Voto: 3,5/5

-This Must Be The Place
Italia/Francia/Irlanda 2011 - commedia - 118min.

Cheyenne (Sean Penn) è un'ex rockstar mai uscita dal personaggio, che passa le sue sbiadite giornate con la moglie nella sua tenuta irlandese, lontano da tutto e tutti, a parte pochi intimi. Un giorno riceve una chiamata dagli States: suo padre sta morendo. Arrivato troppo tardi, si ripromette quantomeno di esaudirne l'ultima volontà, rintracciare il nazista che l'aveva umiliato ad Auschwitz.

sembra strano parlare di racconto di formazione quando il protagonista è un cinquantenne, ma tant'è: il quinto film di Sorrentino è la storia di un uomo ancora bambino che intraprende un viaggio a metà della sua vita per rinascere, più adulto e più consapevole, ad una nuova. Diviso in due parti, la prima descrittiva del personaggio mirabilmente interpretato da Penn, concepito per un'interpretazione da Oscar: lo si vede perso nel suo mondo, stanco, annoiato, immaturo. La seconda è un road movie attraverso gli USA (il modello dichiarato è Una storia vera di David Lynch, anche se non ha nulla da spartire con questo a parte la presenza di H.D. Stanton) alla ricerca di una riappacificazione con il genitore ed il superamento di quella stasi in cui era rimasto bloccato per vent'anni. La struttura episodica tipica del film di viaggio (ma anche della quest medievale) rende il gioco facile alla sceneggiatura nell'inventarsi situazioni surreali e divertenti, di un divertimento sottotono e lievemente malinconico.

Se il film funziona bene, lo si deve più a Penn che a Sorrentino, troppo compiaciuto nei reiterati movimenti di macchina, forse intento a sviare l'attenzione da qualche forzatura nel racconto (troppo repentino è il cambiamento che invade l'animo tormentato del protagonista, all'improvviso desideroso di recuperare il rapporto paterno); dove il regista riesce è invece nell'insieme, nel cucire la commedia col dramma, mantenendo tutto su un tono a metà, senza mai scivolare troppo in una o nell'altra nemmeno nei momenti clou del film.
La fotografia di Bigazzi è invece sempre di ottima fattura, così come il reparto make-up, indispensabile alla resa del protagonista, su cui tutto il film si regge, nel bene e nel male. Molti gli spunti di riflessione, tali da rendere i film adattissimo per i cineforum. Divertente comparsata (con annessa performance) di David Byrne che canta la sua This Must Be The Place, leitmotiv del film. A tal proposito è da segnalare l'accattivante colonna sonora, con pezzi rock famosi alternati a musica originale, sempre composta da Byrne.
Un film italiano di cui essere soddisfatti.

Voto: 3/5

Terrence Malick

2011-09-29T12:59:00.003+02:00

Lanton Mills (Lanton Mills) (1969) - cortometraggio non distribuito
La rabbia giovane (Badlands) (1973)
I giorni del cielo (Days of Heaven) (1978)
La sottile linea rossa (The Thin Red Line) (1998)
The New World - Il nuovo mondo (The New World) (2005) - 2,5/5
The Tree of Life (2011) - 4/5

Malick (1943), uno dei meno prolifici registi americani (5 film in 38 anni) compensa la sua scarsità produttiva con pellicole accuratamente studiate, spesso dal tono mistico ed ecclesiale. Più che dei film, sono delle preghiere messe in immagini.

-The New World - Il nuovo mondo
USA 2005 - storico/drammatico - 150min.

1607, fondazione della colonia di Jamestown in Virginia ad opera inglese. Il capitano Smith (Colin Farrell) viene catturato dai nativi, vive con loro imparando ad apprezzarne l'armonia con la natura, e si innamora di Pocahontas, figlia del re. Poi le parti si invertono e la ragazza finisce per andare a vivere con i coloni, mentre il Vecchio mondo inizia inesorabilmente a contaminare il Nuovo.

Ancora una storia sentimentale al centro del film, come i primi due film del regista. Ancora un film immerso nella natura, come i primi due film. Cambiati i cromatismi (dagli ocra e gialli di Badlands e Days of Heaven ai lussureggianti verdi bluastri di questo) e le epoche, Malick realizza l'ultimo capitolo di quella che si può considerare una trilogia interna al suo cinema. Questa volta però sono i paesaggi a dominare su tutto, ancor più che nei film precedenti. Alle inquadrature indulgenti su alberi e fiumi si alternano scene con figure umane. Quando Smith conosce Pocahontas anche lui diviene partecipe della natura: nella stessa inquadratura compaiono quindi lui, lei e la foresta che li avvolge. Nella seconda parte del film la modernità entra nel Nuovo mondo, sconvolgendolo: i colori diventano più freddi, e l'avvento della civiltà è vissuto dal regista con un senso di angoscia profonda per la rottura dell'armonia con il mondo naturale. La recitazione è rarefatta e il voice-over abbonda come sempre, al solito in modo eccessivo. Il film è esteticamente notevole, come accade abitualmente nei film del regista texano. Tuttavia è il meno originale dei film di Malick, proprio a causa della ripetitività tematica. I personaggi antipatici inoltre non suscitano empatia, la stessa Pocahontas non ispira particolare pietà, estraniata com'è dal mondo, persa nel suo vagheggiare con il corpo e la mente in un mondo tutto suo. Molto convincente invece la ricostruzione ambientale: le scenografie sono probabilmente l'elemento di maggior rilievo nella pellicola. Anche la regia sembra un po' più incerta rispetto ai lavori precedenti, meglio calibrati. La lunga durata finisce per renderlo un po' tedioso.

Voto: 2,5/5

-The Tree of Life
USA 2011 - drammatico - 139min.

Dalla nascita alla fine dell'universo, dalla nascita alla fine della vita, un confronto fra l'evoluzione del cosmo e quello di una famiglia texana negli anni '50.

La narrazione ellittica all'inizio può lasciare un po' sconcertati, ma presto se ne individua la logica: come spiegato all'inizio del film dalla voce fuori campo (marca stilistica onnipresente in Malick, talvolta in modo eccessivamente enfatico) la pellicola, mette a confronto due "vie": natura e grazia. Malick, cattolico, propende per la seconda. Tutto il cosmo assume un'aura sacra, dalle più profonde galassie al più piccolo bambino. Il conflitto che si sviluppa nella famiglia fra il padre autoritario ed i tre figli (uno dei quali decede a 19 anni) descrive un mondo fatto di violenza, ferrea disciplina, volontà di potenza; il rapporto dei figli con la madre rimanda invece ad un armonia universale, al rapporto creato-creatore. Il primogenito, di cui si ha maggiormente il punto di vista, intraprende un percorso di crescita che lo porterà alla corruzione della propria purezza infantile, con un distacco progressivo dalla madre (amata) ed un avvicinamento alla figura paterna (odiata), per finire da adulto pieno di dubbi nella civiltà dei grattacieli. Solo alla fine del tempo e dello spazio potrà avvenire una riconciliazione. L'incontro-scontro fra gli uomini, tema ricorrente in tutta la filmografia di Malick, in questo film è più psicologica che fisica, ma il risultato è il medesimo: far provare un senso di sgomento allo spettatore, nel mostrare quanto inutili ed insensate siano le diatribe umane di fronte alla smisurata grandezza del cosmo, quanto inutilmente ci si possa rovinare l'esistenza senza apprezzarne la comunione con gli altri uomini e con il mondo.
La tecnica realizzativa è stupefacente: se le immagini cosmiche rimandano alla mente il capolavoro fantascientifico di Kubrick la cosa non deve sorprendere, dato che il curatore degli effetti visivi dei due film è il medesimo, Douglas Trumbull, ed in generale la fotografia di Emmanuel Lubezki è di altissimo livello. Molto bene anche il cast. L'onnipresente colonna sonora, originale e non (in questo caso si fa ricorso alla musica classica) dà l'impressione di presenziare ad una cerimonia religiosa.
Forse vedere The Tree of Life significa proprio questo.

Voto: 4/5

This is the life

2011-09-28T16:35:00.002+02:00

Marco van Geffen

2011-09-28T14:45:00.000+02:00

Dylan (2005)
My Sister (2006)
Holi (2006)
Among Us (Onder Ons) (2011) - 2,5/5

van Geffen (1959), olandese, ha diretto alcuni cortometraggi prima di approdare all'esordio nel lungo con Among Us.

-Among Us
(Onder Ons) - Olanda 2011 - thriller - 84min.

Ewa, timida ragazza polacca in cerca di lavoro, si trasferisce come babysitter in Olanda in casa di una coppia medioborghese. La solitudine della ragazza, unita alla sua introversione quasi patologica, la isola da tutto e tutti, con l'eccezione di una coetanea e compatriota che svolge la sua stessa attività per conto di un facoltoso uomo d'affari. La situazione degenera quando Ewa inizia a sospettare di conoscere l'identità di un serial killer che da qualche tempo sta mietendo vittime nella cittadina.

Thriller raffreddato (come i colori della fotografia ombrosa di Ton Peeters), Among Us è un dramma travestito da giallo, in cui la tensione, lungi dall'esser provocata dall'aspetto criminoso della vicenda (che in realtà passa in secondo piano), è invece serpeggiante nei tesi rapporti fra Ewa e la famiglia per cui lavora; per la maggior parte del tempo infatti si ha la sensazione che la ragazza nasconda qualcosa di losco, e solo successivamente si capiscono le reali motivazioni di un comportamento così ingiustificabilmente ermetico; l'ottima recitazione della protagonista acuisce il senso di disagio provato durante il film, ed accentuato dalla mancanza di musica e di personaggi simpatici.
Galleggiando in un'atmosfera lugubre, a dispetto della pulizia e praticità tecnologica delle abitazioni e degli ambienti geometricamente organizzati degli esterni e degli interni (quasi a rispecchiare una certa ottusità mentale degli olandesi, dipinti come xenofobi ed ostili a tutto ciò che è esterno a loro), il film mette in scena una stasi fisica che fa da contraltare ad un tumulto interiore della protagonista, angosciata da un atroce presentimento ed insieme sconfitta dalla sua stessa fragilità, incapace di prendere iniziative e condannata a vivere nella paura.
Se tale passività può infastidire lo spettatore, alle prese per di più con una narrazione lenta e contorta (salti avanti e indietro nel tempo; scene riprese da punti di vista diversi che svelano aspetti prima nascosti della narrazione), l'abilità registica nel tenere le fila di una pellicola narrativamente intricata e nel descrivere lucidamente la fragilità di un personalità debole ed insicura è senza dubbio da tenere in considerazione.
Meno incisiva la sceneggiatura, molto scarna in verità, e qualche incertezza nel ritmo di montaggio che finisce per rendere noiose alcune sequenze. Among Us è in definitiva un dramma sui generis, che può essere apprezzato per il suo rigore stilistico, ma le cui tematiche (xenofobia, immigrazione, rapporto con il diverso) rimangono un po' troppo sullo sfondo, poco approfondite.

Voto: 2,5/5

Hark Tsui

2011-09-27T21:05:00.001+02:00

The Butterfly Murders (Die bian) (HK 1979)
Bruce Lee dalla Cina con furore (Di yu wu men) (HK 1980)
Dangerous Encounters: 1st Kind (Di yi lei xing wei xian) (HK 1980)
All the Wrong Clues (Gui ma zhi duo xing) (HK 1981)
Search for the Gods (HK 1983)
Warriors from the Magic Mountain (Xin shu shan jian ke) (HK 1983)
Mad Mission III: Our Man from Bond Street (Zuijia paidang zhi nuhuang miling) (HK 1984)
Shanghai Blues (Shang Hai zhi yen) (HK 1984)
Working Class (Da gung wong dai) (HK 1985)
Pecking Opera Blues (Do ma daan) (HK 1986)
I Love Maria (Tie jia wu di Ma Li A) (HK 1988)
The Master (Long xing tian xia) (HK 1989)
A Better Tomorrow III (英雄本色 III / Ying hung boon sik III jik yeung ji gor) (HK 1989)
Swordsman (Xiao ao jiang hu) (HK/Taiwan 1990)
The Raid (Cai shu zhi heng sao qian jun) (HK 1991), co-regia di Siu-Tung Ching
Once Upon a Time in China (Wong Fei Hung) (HK 1991)
The Banquet (Haomen yeyan) (HK 1991)
The Twin Dragons (Shuang long hui) (HK 1992), co-regia di Ringo Lam
Once Upon a Time in China II (Wong Fei Hung II: Nam yi dong ji keung) (HK 1992)
Once Upon a Time in China III (Wong Fei Hung ji saam: Si wong jaang ba) (HK 1993)
Green Snake (Ching Se) (HK 1993)
The Lovers (Leung juk) (HK 1994)
Once Upon a Time in China V (Wong Fei Hung chi neung: Lung shing chim pa) (HK 1994)
Love in the Time of Twilight (Hua yue jia qi) (HK 1995)
The Chinese Feast (Jin yu man tang) (HK 1995)
The Blade (Dao) (HK 1995)
Tri-Star (Da san yuan) (HK 1996)
Double Team - Gioco di squadra (USA 1997)
Hong Kong colpo su colpo (Knock Off) (Aruba/HK/USA 1998)
Time and Tide (Shun liu Ni liu) (HK/Cina 2000)
The Legend of Zu (Shu shan zheng zhuan) (HK/Cina 2001)
Black Mask 2: City of Masks (Hak hap 2) (HK/USA 2002)
Seven Swords (Qi jian) (Corea del Sud/HK/Cina 2005)
Triangle (Tie saam gok) (Cina/HK 2007), co-regia di Ringo Lam e Johnnie To
Missing (Sam hoi tsam yan) (Cina/HK 2008)
All About Women (Nuren bu huai) (HK/Cina 2008)
Detective Dee e il mistero della fiamma fantasma (Di Renjie) (Cina/HK 2010) - 3/5

Tsui (1950), cinese di Hong Kong, è uno dei padri del cinema d'azione violenta di HK assieme a John Woo. Nella sua prolifica carriera ha rivestito anche il ruolo di produttore, ad esempio per la trilogia di A Better Tomorrow (1986,1987,1989) e Storie di fantasmi cinesi (1987).

-Detective Dee e il mistero della fiamma fantasma
(Di Renjie) Cina 2010 - 122min.

Nel 689 la regina Wu Zeitan sta per assumere il comando dell'impero cinese. Ciò provoca malumori in chi non vuole che la Cina sia governata da una donna. Quando alcuni uomini di corte muoiono per un misterioso fenomeno di autocombustione, la regina sospetta di un complotto per eliminarla. Non le resta che richiamare dalla prigionia il detective Dee (Andy Lau, famoso attore/produttore/cantante cinese), messo da lei stesa in carcere per aver parlato contro di lei, con l'obiettivo di risolvere il caso. Ci saranno molte sorprese.

Il personaggio del detective Dee non è nuovo: ispirato al personaggio storico Dí Rénjié (630 - 700), già fonte di ispirazione per un romanzo del diciottesimo secolo, tradotta per il mercato occidentale nel 1940 da Robert van Gulik. Tsui Hark ha imbastito un giocattolo fantasmagorico che incanta in primo luogo gli occhi: la fotografia pulita e la colorazione in post-produzione, assieme all'abbondante uso del chroma-key, assicurano un risultato esteticamente accattivante. In secondo luogo la sceneggiatura è divertentissima: i continui colpi di scena assicurano il coinvolgimento, e lo sviluppo dell'avventura porta all'esplorazione di ambienti multiformi, tutti caratterizzati da ottime scenografie, che spaziano dai labirinti cavernosi alla Indiana Jones ai più reconditi templi isolati dal mondo, alla grande, sfarzosa capitale imperiale dove tutto inizia e finisce (o quasi). Recitazione convincente da parte di tutti gli attori, molto simpatici.
Un film d'avventura un po' pazzo, umoristico e spettacolare quanto basta per consigliarlo a tutti.

Voto: 3/5

David Yates

2011-09-25T18:12:00.000+02:00

The Tichborne Claimant (1998)
Harry Potter e l'Ordine della Fenice (2007) - 3/5
Harry Potter e il principe mezzosangue (2009) - 2,5/5
Harry Potter e i Doni della Morte: Parte I (2010) - 3/5
Harry Potter e i Doni della Morte: Parte II (2011) - 2/5

Yates (1963), britannico, dopo anni di lavoro nella BBC, è divenuto noto grazie alla regia degli ultimi 4 film della saga di Harry Potter.

-Harry Potter e l'ordine della fenice
(Harry Potter and the Order of Phoenix) di David Yates - GB/USA 2007 - 133min.

Al suo quinto anno Potter dovrà fronteggiare non solo il ritorno di Voldemort, ma anche la cecità del Ministero della Magia che si ostina (per ottusità o timore?) a negarne la ricomparsa. Sarà aiutato dai membri dell'ordine della Fenice.

La regia passa a Yates, che la manterrà fino all'ultimo film. La scelta è saggia, perché da questo momento la saga vira verso un tono ben più cupo che in passato; dall'altra è discutibile, perché al regista manca quell'inventiva propria di Columbus e Newell. Se a ciò aggiungiamo che il quinto libro è uno dei meno riusciti della saga, il risultato è un film ben fatto ma con poca anima, che non coinvolge molto, se non nel potente finale. Molto curata invece è la psicologia dei personaggi, aspetto molto caro al regista che vi si focalizzerà anche nei film successivi, a discapito forse di una maggiore resa generale del racconto e di alcuni personaggi secondari, spesso sacrificati.

Voto: 3/5

-Harry Potter e il principe mezzosangue
(Harry Potter and the Half-blood Prince) di David Yates - GB/USA 2009 - 147min.

Il sesto anno, Potter e tutto il mondo dei maghi dovrà far fronte all'ascesa del signore oscuro; tempi duri si preannunciano per tutti, nell'ora del potere di Voldemort, la stessa scuola di Hogwarts è minacciata. Mentre i nostri sembrano aver trovato l'unico modo di distruggere definitivamente il loro nemico, le forze del male crescono.

Il sesto libro è uno dei migliori per i picchi drammatici che tocca e la descrizione psicologica di molti dei personaggi principali, che giunge a piena maturazione. Il film invece è molto incerto, in bilico fra la scelta di far prevalere la narrazione alla descrizione, con un risultato ibrido che purtroppo smorza il finale, probabilmente il più emozionante di tutta la saga letteraria, sbrigato frettolosamente senza minimamente arrivare alle vette di coinvolgimento della controparte cartacea. Un vero peccato, perché tutto il film (cui sono state tagliate parti consistenti della storia in sede di sceneggiatura) si rivela poco soddisfacente.

voto: 2,5/5

-Harry Potter e i doni della morte: Parte 1
(Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1) di David Yates - GB/USA 2010 - fantastico 146min.

Abbandonata la scuola, Harry, Ron ed Hermione si dedicano alla ricerca degli Horcrux (evidente rimando tolkeniano agli anelli del potere) per uccidere definitivamente Voldemort.

Il penultimo film della saga è sicuramente il migliore dei film realizzati da Yates, poiché film e libro coincidono nella fine descrizione delle psicologie dei tre protagonisti, aspetto su cui il regista si è sempre focalizzato (anche sacrificando la narrazione a volte); prendendosi tutto il tempo necessario, cioè dividendo il libro in due film, il regista approfondisce, scava nei rapporti e nei sentimenti dei tre, intesse melodrammi sentimentali e imbastisce un classico discorso su temi quali amicizia, amore, rispetto, coraggio e altre virtù di cui si sentono protagonisti i giovani uomini dell'età di Harry, in primis dell'assunzione di responsabilità. Bella atmosfera, bei paesaggi (finalmente non limitati alle mura della scuola) ben fotografati, qualche piccola, ben assestata aggiunta registica al libro (fra tutte, il ballo improvvisato fra Harry ed Hermione) rendono il film piacevole. Purtroppo ne risentirà l'ultimo film, tutto effetti e grandiosità.

Voto: 3/5

-Harry Potter e i doni della morte: Parte 2
(Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2) di David Yates - GB/USA 2011 - fantastico - 130min.

Battaglia finale fra Harry (e tutti i buoni) e Voldemort ( e tutti i cattivi).

Così la saga si conclude con 2 ore di mega-battaglia in cui, fra morti aizzati da una parte e dall'altra, si giunge alla conclusione. Il 3D posticcio è inutile. I personaggi non sono più psicologie ma carne da macello. I protagonisti veri sono gli effetti speciali. Ciò non toglie qualche bel momento drammatico, ma la realtà è che in nome del marketing (dividere l'ultimo libro in due film, per fare cassa, il che ha avuto come conseguenza che l'ottavo ed ultimo film è solo un accumulo di scene di azione) si è sacrificato l'aspetto artistico, uniformando questo episodio al piattine dei blockbuster hollywoodiani. Peccato.

Voto: 2/5

Mike Newell

2011-09-25T18:09:00.000+02:00

Alla 39ª eclisse (The Awakening) (1979)
Ballando con uno sconosciuto (Dance with a Stranger) (1985)
The Good Father - Amore e rabbia (The Good Father) (1985)
La protesta del silenzio (Amazing Grace and Chuck) (1987)
La legge delle triadi (Soursweet) (1988)
Un incantevole aprile (Enchanted April) (1991)
Tir-na-nOg (È vietato portare cavalli in città) (Into the West) (1993)
Quattro matrimoni e un funerale (Four Weddings and a Funeral) (1994)
Un'avventura terribilmente complicata (An Awfully Big Adventure) (1995)
Donnie Brasco (1997)
Falso tracciato (Pushing Tin) (1999)
Mona Lisa Smile (2003)
Harry Potter e il calice di fuoco (Harry Potter and the Goblet of Fire) (2005) - 4/5
L'amore ai tempi del colera (Love in the Time of Cholera) (2007)
Prince of Persia - Le sabbie del tempo (Prince of Persia: The Sands of Time) (2010)

Newell (1942) è un eclettico regista britannico.

-Harry Potter e il calice di fuoco
(Harry Potter and the Goblet of Fire) di Mike Newell - GB/USA 2005 - fantastico - 151min.

Nel quarto anno di scuola, Potter diventa suo malgrado giocatore in competizione per la coppa Tremaghi, torneo fra scuole di magia che prevede prove pericolosissime. Intanto il Male cresce sempre più fino alla resurrezione di Voldemort.

L'ottimo regista Newell risolleva la saga ai livelli iniziali, addirittura superandoli (ma è favorito dal libro, che è uno dei migliori della saga) con una narrazione potente e suggestiva, ricca di picchi emotivi (sentimentali, nel caso del ballo, drammatici, nel finale) soprattutto con la comparsa del famigerato Lord Voldemort, interpretato da Ralph Fiennes. Pathos ed epos sono amalgamati in una storia appassionante, come sempre resa in modo tecnicamente ineccepibile. Newell conferisce ritmo, emozione, aggiunge (pochissimo) e toglie (un po') sapientemente, nel rispetto del libro, dando spazio a tutti i personaggi, la cui crescita, anche psicologica, è ormai evidente. Il film più bello della saga, un capolavoro del cinema fantastico.

Voto: 4/5

Chris Columbus

2011-09-25T18:04:00.000+02:00

Tutto quella notte (Adventures in Babysitting) (1987)
Mamma, ho perso l'aereo (Home Alone) (1990)
Cara mamma, mi sposo (Only the Lonely) (1991)
Mamma, ho riperso l'aereo - Mi sono smarrito a New York (Home Alone 2: Lost in New York) (1992)
Mrs. Doubtfire - Mammo per sempre (Mrs. Doubtfire) (1993)
Nine Months - Imprevisti d'amore (Nine Months) (1995)
Nemiche amiche (Stepmom) (1998)
L'uomo bicentenario (Bicentennial Man) (1999)
Harry Potter e la Pietra Filosofale (Harry Potter and the Philosopher's (Sorcerer's Stone) (2001) - 3/5
Harry Potter e la camera dei segreti (Harry Potter and the Chamber of Secrets) (2002) - 3,5/5
Rent (2005)
Una notte con Beth Cooper (I Love You, Beth Cooper) (2009)
Percy Jackson e gli dei dell'Olimpo - Il ladro di fulmini (Percy Jackson & the Olympians: The Lightning Thief) (2010)

Columbus (1958), americano, è noto per i suoi film che hanno per protagonisti bambini e/o adolescenti.

-Harry Potter e la pietra filosofale
(Harry Potter and the Philosopher's Stone) di Chris Columbus - GB/USA 2001 - fantastico - 152min.

Harry Potter, undicenne orfano che vive con dei tirannici zii ed il loro odioso figlio ciccione, scopre di essere un mago. La sua vita cambia radicalmente dal momento in cui viene iscritto alla scuola di magia e stregoneria di Hogwarts. Il ragazzino scopre inoltre di essere una celebrità nel mondo dei maghi, dato che è l'unica persona sopravvissuta alla maledizione Avada Kedavra, anatema mortale scagliatogli contro quando era ancora in fasce da Voldemort, mago oscuro che vuole distruggere la razza babbana (gente senza poteri magici) per instaurare il dominio dei maghi purosangue (non contaminati da accoppiamenti con babbani). Nel corso del suo primo anno ad Hogwarts Harry farà amicizia con Ron ed Hermione, suoi inseparabili compagni d'avventure, conoscerà il corpo insegnanti formato da alcune figure importanti per le vicende a venire ed instaurerà un profondo legame col saggio preside della scuola, Albus Silente. Ma dovrà anche affrontare un Male ansioso di risorgere.

L'elemento più affascinante dell'universo di Harry Potter è forse il collegamento fra il mondo magico ed il nostro mondo: l'universo fantasy in cui è ambientata la saga non è un pianeta immaginario, bensì la Terra, ove i maghi vivono all'insaputa dei comuni mortali; ciò ha permesso ai giovani lettori di tutto il mondo di immedesimarsi in un racconto di formazione dal sapore universale, in cui accanto all'eterna lotta tra bene e male vi è una accorta descrizione della psicologia infantile ed adolescenziale che ha fatto la fortuna dei libri (e dei film). Columbus, esperto di pellicole con protagonisti bambini ed adolescenti, ha cavato, con poche differenze rispetto al libro, un film altamente spettacolare, godibilissimo per trama narrativa avventurosa, gotica, fantasy e comica quanto basta per far divertire qualunque tipo di pubblico. Effetti speciali mirabolanti, un cast perfetto (se si eccettua forse Daniel Radcliffe, un po' monocorde e poco espressivo) rendono il film appassionante e godibile. La splendida colonna sonora di John Williams fa il resto.

Voto: 3/5

-Harry Potter e la camera dei segreti
(Harry Potter and the chamber of secrets) - di Chris Columbus - GB/USA 2002 - fantastico - 155min.

Al secondo anno di scuola, Potter deve vedersela con una vecchia leggenda secondo cui nella scuola di Hogwarts si nasconderebbe una camera segreta, dimora di un mostro che può essere risvegliato solo da un prescelto. Chi è costui?

Columbus si supera, attingendo dall'horror le atmosfere più cupe e lugubri di questo secondo film, pur non facendosi mancare tutti i punti di forza del precedente. Squadra che vince non si cambia, con in più l'aggiunta di un istrionico Kenneth Baranagh nei panni di un petulante professore. La lunga durata non pesa affatto, anzi dispiace che finisca. Un film che ha davvero pochi rivali nel genere fantasy/fantastico. Tecnicamente superbo.

Voto: 3,5/5

Harry Potter

2011-09-25T17:54:00.003+02:00

Il primo libro della saga in 7 libri di Harry Potter è stato scritto nel 1997. J.K.Rowling ebbe l'idea per caso mentre era in treno. Il successo planetario cui ha dato origine ha avuto come conseguenza anche l'adattamento cinematografico dell'intera saga, in 8 film (l'ultimo libro è stato diviso in due film, più per esigenze di botteghino che altro). La saga fantasy più imponente della storia del cinema ha visto notevoli contributi artistici, sia per il cast tecnico che per quello attoriale. Nonostante qualche episodio meno riuscito, la tenuta stilistica dei film è sempre stata di buon livello, toccando in certi casi picchi di notevole perfezione.
(le trame contengono per forza di cose un po' di spoilers)

-Harry Potter e la pietra filosofale
(Harry Potter and the Philosopher's Stone) di Chris Columbus - GB/USA 2001 - fantastico - 152min.

Harry Potter, undicenne orfano che vive con dei tirannici zii ed il loro odioso figlio ciccione, scopre di essere un mago. La sua vita cambia radicalmente dal momento in cui viene iscritto alla scuola di magia e stregoneria di Hogwarts. Il ragazzino scopre inoltre di essere una celebrità nel mondo dei maghi, dato che è l'unica persona sopravvissuta alla maledizione Avada Kedavra, anatema mortale scagliatogli contro quando era ancora in fasce da Voldemort, mago oscuro che vuole distruggere la razza babbana (gente senza poteri magici) per instaurare il dominio dei maghi purosangue (non contaminati da accoppiamenti con babbani). Nel corso del suo primo anno ad Hogwarts Harry farà amicizia con Ron ed Hermione, suoi inseparabili compagni d'avventure, conoscerà il corpo insegnanti formato da alcune figure importanti per le vicende a venire ed instaurerà un profondo legame col saggio preside della scuola, Albus Silente. Ma dovrà anche affrontare un Male ansioso di risorgere.

L'elemento più affascinante dell'universo di Harry Potter è forse il collegamento fra il mondo magico ed il nostro mondo: l'universo fantasy in cui è ambientata la saga non è un pianeta immaginario, bensì la Terra, ove i maghi vivono all'insaputa dei comuni mortali; ciò ha permesso ai giovani lettori di tutto il mondo di immedesimarsi in un racconto di formazione dal sapore universale, in cui accanto all'eterna lotta tra bene e male vi è una accorta descrizione della psicologia infantile ed adolescenziale che ha fatto la fortuna dei libri (e dei film). Columbus, esperto di pellicole con protagonisti bambini ed adolescenti, ha cavato, con poche differenze rispetto al libro, un film altamente spettacolare, godibilissimo per trama narrativa avventurosa, gotica, fantasy e comica quanto basta per far divertire qualunque tipo di pubblico. Effetti speciali mirabolanti, un cast perfetto (se si eccettua forse Daniel Radcliffe, un po' monocorde e poco espressivo) rendono il film appassionante e godibile. La splendida colonna sonora di John Williams fa il resto.

Voto: 3/5

-Harry Potter e la camera dei segreti
(Harry Potter and the chamber of secrets) - di Chris Columbus - GB/USA 2002 - fantastico - 155min.

Al secondo anno di scuola, Potter deve vedersela con una vecchia leggenda secondo cui nella scuola di Hogwarts si nasconderebbe una camera segreta, dimora di un mostro che può essere risvegliato solo da un prescelto. Chi è costui?

Columbus si supera, attingendo dall'horror le atmosfere più cupe e lugubri di questo secondo film, pur non facendosi mancare tutti i punti di forza del precedente. Squadra che vince non si cambia, con in più l'aggiunta di un istrionico Kenneth Baranagh nei panni di un petulante professore. La lunga durata non pesa affatto, anzi dispiace che finisca. Un film che ha davvero pochi rivali nel genere fantasy/fantastico. Tecnicamente superbo. Il mio preferito della saga.

Voto: 3,5/5

-Harry Potter e il prigioniero di Azkaban
(Harry Potter and the Prisoner of Azkaban) - di Alfonso Cuaròn - GB/USA 2004 - fantastico - 136min.

Al terzo anno di scuola, Potter deve fronteggiare un pericoloso evaso dal carcere di massima sicurezza di Azkaban, Sirius Black. Le cose sono più complesse del previsto.

Il cambio di regia ha avuto brutte conseguenze: qualche incongruenza narrativa, mancanza di ritmo, 136 minuti che sembrano durare più degli oltre 150 dei film precedenti e che sono più noiosi, atmosfera cupa non adeguatamente bilanciata da parentesi più leggere, conclusione affrettata. Per il resto, dato che il cast tecnico ed artistico è sempre quello, il film è comunque salvabile, ma questo terzo film è l'esempio di come una regia sbagliata possa compromettere un buon film.

Voto: 2,5/5

-Harry Potter e il calice di fuoco
(Harry Potter and the Goblet of Fire) di Mike Newell - GB/USA 2005 - fantastico - 151min.

Nel quarto anno di scuola, Potter diventa suo malgrado giocatore in competizione per la coppa Tremaghi, torneo fra scuole di magia che prevede prove pericolosissime. Intanto il Male cresce sempre più fino alla resurrezione di Voldemort.

L'ottimo regista Newell risolleva la saga ai livelli iniziali, addirittura superandoli (ma è favorito dal libro, che è uno dei migliori della saga) con una narrazione potente e suggestiva, ricca di picchi emotivi (sentimentali, nel caso del ballo, drammatici, nel finale) soprattutto con la comparsa del famigerato Lord Voldemort, interpretato da Ralph Fiennes. Pathos ed epos sono amalgamati in una storia appassionante, come sempre resa in modo tecnicamente ineccepibile. Newell conferisce ritmo, emozione, aggiunge (pochissimo) e toglie (un po') sapientemente, nel rispetto del libro, dando spazio a tutti i personaggi, la cui crescita, anche psicologica, è ormai evidente. Uno dei migliori della saga.

Voto: 3,5/5

-Harry Potter e l'ordine della fenice
(Harry Potter and the Order of Phoenix) di David Yates - GB/USA 2007 - 133min.

Al suo quinto anno Potter dovrà fronteggiare non solo il ritorno di Voldemort, ma anche la cecità del Ministero della Magia che si ostina (per ottusità o timore?) a negarne la ricomparsa. Sarà aiutato dai membri dell'ordine della Fenice.

La regia passa a Yates, che la manterrà fino all'ultimo film. La scelta è saggia, perché da questo momento la saga vira verso un tono ben più cupo che in passato; dall'altra è discutibile, perché al regista manca quell'inventiva propria di Columbus e Newell. Se a ciò aggiungiamo che il quinto libro è uno dei meno riusciti della saga, il risultato è un film ben fatto ma con poca anima, che non coinvolge molto, se non nel potente finale. Molto curata invece è la psicologia dei personaggi, aspetto molto caro al regista che vi si focalizzerà anche nei film successivi, a discapito forse di una maggiore resa generale del racconto e di alcuni personaggi secondari, spesso sacrificati.

Voto: 3/5

-Harry Potter e il principe mezzosangue
(Harry Potter and the Half-blood Prince) di David Yates - GB/USA 2009 - 147min.

Il sesto anno, Potter e tutto il mondo dei maghi dovrà far fronte all'ascesa del signore oscuro; tempi duri si preannunciano per tutti, nell'ora del potere di Voldemort, la stessa scuola di Hogwarts è minacciata. Mentre i nostri sembrano aver trovato l'unico modo di distruggere definitivamente il loro nemico, le forze del male crescono.

Il sesto libro è uno dei migliori per i picchi drammatici che tocca e la descrizione psicologica di molti dei personaggi principali, che giunge a piena maturazione. Il film invece è molto incerto, in bilico fra la scelta di far prevalere la narrazione alla descrizione, con un risultato ibrido che purtroppo smorza il finale, probabilmente il più emozionante di tutta la saga letteraria, sbrigato frettolosamente senza minimamente arrivare alle vette di coinvolgimento della controparte cartacea. Un vero peccato, perché tutto il film (cui sono state tagliate parti consistenti della storia in sede di sceneggiatura) si rivela poco soddisfacente.

voto: 2,5/5

-Harry Potter e i doni della morte: Parte 1
(Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1) di David Yates - GB/USA 2010 - fantastico 146min.

Abbandonata la scuola, Harry, Ron ed Hermione si dedicano alla ricerca degli Horcrux (evidente rimando tolkeniano agli anelli del potere) per uccidere definitivamente Voldemort.

Il penultimo film della saga è sicuramente il migliore dei film realizzati da Yates, poiché film e libro coincidono nella fine descrizione delle psicologie dei tre protagonisti, aspetto su cui il regista si è sempre focalizzato (anche sacrificando la narrazione a volte); prendendosi tutto il tempo necessario, cioè dividendo il libro in due film, il regista approfondisce, scava nei rapporti e nei sentimenti dei tre, intesse melodrammi sentimentali e imbastisce un classico discorso su temi quali amicizia, amore, rispetto, coraggio e altre virtù di cui si sentono protagonisti i giovani uomini dell'età di Harry, in primis dell'assunzione di responsabilità. Bella atmosfera, bei paesaggi (finalmente non limitati alle mura della scuola) ben fotografati, qualche piccola, ben assestata aggiunta registica al libro (fra tutte, il ballo improvvisato fra Harry ed Hermione) rendono il film piacevole. Purtroppo ne risentirà l'ultimo film, tutto effetti e grandiosità.

Voto: 3/5

-Harry Potter e i doni della morte: Parte 2
(Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2) di David Yates - GB/USA 2011 - fantastico - 130min.

Battaglia finale fra Harry (e tutti i buoni) e Voldemort ( e tutti i cattivi).

Così la saga si conclude con 2 ore di mega-battaglia in cui, fra morti aizzati da una parte e dall'altra, si giunge alla conclusione. Il 3D posticcio è inutile. I personaggi non sono più psicologie ma carne da macello. I protagonisti veri sono gli effetti speciali. Ciò non toglie qualche bel momento drammatico, ma la realtà è che in nome del marketing (dividere l'ultimo libro in due film, per fare cassa, il che ha avuto come conseguenza che l'ottavo ed ultimo film è solo un accumulo di scene di azione) si è sacrificato l'aspetto artistico, uniformando questo episodio al piattine dei blockbuster hollywoodiani. Peccato.

Voto: 2/5

John Milius

2011-09-25T13:14:00.001+02:00

Marcello I'm so Bored (1966)
The Reversal of Richard Sun (1966)
Dillinger (1973)
Il vento e il leone (The Wind and the Lion) (1975)
Un mercoledì da leoni (Big Wednesday) (1978)
Conan il barbaro (Conan the Barbarian) (1981) - 2,5/5
Alba rossa (Red Dawn) (1984)
Addio al re (Farewell to the King (1989)
L'ultimo attacco (Flight of the Intruder) (1991)
Motorcycle gang (1994)
Rough Riders (1997)

Milius (1944), americano, è più noto per i suoi lavori di sceneggiatura (fra cui Apocalypse Now) che per le sue regie, tra le quali la più nota è probabilmente quella di Conan il barbaro.

-Conan il barbaro
USA 1982 - fantasy - 128min.

Il personaggio di Conan, inventato da Robert Ervin Howard nel 1932, viene per la prima volta trasposto sullo schermo con una pellicola fantasy iperviolenta e con sprazzi di erotismo.

Conan, cimmero, famiglia distrutta da una banda di guerrieri razziatori che distruggono il suo villaggio natìo, è venduto come schiavo. Cresciuto, diventa gladiatore dalla forza impressionante. Liberato dal suo padrone, si impadronisce di un'antica spada trovata in un tumulo, e parte alla ricerca degli assassini dei suoi, con il vago indizio di un emblema raffigurante un doppio serpente. Troverà qualche amico e molti nemici.

Pochi dialoghi, molta musica magniloquente, imponenti scenografie, coreografiche sequenze d'azione, uno Schwarzenegger statuario che impersona in modo perfetto un guerriero assetato di vendetta dalla forza indomabile sono gli ingredienti di una fantasy truculento che ha molto da spartire con le leggende vichinghe e nulla col fiabesco nordico di fate e folletti. Il mondo dell'era Hyboriana (immaginaria epoca del nostro mondo precedente la nascita delle più antiche civiltà) è una terra desolata e brulla con poche, sudicie città in cui gli uomini si abbandonano ai più bassi piaceri, ed in cui l'unica legge che regna è quella del più forte. Molto superomismo ed un certo disprezzo per tutto ciò che non sia maschio e virile connotano un film antiprogressista di forte impatto spettacolare.
Molto buono il comparto tecnico, scarso quello attoriale.

Voto: 2,5/5

Kevin Ko

2011-09-24T17:00:00.002+02:00

Invitation Only (Jue ming pai dui) (2009) - 1/5

Ko, taiwanese, ha diretto il pessimo Invitation Only.

-Invitation Only
di Kevin Ko - Taiwan 2009 - horror - 95min.

Mr. Yang, CEO di una grossa azienda, manda il suo assistente Wade Chen ad un ricevimento importante in sua vece. Chen è entusiasta di partecipare ad una riunione di gente altolocata e di bellissime donne, fra cui una modella con cui non tarda a copulare. Peccato che l'incontro coincida anche con il ritrovo di una setta di assassini che tortura le vittime malcapitate. Chen è una di queste.

Scopiazzatura di Hostel, è un inutile horror di serie C in cui si salvano solo gli effetti speciali sanguinolenti. L'elenco di prestiti di cui si compone questo film-collage sono innumerevoli, da Shining a Saw.

Voto: 1/5

Alessandro Comodin

2011-09-21T16:16:00.000+02:00

Jagdfieber (2009)
L'estate di Giacomo (2011) - 3/5

Comodin (1982), italiano, ha studiato in Francia e poi in Belgio, all'INSAS di Bruxelles, per cui ha realizzato il documentario Jagfieber. L'estate di Giacomo è il suo primo lungometraggio di finzione.

-L'estate di Giacomo
Italia/Francia/Belgio 2011 - commedia - 78min.

Estate nella campagna del nord-est Italia. Giacomo, ragazzo sordo di 19 anni, passa le giornate assieme all'amica di infanzia Stefania, immersi nella natura, in una specie di Eden. Sono gli ultimi scampoli di infanzia/adolescenza/immaturità /innocenza che se ne vanno.

Per il cinema italiano è ancora possibile realizzare film poetici (anche se forse il contributo produttivo di Francia e Belgio, paesi dove il regista ha studiato, è stato determinante). L'outsider Alessandro Comodin, qui al suo esordio nel lungometraggio, filma luoghi e persone che conosce: i luoghi sono quelli della sua infanzia, e le persone sono suoi amici e parenti. I personaggi del film si chiamano con i veri nomi degli attori. La pellicola è insomma un piccolo film famigliare, che idealizza i ricordi fanciulleschi del regista in una natura idilliaca. Mediante lunghi piani-sequenza Comodin ci introduce nel fitto di un bosco, in riva ad un fiume, in un cascinale, tutti luoghi isolati in cui i tre personaggi del film (Giacomo, la sua amica e la sua fidanzata) sono le uniche figure umane. Un luogo fisico che è prima di tutto un luogo mentale, metafora di una condizione di vita, di un momento dell'esistenza che sta per svanire, lasciando il posto a quella che probabilmente sarà una più difficile (e meno esaltante) età adulta. Questo momento di sospensione, questa cerniera tra adolescenza e maturità e ciò che il regista è interessato a filmare: giochi e spensieratezza e chiacchiere sono le attività principali di un terzetto di ragazzi quasi ventenni eppure ancora bambini. La telecamera li segue curiosa a volte da lontano, regalando scorci di acque limpide e di lussureggiante vegetazione, a volte da vicino, permettendoci di apprezzare l'espressività dei volti degli attori. Il suono in presa diretta ci permette di cogliere i suoni della natura, mentre la colonna sonora diegetica propone i pezzi pop italiani che tutti gli/le adolescenti del nostro paese conoscono, e che realisticamente anche i protagonisti del film ascoltano attraverso gli auricolari dei loro lettori musicali. L'estate di Giacomo è un film solare, che forse non dice molto (o comunque niente di nuovo), ma è piacevole per la sua semplicità e (dettaglio non trascurabile) per la brevità : mostra solo ciò che è necessario, pur prendendosi il suo tempo nel riprendere una lunga camminata nel bosco, i sollazzi dei ragazzi in riva al fiume, o un fracassone intermezzo di batteria. Rilassante, pacifico, anche divertente.

Voto: 3/5

Chul-soo Park

2011-09-21T16:08:00.000+02:00

Captain of the Alley (Golmogdaejang), 1978
The Rain that Falls Every Night (밤이면 내리는 비 Bam-imyeon naelineun bi), 1979
Painful Maturity (Nan moleugessne), 1980
Is There a Girl Like Her? (Ileon yeoja eobsna-yo), 1981
Stray Dog (Deulgae), 1982
Tinker Wife (Ttamjang-i a-nae), 1983
Mother (Eomi), 1985
Pillar of Mist (Angaegidung), 1986
Hello Im Kuk-jeong by Pak Cheol-su (Bak Cheol-Su-ui helro Im Kkeok-Jeong), 1987
You My Rose Mellow (접시꽃 당신 JeobsiKkoch dangsin), 1988
Today's Woman (Oneul yeoja), 1989
The Woman Who Walks on Water (Mul-wileul geodneun yeoja), 1990
Ose-am Temple (Oseam), 1990
Theresa's lover (Telesa-ui Theresa-ui yeon-in), 1991
Seoul Evita (Seo-ul-ebita SeoulEvita), 1991
Flower in Snow (Nunkkoch), 1992
Sado Sade Impotence (우리 시대의 사랑 Ulisidae-ui sarang), 1994
301, 302 (Samgong-il samgong-i), 1995
Farewell my darling (학생부군신위 Hagsaengbugunsin-wi), 1996
Seven Reasons Beer is Better Than Love (Maegjuga ae-inboda Joh-eun 7gaji i-yu), 1996
Push! Push! (Sanbu-ingwa), 1997
Family Cinema (Gajok Cinema), 1998
Bongja (Bongja), 2000
Green Chair (Noksaeg Uija), 2005 - 2,5/5

Park (1948), sudcoreano, si è dato al cinema dopo aver studiato economia. E' anche produttore e sceneggiatore.

-Green Chair
Corea del Sud 2005 - sentimentale/erotico - 98min.

Una donna trentaduenne viene incriminata per aver avuto una relazione con un ragazzo legalmente minorenne per quanto riguarda le attività sessuali (minimo 20 anni, mentre il ragazzo ne ha 19). Scontata la pena detentiva, esce per scontare il resto attraverso un lavoro socialmente utile in una casa di cura per anziani. Ad attenderla fuori dalla prigione c'è il ragazzo, con cui subito si re-instaura la relazione.

Sulla carta Park ha un corpus tematico che può sfruttare in molti modi; sceglie di farlo propinando inizialmente lunghe sequenze di congressi carnali tra i due protagonisti; in seguito analizza la vita a tre a casa di un'amica della donna, in cui si mettono in scena altri rapporti carnali (veri o immaginari); infine c'è una sequenza surreale in cui i tre organizzano un banchetto con i genitori dei due amanti, l'ex marito della donna, una paziente della casa di cura, una spasimante del ragazzo, l'ispettore di polizia che si era occupato del caso, in cui si evidenziano (in modo un po' confusionario) i pregiudizi sociali e le ipocrisie moraliste di chi si vuol opporre per partito preso ad una relazione amorosa solo perché non conforme alle leggi.
Peccato che la terza parte, la più interessante, sia compressa in un'unica, lunga sequenza: seppur interessante come soluzione, ha il demerito di concentrare in poco tempo una portata tematica che poteva essere molto più articolata nel corso di tutto il film, eccessivamente insistente sulle scene erotiche. Il punto forte invece è la recitazione dei due protagonisti, entrambi molto convincenti e credibili nella rappresentazione dei tumulti emozionali dei loro personaggi.
Comparto tecnico nella media.
Così così.

Voto: 2,5/5

Santiago Mitre

2011-09-18T18:44:00.000+02:00

El escondite (cortometraggio) (2002)
Un regalo para Carolina (cortometraggio) (2003)
El amor - primera parte (2004)
El estudiante (2011) - 3/5

Mitre (1980), argentino, dopo un paio di corti si è dedicato soprattutto alla sceneggiatura per cinema e televisione. Il suo primo lungometraggio da regista (dopo la co-regia del 2003) è El estudiante.

-El estudiante
Argentina 2011 - commedia/drammatico - 110min.

Roque Espinosa (Esteban Lamothe), giovane studente, arriva a Buenos Aires intenzionato per l'ennesima volta a riprendere il percorso universitario. Poco interessato alle lezioni, fa amicizia con altri studenti, rimorchia ragazze e si gode le uscite serali. Invaghitosi di Paula (Romina Paula), assistente universitaria, che vede durante un comizio, tenta di sedurla, entrando nel mondo della politica universitaria. Scopertosi abile paroliere e carismatico trascinatore di folle, Roque rimane sempre più coinvolto dal gioco della politica, sotto la guida del professor Alberto Acevedo (Ricardo Felix), che gli insegna a pianificare ed organizzare comizi, alleanze e strategie, fino a perdere di vista il contenuto politico dell'operazione: conta solo vincere.

Girato interamente in digitale e con scarsi mezzi, questo film "povero" è stato una sorpresa al festival di Locarno. Trattando di un argomento a noi così estraneo (la politica universitaria argentina), il regista Santiago Mitre è riuscito a realizzare un film coinvolgente e dalla portata internazionale, rappresentando il particolare in luogo dell'universale: i mali della politica (ovvero il perdere di vista l'obiettivo primario dell'amministrare per il bene comune in favore di un gioco strategico per la conquista del potere) sono uguali ovunque, e Mitre descrive come in Argentina (solo lì?) questa gara spietata al consenso si consumi già nelle aule universitarie.

Dapprima amico di tutti e intenzionato unicamente a godersi amicizie e vita notturna, Roque rimane invischiato nei meccanismi perversi delle logiche di potere, perdendo il suo innocente disimpegno a favore di un colpevole accanimento. Esteban Lamothe si rivela un attore sorprendentemente capace, specie a livello di mimica, nel rendere evidente il cambiamento caratteriale del suo protagonista e le emozioni contrastanti che prova. L'ottimo cast è costituito da bravi comprimari, tra cui senza dubbio spicca Ricardo Felix nei panni del professore freddo e calcolatore. Come detto, trattasi di un film povero di mezzi, elemento evidente sia nella qualità dell'immagine digitale sia nell'uso di una fotografia semplice, che ricorre a luci ambientali e non si discosta mai molto da primi piani e mezze figure.

Degne di nota le scenografie, credibili tanto negli interni di uffici puliti contrapposti a diroccate aule scolastiche quanto in esterni metropolitani (suggestivo il complesso decadente dell'università) e campagnoli. Meno incisiva invece la colonna sonora, che si limita a sottolineare con discrezione i momenti più tesi, senza mai risaltare. El Estudiante si dimostra una valida opera seconda, trattante temi difficili da mettere in scena, che con un buon lavoro di scrittura (sceneggiatura e disegno dei personaggi) risulta essere coinvolgente ed appassionante.

Voto: 3/5

Fernand Melgar

2011-09-16T18:34:00.001+02:00

Classe d'accueil (1998)
Remue-ménage (2002)
Exit, le droit de mourir (2005)
La Forteresse (2008)
Vol spécial (2011) - 3,5/5

Melgar (1961), svizzero di origini spagnole, è un documentarista affermato, che si è occupato di svariati problemi sociali, fra cui l'integrazione di giovani stranieri, il fenomeno del suicidio assistito e le espulsioni di immigrati clandestini dal territorio svizzero.

-Vol spécial
Svizzera 2011 - documentario - 103min.

Centro di detenzione amministrativa di Frambois (equivalente dei nostrani centri di identificazione ed espulsione). Qui gli irregolari senza permesso di soggiorno possono essere trattenuti fino a 2 anni in attesa di giudizio, prima di essere rilasciati o (più frequentemente) espatriati. Nel secondo caso, possono scegliere se andarsene volontariamente (da uomini liberi) o attraverso volo speciale (con imputazione di immigrazione clandestina). Il regista e la sua equipe hanno passato un anno all'interno del centro conoscendo i reclusi.

Vol special è stato uno dei grandi film del festival di Locarno. Accolto con ovazioni, è un documentario di dura denuncia di quella che appare evidentemente una stortura del sistema giudiziario svizzero: persone abitanti la Svizzera anche da decenni improvvisamente trasferite nel centro, dove rimangono internati anche due anni per poi essere rispediti nel loro paese d'origine, paese spesso ormai estraneo per loro o da cui sono fuggiti perchè perseguitati o perchè in fuga da una guerra. Senza mai intervenire verbalmente, il regista Fernand Melgar (autore di diversi altri documentari di denuncia sociale), ed il suo staff si limitano a filmare ciò che accade all'interno del centro: si familiarizza col direttore, uomo sensibile ai problemi degli ospiti del centro eppure inflessibile nella sua osservanza della legge e delle procedure, il personale che vi lavora all'interno e ovviamente i detenuti stessi, persone che, benchè formalmente non accusati di nulla, si trovano di fatto in una condizione di prigionia e che possono vedere amici e famigliari (con cui magari hanno vissuto normalmente fino al giorno prima della detenzione) sono in specifici orari di visita.

Stupisce l'ordine, l'osservanza delle regole e la disciplina di carcerieri e carcerati, tutti composti in quanto a protocollo, sebbene scossi interiormente. I momenti più toccanti sono ovviamente quelli in che riguardano l'annuncio ad un particolare detenuto della sua imminente espulsione: pianto e disperazione colpisce i malcapitati, pur in una compostezza ed accettazione della sentenza che non può che colpire. Il montaggio accurato non manca di sottolineare alcuni momenti salienti da cui traspare tutto lo sgomento del regista nel ritrarre una situazione da lui ritenuta ingiusta e contraria ai principi di civiltà di cui si fregia la Svizzera (ad esempio il momento in cui i detenuti leggono su un quotidiano di una proposta di legge per permettere agli animali domestici di poter essere difesi da un avvocato!), ma si evita di aggiungere orpelli registici o fotografici, in favore del massimo realismo.

Questa asetticità di fondo non permette certo al documentario di elevarsi, artisticamente parlando, oltre il semplice livello di reportage giornalistico, per quanto potente esso sia. Siamo lontani, insomma, dalla poesia dei documentari di Herzog, per fare un esempio. L'intento denunciatario dell'opera è comunque pienamente raggiunto, e al di là dei demeriti tecnici, il film resta un'importante documento che affronta una tematica quantomai attuale che non riguarda solo il paese in cui è stato girato, ma pone domande allo spettatore di qualunque provenienza.

voto: 3,5/5

Mike Cahill

2011-09-14T17:30:00.002+02:00

Another Earth (2011) - 2,5/5

Cahill (1979), americano, è laureato in economia. Dopo aver lavorato per il National Geographic, ha collaborato alla realizzazione di svariati documentari. Another Earth è il suo lungometraggio d'esordio, ed è il suo primo film di finzione.

-Another Earth
USA 2011 - sentimentale/fantascienza - 92min.

Rhoda (Brit Marling) è una studentessa entusiasta: ha appena ricevuto la notizia di essere stata ammessa al programma di astrofisica del MIT. La sua esistenza viene sconvolta, come quella di tutte le persone, dalla notizia dell'avvistamento di un nuovo pianeta del tutto simile alla Terra, che si avvicina sempre più. Mentre è in macchina, persa nella contemplazione del misterioso pianeta già visibile ad occhio nudo, causa un incidente che stermina la famiglia del conducente di un'altra vettura, John Burroughs (William Maphoter), brillante compositore che a seguito del fatto si ritira a vita privata. Rhoda sconta la sua pena in carcere in preda al rimorso e decisa, una volta uscita, di riparare in qualche modo al suo gesto.

Another Earth dimostra la sua volontà di essere originale commistionando due generi lontani fra loro, la fantascienza ed il dramma esistenzial-sentimentale. L'idea è interessante, ed il regista Mike Cahill (anchemontatore e sceneggiatore) si impegna nel costruire una vicenda realistica (anche se a tratti un po' scontata) che si poggia su un avvenimento fantastico: la comparsa di un pianeta speculare al nostro, morfologicamente e forse demograficamente. L'altra Terra rappresenta la possibilità di un nuovo inizio, la classica seconda chance che tutti vorrebbero avere per riparare agli errori compiuti.

Tuttavia questa seconda chance richiede un allontanamento, una partenza verso un altro luogo solo potenzialmente uguale al nostro, che richiede una certa dose di coraggio nel lasciarsi alle spalle la vita che si è vissuta fino a quel momento per avventurarsi lungo un sentiero ignoto dall'ignota destinazione. La fuga da questo mondo per rifugiarsi in un altro lasciandosi alle spalle tutto e tutti sembra l'unica possibilità prospettata dal regista per far fronte agli sbagli ed errori commessi: tale soluzione, abbastanza egoistica se vogliamo, suona molto come una fuga dalle proprie responsabilità.

Ecco allora che Rhoda troverà il modo di tradurre una potenziale fuga dalle proprie colpe in un'occasione di espiazione che si tramuti in un riscatto per colui che ha danneggiato, in un finale che è sì prevedibile, ma non ha quel sapore zuccheroso stile "e vissero tutti felici e contenti" da Hollywood ending. Tralasciando il lato fantascientifico, che non è altro che un pretesto per iniziare e far procedere la narrazione (e infatti il film, con qualche lieve aggiustamento, avrebbe potuto funzionare benissimo anche senza questo elemento fantastico), la pellicola altro non è che un film sentimentaleconnotato da un inizio altamente drammatico, e pertanto si regge principalmente sulle interpretazioni dei due protagonisti, entrambi oppressi da due macigni psicologici: la colpa nel caso di lei, la perdita nel caso di lui. Due esistenze mutilate che, in modo poco verosimile (ma d'altronde è la magia del cinema) arrivano a completarsi a vicenda, tornando a vivere.

Tecnicamente il film è nella media, senza presentare vezzi di rilevo: la fotografia si concentra spesso su mezze figure e primi piani dei due protagonisti; il montaggio è ben fatto, anche se avrebbe potuto essere più veloce in alcuni passaggi; girato spesso in notturna o comunque con poca luce, presenta generalmente colorazioni fredde e spente, ovviamente metaforiche degli stati d'animo dei personaggi. Scenografia e colonna sonorasono funzionali, senza elementi di spicco, mentre la presenza di un altro pianeta sempre più vicino nella volta celeste è un esempio di effetti specialinon invasivi ben implementati. Nel complesso Another Earth è un film interessante nella volontà di combinare due generi che hanno poco da spartire l'uno con l'altro, che risalta per la recitazione dei due attori principali mentre lascia sostanzialmente indifferenti dal lato tecnico. Inoltre il concept stesso lascia qualche dubbio: il sospetto è che l'unica trovata originale del film sia appunto l'altra Terra, in mancanza della quale ci saremmo trovati di fronte ad un film in tutto e per tutto convenzionale.

Voto: 2,5/5

Andrzej Żuławski

2011-09-11T13:52:00.001+02:00

La terza parte della notte (Trzecia czesc nocy) (1971)
Il diavolo (Diabel) (1972)
L'importante è amare (L'important c'est d'aimer) (1975)
Na srebnym globie (1976)
Possession (1981) - 3,5/5
La femme publique (1984)
Amour braque - Amore balordo (L'Amour braque) (1985)
Sul globo d'argento (Na srebrnym globie) (1987)
Le mie notti sono più belle dei vostri giorni (Mes nuits sont plus belles que vos jours) (1989)
Boris Godunov (1989)
La nota blu (La Note bleue) (1991)
La sciamana (Szamanka) (1996)
La fidélité (2000)

Żuławski (1940), polacco, è noto per i suoi film grotteschi, visionari ed eccessivi.

-Possession
Italia/RFT 1981 - horror/drammatico - 118min.(versione integrale)

Disponibile per la prima volta in edizione integrale (edita dalla sempre più encomiabile Rarovideo), questa versione di "Possession" rende giustizia all'idea originale di Zulawski, che era stata del tutto stravolta in occasione della sua uscita nelle sale italiane; nel booklet del DVD si legge:

"...sono stati tagliati ben quarantasei minuti di film e sono state rimontate il resto delle scene in una successione priva di alcun senso (...) nel doppiaggio italiano è stato cambiato senza nessun rispetto il significato della maggior parte dei dialoghi. Sono state sostituite le musiche originali (...) e alterati i cromatismi di stampa...", insomma uno scempio.

Berlino. Tornato a casa da un viaggio di lavoro, Marc (Sam Neill) scopre che la moglie Anna (Isabelle Adjani, premiata a Cannes come "Migliore Attrice") ha un amante. Scoppia una crisi coniugale: continui litigi, situazioni insostenibili. Anna se ne va di casa. Quando però l'amante in questione contatta Marc per dirgli che non vede Anna da tempo, l'uomo inizia a chiedersi dove diavolo sia andata a vivere la donna e con chi si veda, dato che Anna sostiene di frequentare un'altra persona. O forse non si tratta di una persona...

Film stranissimo, veramente weird, recitato in modo straordinario e decisamente sopra le righe, ricco di momenti visivamente strabilianti e all'insegna dell'eccesso, è una pellicola ingiustamente poco considerata e giustamente riassemblata, che oggi appare in tutta la sua portata provocatoria. Film unico nella sua commistione di generi ed impossibile da catalogare, ha il suo punto di forza (e di debolezza) nel voler a tutti i costi essere originale: ciò produce risultati talvolta geniali, talvolta discutibili, ma sempre d'effetto. Ambientato significativamente nella Berlino divisa dal muro, è fondato sul conflitto degli opposti: marito/moglie, uomo/donna, razionalità/follia, Religione/Caso (quest'ultimo direttamente esplicitato nel film), realtà/sogno (meglio dire "incubo"). Tracima di sangue, urla, sesso e morte, con una regia barocca che alterna momenti lenti e cinepresa fissa a sequenze concitate con telecamera a spalla, dialoghi deliranti e situazioni da brivido; intriga grazie al mistero del segreto che Anna porta con sè e costringe lo spettatore a proseguire la visione fino in fondo, per concludere con una finale sospeso immerso in un clima allucinante e apocalittico.
E' il tentativo di mettere in immagini il senso di vuoto interiore (Anna dice di non provare più "niente per nessuno") che può affliggere un individuo la cui vita sembra apparentemente normale, ma di cui non sa trovare un significato.
Probabilmente l'horror più originale degli anni '80.

Voto: 3,5/5

Robert Zemeckis

2011-09-11T13:50:00.000+02:00

The Lift (1971) (cortometraggio)
A Field of Honor (1973) (cortometraggio)
1964: Allarme a New York arrivano i Beatles (I Wanna Hold Your Hand) (1978)
La fantastica sfida (Used Cars) (1980)
All'inseguimento della pietra verde (Romancing the Stone) (1984)
Ritorno al futuro (Back to the Future) (1985)
Chi ha incastrato Roger Rabbit (Who Framed Roger Rabbit) (1988)
Ritorno al futuro Parte II (Back to the Future Part II) (1989)
Ritorno al futuro Parte III (Back to the Future Part III) (1990)
Incubi (Two-Fisted Tales), film TV, segmento Yellow (1991)
La morte ti fa bella (Death Becomes Her) (1992)
Forrest Gump (Forrest Gump) (1994)
Contact (1997)
The 20th Century: The Pursuit of Happiness (1999) - documentario TV
Le verità nascoste (What Lies Beneath) (2000)
Cast Away (2000)
Polar Express (The Polar Express) (2004)
La leggenda di Beowulf (Beowulf) (2007)
A Christmas Carol (2009) - 2/5

Zemeckis (1951), americano, viene notato da Spielberg, che gli affida i primi lavori. Lanciato dalla saga Ritorno al futuro, si è in seguito cimentato in diversi generi, spesso ricorrendo al suo attore feticcio Tom Hanks, che ha contribuito a lanciare con Forrest Gump.

-A Christmas Carol
di Robert Zemeckis - USA 2009 - animazione - 90min.

Dopo Polar Express, Zemeckis racconta nuovamente una storia natalizia, il vecchio ma sempre efficace Racconto di Natale di Dickens, ricorrendo all'animazione digitale arricchita dall'effetto 3D che sta ormai spopolando da un anno a questa parte, e che presto vedremo all'opera con Avatar.

E' un buon film di cui tuttavia non si sentiva il bisogno, essendo la favola di Dickens già stata raccontata diverse volte; il tentativo di rinnovarla attualizzandola al nuovo millennio, eliminando ogni elemento religioso cristiano per apparire più laico possibile snatura l'opera originale, riducendola ad una trita retorica dei buoni sentimenti. l'avaro Scrooge interpretato da Jim Carrey è una bella performance, ed anche i personaggi di contorno sono ben realizzati. L'effetto 3D non è forse sfruttato al meglio, ma la sfarzosità delle scene ed il caleidoscopio dei colori sazia gli stomaci più golosi di effetti speciali. Le animazioni sono all'avanguardia e risultano sempre avvincenti e ben realizzate. l'ottimo doppiaggio italiano aiuta il coinvolgimento. Purtroppo la pellicola in sè ha ben poco da dire a parte un generico "vogliamoci bene" e "siamo tutti più buoni", ma per un pubblico di bimbi probabilmente può essere sufficiente. Il sospetto che Zemeckis si stia adagiando sugli allori è comunque forte.

Voto: 2/5

Brian Yuzna

2011-09-11T13:47:00.000+02:00

Society (1989)
Bride of Re-Animator (1989)
Initiation: Silent Night, Deadly Night 4 (1990)
Return of the Living Dead III (1993)
Necronomicon (segments "The Library" & "Whispers") (1993)
Tarzan: The Epic Adventures (episode "Tarzan's Return") (1996)
The Dentist (1996)
Progeny (1998)
The Dentist 2 (1998)
Faust: Love of the Damned (2000)
Beyond Re-Animator (2003)
Rottweiler (2004)
Dal profondo delle tenebre (Beneath Still Waters) (2005) - 1/5
Amphibious (2010)

Yuzna (1949), filippino, è specializzato in horror più o meno validi.

-Dal profondo delle tenebre
(Beneath Still Waters) di Brian Yuzna - Spagna 2005 - horror - 90min.

Spagna del nord. A seguito dell costruzione di una diga, un paese è stato evacuato e sommerso, e la comunità spostata nell'area circostante. Strani avvenimenti iniziano ad accedere in occorrenza dell'anniversario della costruzione della diga; vengono coinvolti loro malgrado una giornalista della CNN ed un troppo curioso fotorepoter subacqueo.

Questo film trash della peggior specie sarebbe probabilmente risultato migliore se si fosse potuto contare su un budget più decente; i ridicoli effetti subacquei tolgono qualunque suspence. Rimane qualche piccola intuizione nella sceneggiatura, che pure ricalca classici clichè sulle piccole comunità ed i loro occulti segreti. il finale è talmente assurdo e repentino da strappare una risata.
Per il resto evitatelo pure.

Voto: 1/5

Yimou Zhang

2011-09-11T13:42:00.003+02:00

Sorgo rosso (Hong gao liang) (1987)
Daihao meizhoubao (1989)
Ju Dou (1990) - 2,5/5
Lanterne rosse (Da hong deng long gao gao gua) (1991) - 3,5/5
La storia di Qiu Ju (Qiu Ju da guan si) (1992) - 3,5/5
Vivere! (Huozhe) (1994)
La triade di Shanghai (Yao a yao yao dao waipo qiao) (1995)
Lumière et compagnie (1995)
Keep Cool (You hua hao hao shuo) (1997)
Non uno di meno (Yi ge dou bu neng shao) (1999)
La strada verso casa (Wo de fu qin mu qin) (1999)
La locanda della felicità (Xingfu shiguang) (2001)
Hero (Ying xiong) (2002)
La foresta dei Pugnali Volanti (Shi mian mai fu) (2004)
Mille miglia lontano (Qian li zou dan qi ) (2005)
Chacun son cinéma (2007) - Episodio En regardant le film
La città proibita (Man cheng jin dai huang jin jia) (2007)
A Woman, a Gun and a Noodle Shop (2009) - 3,5/5
The Flowers of War (金陵十三钗) (2011) - 3/5

Zhang (1951), è uno dei più noti ed importanti registi cinesi. Dopo aver studiato alla Beijing Film Academy, lavora come direttore della fotografia per Chen Kaige. I suoi primi film lanciano la carriera di Gong Li, e lo consacrano internazionalmente come un esteta perfetto ed un appassionato umanista. L'influenza neorealista, per sua stessa ammissione, traspare in molti suoi film. A partire dal 2002 si dedica a grandi progetti di kolossal d'azione, riscontrando notevole successo in patria e all'estero.

-Ju Dou
di Fengliang Yang, Zhang Yimou - Cina/Giappone 1990 - drammatico/thriller - 95'

Cina, anni '20. In un villaggio rurale, il vecchio e tirannico Jin-Shan, proprietario di un colorificio tessile, compra in sposa la bella e giovane Ju Dou per avere un erede. L'avvenente ragazza suscita però le voglie del nipote di Jin-Shan, che si innamora, ricambiato, di lei. I due progettano allora di uccidere il vecchio, e di far passare come erede legittimo il frutto dell'adulterio della donna, ma le cose si complicano.

Un anno prima di Lanterne Rosse, Zhang Yimou realizza la sua seconda opera cinematografica da regista. Il coregista Fengliang Yang, funzionario del ministero della cultura cinese, doveva vigilare sull'ortodossia della pellicola che, dati i temi scabrosi, non fu mai distribuita nella Repubblica Popolare. Il film descrive il microcosmo famigliare nelle sue criticità: odio, rancore e tutti i principali sentimenti negativi che l'uomo possa provare trovano spazio nei cuori dei quattro membri della famiglia: un vecchio rancoroso ed impotente, che l'età e la solitudine hanno reso violento e prepotente; Ju Dou, indifesa e vittima di un marito-padrone, praticamente una schiava succube del sesso maschile; il nipote del vecchio, giovane uomo senza nerbo che si dibatte fra il rispetto e l'obbedienza verso lo zio e l'amore per la zia; il bambino, frutto della relazione adulterina, che non sa chi riconoscere come padre ed assiste per tutta la sua vita alla messa in atto di macchinazioni ed intrighi famigliari.

Quasi tutta l'azione si svolge nella casa-tintoria, un'antica magione in pietra e legno che comprende ampie vasche per la tintura e stenditoi per i tessuti. Una fotografia all'insegna dei contrasti fra chiaroscuri che gioca con il controluce si lancia in coreografiche inquadrature dei tessuti rosso sangue (proprio il rosso è uno dei colori maggiormente presenti nel film) attraversati dai raggi solari. La materia narrativa non è poi molta, così in poco più di un'ora e mezza Yimou dipana la sua storia di atrocità assortite (più di un omicidio si consuma all'interno delle mura della casa) con passo svelto, anche se a volte fatica un po' a trovare ritmo nella narrazione di eventi fra loro simili e ripetitivi. Il cast comunque funziona bene, ed i personaggi sono sufficientemente interessanti da invogliare la visione. Peccato per una colonna sonora non memorabile ed una debolezza di fondo del soggetto del film, forse troppo debole da giustificare un lungometraggio, che a volte sembra accumulare scene solo per arrivare ad una lunghezza accettabile.

voto: 2,5/5

-Lanterne rosse
(Dahong Denglong gaogao gua) di Zhang Yimou - Cina/Hong Kong/Taiwan 1991 - 120min.

Nella Cina degli anni '20 una ragazza di estrazione contadina (Gong Li) decide di diventare la "Quarta Signora" di un ricco signorotto di una regione settentrionale del paese. Accolta nel complesso ed intricato palazzo, conosce le altre tre signore e si prepara ad affrontare una vita da reclusa. Le lanterne rosse vengono accese ogni sera davanti all'abitazione della moglie con cui il signore decide di passare la notte.

Il primo, lampante pregio di questo film è la scenografia: il palazzo, così immenso e così vuoto, dà un'idea dello sfarzo che nelle generazioni precedenti doveva ricoprire questo luogo. Ora invece sembra quasi un relitto del passato, dove tuttavia il tempo si rifiuta di avanzare, e vigono ancora rigorose tradizioni. Le inquadrature sono spesso fisse, e ci presentano dei magnifici scorci dei tetti, delle balaustre, dell'architettura labirintica del luogo. L'altro aspetto di notevolissimo interesse è la fotografia: che Yimou sia un esteta ce ne si può rendere conto guardando i suoi wuxiapian più recenti: "Hero", "La foresta dei pugnali volanti", "La città proibita". In questo film le immagini riescono a stupire ed incantare senza scene d'azione: non è solo questione del fascino che la ritualità orientale può esercitare su uno spettatore occidentale, è anche una questione di scelte cromatiche e di angolazioni di ripresa.
La recitazione è sublime, a partire ovviamente da Gong Li. In un microcosmo separato dal resto del mondo si analizzano la condizione femminile (il film fu vietato nella Repubblica Popolare) e la negatività di fondo degli uomini, celata sotto buone maniere e cortesie rituali. E' un film di donne, incentrato sulle figure delle quattro mogli (più una serva), mentre la figura maschile è quasi del tutto assente (il padrone di casa è inquadrato sempre da lontano e a fatica possiamo scorgerne il volto). La vita di queste concubine, il cui unico appagamento è la speranza che a fine giornata le lanterne si accendano presso la propria abitazione, è una sequenza di intrighi e subdole macchinazioni, unica valvola di sfogo per degli animali chiusi in gabbia (la protagonista dirà ad un certo punto che nella casa vede solo cani e topi, e nessun essere umano).
E' un peccato che dopo due intensissime ore di grande cinema, il finale risulti frettoloso, in distonia rispetto al resto del film, persino un poco inverosimile. Una tale soluzione è proprio inspiegabile.
Raccomandato, comunque.
Dal romanzo "Mogli e concubine" di Su Tong.

voto: 3,5/5

-La storia di Qiu Ju
(Qiu Ju da guansi) di Zhang Yimou - Cina 1992 - drammatico - 106min.

In un villaggio agricolo dell'entroterra cinese, un coltivatore di peperoncino ha un diverbio con il capovillaggio che, provocato, perde momentaneamente il controllo e gli assesta un calcio all'inguine, costringendo l'uomo all'immobilità per alcuni giorni e causandogli danni non indifferenti. La sua virilità è forse rimasta danneggiata, così la moglie dell'uomo, Qiu Ju (Gong Li), porta il marito dal dottore e pretende, ancor prima di un risarcimento, delle scuse ufficiali da parte del capovillaggio, che non ne vuol proprio sapere. Determinata a raggiungere il suo scopo, la donna si rivolge sempre più in alto per far valere le proprie ragioni.

Come e più del precedente Lanterne rosse la storia è uno spunto per descrivere la Cina dell'epoca (solo una ventina d'anni fa!): la miseria dell'ambiente contadino in opposizione alla corsa allo sviluppo delle metropoli; la tranquillità del mondo rurale, governato dai ritmi delle stagioni e del lavoro nei campi, e la caotica frenesia degli iperaffollati centri urbani; la distanza, non solo geografica, ma anche culturale fra questi due mondi, e la difficoltà per un paese così immenso di conciliarli; la distanza degli uomini di legge cittadini dai problemi concreti dei ceti umili e la loro impossibilità di capire quale sia il problema di fondo: l'ottenimento delle scuse, non l'aumento di risarcimento. E' lo scontro tra due sistemi di pensiero che tentano faticosamente (ed in ultima analisi non riescono) di coesistere, ed è chiaro quale dei due sembri destinato a perire.
L'unica parte del corpo visibile della bravissima Gong Li è il suo volto, con il quale l'attrice è in grado di trasmettere frustrazione, fatica, angoscia, ma anche gioia e determinazione. La fotografia rinuncia alla ricerca del preziosismo figurativo del film precedente per conferire alla pellicola il maggior realismo possibile. Musiche tradizionali accompagnano la narrazione, ma sono assenti in città, dove lasciano il posto a strombazzanti mezzi di trasporto ed al frastuono delle masse.
Yimou firma un'altra notevole pellicola "al femminile", meritato Leone d'oro a Venezia.
Da vedere.

Voto: 3,5/5

-A Woman, a Gun and a Noodle Shop
(San qiang pai an jing qi ) di Zhang Yimou - Cina 2009 - storico/commedia - 95min.

Medioevo cinese. In una spaghetteria su una via su una pista del deserto, la moglie del proprietario compra una pistola da un mercante persiano di passaggio per eliminare il tirannico marito. Quest'ultimo però ha assoldato un poliziotto per far fuori la moglie fedifraga ed il suo amante. Nel frattempo due dipendenti del padrone pensano a come poter scassinare la sua cassaforte ed impadronirsi del loro stipendio arretrato. Reazioni a catena e guai a non finire.

Ispirato al film Blood Simple - Sangue Facile, di cui riprende l'ossatura della vicenda, è una divertente commedia nera che si dipana fra macchinazioni, complotti ed omicidi conditi da forti dosi di umorismo. Stilisticamente Yimou fa un compendio del suo cinema spettacolare e coreografico, mettendolo al servizio di una vicenda che si svolge entro le quattro mura della spaghetteria e nelle circostanti distese desertiche.

Il contrasto fra la staticità della situazione di partenza e l'estro tecnico della messinscena dà luogo ad una costante sollecitazione spettatoriale, tradotta in suspence per quanto riguarda la narrazione diegetica, e suggestione scopica per gli splendidi costumi, la straordinaria fotografia, i contrasti cromatici (l'azzurro splendente del cielo, le striature bianche e rosse delle dune, il blu profondo delle uniformi dei poliziotti a cavallo). Il brio degli interpreti completa l'opera.

Da vedere.

voto: 3,5/5

-The Flowers of War
Cina 2011 - drammatico/guerra - 145min.

1937. I giapponesi hanno preso Nanchino, iniziando il famigerato massacro che costò la vita ad una quantità di persone che va dalle 150.000 alle 300.000 e oltre (si dibatte tuttora sulle cifre). L'impresario di pompe funebri americano John Miller si trova lì perché deve dare sepoltura al prete a capo di un convento cattolico che ospita giovani studentesse cinesi. Vi trovano rifugio anche un gruppo di prostitute che non convivono pacificamente con le caste e pure scolarette. Improvvisatosi prete per sedare una tentata razzia giapponese nel convento, Miller si trova a far da padre alle fanciulle e difensore delle donne in un braccio di ferro con le autorità militari nipponiche.

Il di Yimou è bello, ma la sensazione è che si potesse fare di più, affrontare la vicenda da una prospettiva più storica e meno "romanzesca". Sebbene la figura di Miller, interpretato dal bravissimo Christian Bale, sia vagamente ispirata a quella di John Magee, vero missionario americano che nelle sei settimane del massacro offrì rifugio a 13 prostitute, ho faticato a non vedere il contesto storico come una lugubre cornice nella quale il regista cinese ha costruito un'improbabile dramma sentimentale fra l'uomo ed una di queste donne. E' un peccato perché era l'occasione perfetta per variare un po' dalle sue formule consuete, ovvero la rappresentazione della donna nella Cina dei primi del Novecento o l'affresco storico della Cina medievale. Questo film, malgrado il contesto bellico, appartiene appieno alla prima categoria, con l'"aggravante" della mancanza di una figura femminile di potenza pari ai ruoli interpretati da Gong Li nelle sue più famose collaborazioni col regista. Anzi, l'affidare il ruolo di main character ad un uomo finisce per danneggiare entrambe le visioni del conflitto, dalla parte delle donne e da quella degli uomini, che appaiono entrambe de-potenziate. Se a ciò si aggiunge la lunghezza leggermente sfiancante della pellicola (non per mancanza di materia narrativa, bensì per un deficit di ritmo che da Yimou non mi aspettavo, specie dopo l'ottima prova in tal senso di A Woman, a Gun and a Noodle Shop) il risultato è un film in cui le varie parti potevano essere mescolate meglio per ottenere un tutto più convincentemente coeso. Detto questo, si possono spendere parole di elogio per la realizzazione tecnica, in particolare per le scenografie di Yohei Taneda, ottime nel rendere il senso della città distrutta dai combattimenti ed evocativa nella ricostruzione del convento, nonché per la fotografia ombrosa e polverosa di Xiaoding Zhao. Anche la sceneggiatura, tolto qualche momento in cui solo per esigenza di spettacolo si può sorvolare su evidenti inverosimiglianze, è in grado di coinvolgere lo spettatore, cercando in tutti i modi di commuoverlo ma anche di divertirlo con trovate intelligenti e personaggi secondari ben scritti.
Efficace anche la colonna sonora, incentrata su molti brani a cappella.
All'oggi (Gennaio 2012) non ci sono notizie riguardo una distribuzione italiana del film.

Voto: 3/5

Mennan Yapo

2011-09-11T13:34:00.000+02:00

1999 Framed
2004 Lautlos (Soundless)
2007 Premonition - 2,5/5
2011 Gunslinger

Mennan (1966), tedesco, è specializzato in thriller.

-Premonition
USA 2007 - drammatico - 110min.

Linda Hanson (Sandra Bullock) sta vivendo il sogno americano: un marito amatissimo, due bambine splendide, una bella casa nella provincia rurale. Arriva però il giorno che sconvolge la sua vita: la morte del marito in un incidente d'auto. E' un colpo durissimo e Linda fatica a riprendersi. Le cose si mettono ancora peggio quando, svegliatasi il giorno seguente, ritrova il marito perfettamente vivo e in salute che fa colazione in soggiorno: è forse impazzita?

Strano film di sentimenti che inizia con un dramma, prosegue come un thriller con tocchi horror e finisce come un film sentimentale. la pellicola ha ricevuto critiche per lo più negative: a me non è dispiaciuta la mescolanza di generi molto inusuale e la passione che la Bullock ha infuso nel suo personaggio. Da apprezzare l'intelligente costruzione narrativa (sebbene contenga una certa dose di prevedibilità). E' in definitiva un film sui sentimenti, sul valore delle persone a noi care e sul valore dell'esistenza, di cui spesso dimentichiamo la fragilità. Morale: ogni giorno che viviamo è un miracolo, bisogna apprezzarlo e viverlo intensamente.
In generale qualche sforbiciata avrebbe aiutato a mantenere il ritmo più sostenuto, oltre al fatto che di alcune scene non si capisce bene l'utilità.
Carino.

Voto: 2,5/5

John Woo

2011-09-11T13:30:00.000+02:00

Farewell My Buddy (Guoke yu shuang yan) (1974) - Rieditato come The Young Dragons (铁汉柔情, Tie han rou qing) (1975) e conosciuto anche come Ninja Kids
The Dragon Tamers (女子跆拳道群英会, Nu zi tai quan qun ying hui) (1975)
Princess Chang Ping (帝女花, Dinü hua) (1975)
Hand of Death alias Countdown in Kung Fu (少林门, Shaolin Men) (1976)
Money Crazy (发钱寒, Fa qian han) (1977)
The Brave Lion (1977)
Follow the Star (大煞星与小妹头, Da sha xing yu xiao mei tou) (1978)
Hello, Late Homecomers (哈罗，夜归人, Ha luo, ye gui ren) (1978)
Last Hurrah for Chivalry (豪侠, Hao xia) (1979)
From Riches to Rags (钱作怪, Qian zuo guai) (1980)
To Hell with the Devil (摩登天师, Mo deng tian shi) (1981)
Laughing Times (滑稽时代, Hua ji shi dai) (1981)
Lam Au Chun No. 3 (八彩林亚珍, Ba cai Lin Ya Zhen) (1982)
The Time You Need a Friend (笑匠, Xiao jiang) (HK/Taiwan1984)
Run Tiger Run (两只老虎, Liang zhi lao hu) (Taiwan/HK/USA 1985)
Heroes Shed No Tears (英雄无泪, Ying xiong wei lei) 1986)
A Better Tomorrow (英雄本色, Ying huang boon sik) (1986) - 2,5/5
A Better Tomorrow II (英雄本色 II, Ying huang boon sik II) (1987)
The Killer (喋血双雄, Die xue shuang xiong) (1989) - 3/5
Tragic Heroes (义胆群英, Yi dan qun ying) (1989)
Bullet in the Head (喋血街头, Die xue jie tou) (1990) - 4/5
Once a Thief (纵横四海, Zong heng si hai) (1991)
Hard Boiled (辣手神探, Lashou shentan) (1992) - 2,5/5
Senza tregua (Hard Target) (1993)
Nome in codice: Broken Arrow (Broken Arrow) (1996)
Face/Off - Due facce di un assassino (Face/Off) (1997)
Mission: Impossible II (2000)
Windtalkers (2002)
Paycheck (2003)
La battaglia dei tre regni (Chi bi) (Cina 2008 - 2009)

Woo (1946) cinese di Hong Kong, è un maestro assoluto dei film d'azione violenta, avendo influenzato generazioni di registi a Hollywood e non solo e lanciando a livello internazionale Yun-fat Chow.

-A Better Tomorrow
(Yinghung bunsik) di John Woo - HK 1986 - azione - 90min.

Film che ha sdoganato Woo all'estero, oltre che successo improvviso in patria ("Miglior Film" Hong Kong Film Award), segna l'ingresso del regista al cinema d'azione violento di stampo gangsteristico dopo numerosi wuxiapian, consacra Yun Fat Chow (e le sue due pistole, clichè riutilizzato innumerevoli volte) a star e getta le basi per futuri successi quali The Killer e Bullet in the Head.

Ho (Lung Ti) e Mark (Yun Fat Chow) sono due criminali della mafia di HK, stampatori di banconote false e killers professionisti. Sono assassini freddi e lucidi ma dall'incrollabile codice d'onore: lealtà, amicizia, fedeltà...Ho ha un fratello che sta per entrare in polizia, Kit (Leslie Cheung), ignaro delle losche attività di Ho. Il padre dei due è ucciso per un regolamento di conti, e le cose iniziano a precipitare: il rapporto fra i fratelli si incrina, Mark viene ferito e la sua attività compromessa, Ho medita di cambiare vita ma scoprirà come uscire dal giro possa essere difficile se non impossibile.

E' un film sia molto imitato sia molto debitore del cinema americano dei due decenni precedenti. il dinamismo del montaggio ed il ritmo concitato diverranno marchi di fabbrica della produzione di Woo. Film d'intrattenimento violento, è incentrato sull'amicizia virile. C'è più mestiere che personalità, ma si intravedono guizzi di sana inventiva che faranno la fortuna delle pellicole successive.
Ha dato origine ad una trilogia.

Voto: 2,5/5

-The Killer
(Die Xue Shuang Xiong) di John Woo - HK 1989 - azione - 110min.

Prodotto da Hark Tsui, come il precedente A Better Tomorrow, è uno dei più famosi film del periodo "HKese " di Woo.

Un Killer (Yun Fat Chow) acceca involontariamente la cantante di un night club (Sally Yen) durante una sparatoria. Impietosito, si prende cura di lei senza rivelarle la sua identità. Intanto però un determinato poliziotto (Danny Lee) gli dà la caccia. I due finiranno prima per fronteggiarsi, poi per collaborare contro un potente boss della mafia di HK.

Woo affina il suo stile facendo della coreografia della violenza la sua cifra stilistica, ed insistendo sui temi dell'onore, del riscatto, della redenzione, dell'amicizia virile, il tutto con un montaggio frenetico e lunghe sparatorie all'insegna delle più spericolate acrobazie attoriali a di ripresa. La lunga sparatoria finale nella chiesa è da antologia del cinema d'azione. Bravi tutti gli interpreti. imperdibile per tutti i fan del genere.

Voto: 3/5

-Bullet in the Head
(Die xue jie tou) di John Woo - HK 1990 - azione/guerra - 130min.

HK 1967: tre giovani ragazzotti vivono alla giornata, commettono qualche balordaggine, si scontrano con teppisti locali, hanno una gran voglia di futuro e di opportunità in un contesto che non offre vie d'uscita. Si chiamano Ben (Tony Leung), Frank (Jacky Cheung) e Paul (Waise Lee). A seguito di una collutazione violenta con una banda rivale il cui capo rimane ucciso, i tre chiedono aiuto allo zio di uno di loro, che fa il trafficante di medicinali ed altre cose in Vietnam. Accettando di fare da corrieri della droga, fiduciosi in un rapido guadagno, i tre amici partono per Saigon, dove si ritrovano in un inferno in terra fatto di continue sparatorie, attentati e fucilazioni sommarie: una terra di nessuno dove chi non ha una pistola non sopravvive. Ne passano di tutti i colori, ma riescono anche a fuggire da un campo di prigionia dei Vietcong. Uno impazzisce a seguito di un colpo alla testa, uno diventa un uomo d'affari senza scrupoli, preso dalla febbre dell'oro, abbandonando i due amici, il terzo vuol vendicare il primo e punire il secondo.

Forse il miglior film d'azione mai realizzato, è il capolavoro di John Woo, la summa del suo cinema violento di uomini duri e di valori guerrieri, realizzato con un grande dispiegamento di mezzi e all'insegna di una spettacolarità mai raggiunta prima. Grandi scene di massa, molte vette drammatiche tra cui il campo di prigionia e la follia del ragazzo colpito dal proiettile in testa (un ottimo Jacky Cheung, sopra le righe come in As Tears Go By). Onore e amicizia sono i temi principali, seguiti da giustizia, vendetta e antimilitarismo. Il finale pessimista è sconsolante: la passione giovanile che infervora gli animi dei tre protagonisti è spazzata via dalla negatività intrinseca degli esseri umani. Ottima colonna sonora. Prestiti evidenti da "Scarface" sono l'eccezione allo stile personale di Woo. Imperdibile.

Voto: 4/5

-Hard Boiled
(Lashou shentan) di John Woo - HK 1992 - azione/poliziesco - 122min.

Ad HK due famiglie criminali si contendono il mercato del traffico d'armi. Sul caso indagano l'indisciplinato ispettore Yuen (Yun Fat Chow) ed un poliziotto infiltrato (Tony Leung). i due prima si scontrano, poi collaborano.

Ultimo film di Woo girato ad HK, prima del suo trasferimento negli States, dove dirigerà pellicole in generale meno personali ed innovative, non è fra i suoi migliori risultati: malgrado il frequente ricorso a dosi di umorismo autoironico, il film non ha una materia narrativa tale da giustificarne la durata, perciò Woo sceglie di dilatare enormemente i tempi con un'ora di assedio finale ad un ospedale-armeria dove i nostri ammazzano un sacco di cattivi. La maestria tecnica di Woo ed il suo senso dello spettacolo sono fuori discussione, ma è una pellicola di poco conto rispetto alle precedenti. Leung e Chow nello stesso film valgono sicuramente il prezzo del biglietto, ma l'operazione sembra condotta unicamente per sfruttare il loro divismo. Solo per fan del genere.

Voto: 2,5/5

Parkpoom Wongpoom

2011-09-11T13:25:00.000+02:00

Shutter (2004)
Alone (2007) - 2,5/5
4bia (2008)
Phobia 2 (2009)

Wongpoom, thailandese, è specializzato in horror.

-Alone
( แฝด - Fad) di Bangjong Pisanthanakun, Parkpoom Wongpoom - Thailandia 2007 - horror - 95min.

Pim (Marsha Wattanapanich) e Wee (Vittaya Wasukraipaisan) sono una coppia originaria di Bangkok che ora vive in Corea. Quando i due ricevono la notizia che la madre di Pim ha avuto un ictus, ritornano a casa per farle visita, e soggiornano nella casa di lei, il nido d'infanzia di Pim e della sua sorella gemella Ploy, la quale era nata attaccata a lei per il ventre e che è morta da ragazza dopo l'operazione di separazione. Nella casa Pim inizia a sentirsi a disagio e comincia ad essere perseguitata da visioni della sorella. Medici e fidanzato danno la colpa al troppo stress, ma la ragazza è convinta che le apparizioni siano reali.

Secondo lungometraggio della coppia di registi thailandesi dopo il fortunato Shutter, è un film d'atmosfera meno originale del precedente, ma comunque ben realizzato. La scelta di dare una soluzione "logica" al mistero è azzeccata, anche se forse arriva un po' troppo presto. La Wattanapanich è brava e convincente, peccato che il resto del cast sia sottotono. L'atmosfera della casa gioca un ruolo importante, anche se non offre concretamente nulla di originale, ed anzi la pellicola abbonda di clichè. I momenti di suspence comunque non mancano grazie ad un'ottima tempistica di montaggio, e gli effetti speciali sono efficaci.
E' una bella storia di paura con un bel colpo di scena finale, ottimo per una visione disimpegnata.

Voto: 2,5/5

Kar-wai Wong

2011-09-11T13:23:00.000+02:00

As Tears Go By (Wong gok ka moon) (1988) - 2,5/5
Days of Being Wild (A Fei jing juen) (1991) - 2,5/5
Ashes of Time (Dung che sai duk) (1994)
Hong Kong Express (Chungking Express) (1994)
Angeli perduti (Fallen Angels) (1995)
Happy Together (1997)
In the Mood for Love (Fa yeung nin wa) (2000)
2046 (2004)
Un bacio romantico - My Blueberry Nights (My Blueberry Nights) (2007)
Ashes of Time Redux (2008)

Wong (1958), cinese di Hong Kong, è uno dei registi cinesi più conosciuti all'estero, maestro nella realizzazione di drammi sentimentali. Il suo capolavoro è In the Mood For Love.

-As tears go by
(Wong gok ka moon) di Kar-wai Wong - HK 1988 - gangster - 102min.

Classica storia da criminalità dei bassifondi: Wah (Andy Lau) criminale al soldo di una gang di HK, cerca di tenere a freno l'ipereccitato e imprevedibile sottoposto Fly (Jacky Cheung), e di conciliare la sua vita violenta con l'infatuazione verso una cugina (Maggie Cheung) che non sapeva nemmeno di avere.

Trama stereotipizzata al massimo, scontatissima nella sua canonicità, profondamente debitrice (se non emula) di tante pellicole americane fra cui Mean Streets in primis (di cui il film è quasi un clone), questa pellicola che fa della citazione la sua ragion d'essere non ha impedito a Wong Kar-wai, qui al suo esordio, di vincere il premio "Miglior direzione artistica" all'Hong Kong Film Awards 1989. In effetti sugli attori non si possono sollevare critiche: il terzetto principale (due di essi figureranno anche nel successivo Days of Being Wild) è affiatato è impeccabile. Vale per il suo essere un film estremamente evocativo di un decennio, quello degli anni'80, sia nella musica (esilarante la cover in cantonese di "Take My Breath Away", famosa in tutto il mondo dopo che ha spopolato grazie a "Top Gun" un paio d'anni prima) sia nell'estetica da videoclip (MTV nasce nel 1981) cui il regista ricorrerà anche in film successivi, quali ad esempio "Hong Kong Express" o "Angeli perduti".
Ha i pregi e i difetti di un'opera prima: dinamicità e piacere di raccontare, inesperienza nella gestione del materiale narrativo.
Così così.

Voto: 2,5/5

-Days of Being Wild
(À-fei zheng chuang) di Kar-wai Wong - HK 1991 - commedia/drammatico - 94min.

Nella Hong Kong degli anni '60, Yuddi (Leslie Cheung), giovane nullatenente che è stato tirato su da una prostituta perchè i suoi genitori naturali (di cui non conosce l'identità) non lo volevano, dongiovanni incallito, è indeciso fra due ragazze, entrambe innamorate di lui: Su Li-Zhen, una cassiera ingenua di origini taiwanesi e Mimì, ballerina un pò isterica e sbarazzina. Quando Yuddi decide di partire per le Filippine alla ricerca di sua madre abbandonando tutto e tutti, le due donne si disperano. Intanto Yuddi incontra un ex poliziotto, ora marinaio (Andy Lau) che aveva a sua volta conosciuto Su Li-Zhen e si era di lei infatuato.

Wong kar-wai, regista d'interni, ambienta anche questo film prevalentemente in luoghi angusti, soffocati dal caldo e dall'oscurità, popolato di personaggi che non sanno che farsene della loro vita. E' un mondo in cui si vive di momenti e sentimenti spinti all'eccesso, un mondo in cui tutto resta immobile e perciò ogni cambiamento appare come una difficoltà insormontabile. E' un mondo sospeso nell'incertezza del futuro e nella precarietà del presente.
Con questa pellicola il regista inizia a costruire il proprio personalissimo stile autoriale, in cui il melò si mescola alla violenza improvvisa (qui solo accennata, in verità), chiara influenza del cinema di HK, ed in cui le emozioni colpiscono più profondamente di un colpo di pistola: i personaggi, prima che essere sconfitti dal mondo e dall'ambiente che li circonda, sono annientati dalle loro stesse passioni. Non è tuttavia con tono pessimistico o cupo che il regista affronta questi temi, anzi lo fa quasi con una divertita tenerezza verso i suoi tristi personaggi, tutti ben interpretati, al solito.
Se le buone intenzioni ci sono, purtroppo Wong fa ancora parecchia fatica a dosare gli ingredienti della ricetta, scivolando sovente o nel mieloso o nel più programmatico melodramma. Siamo ancora lontani da quel capolavoro di finezza che è "In the Mood for Love", qui tutto è eccessivo, come i sentimenti dei protagonisti.
Fotografia molto vicina ai personaggi, ad incrementare il senso di oppressione generale.

Voto: 2,5/5

James Whale

2011-09-11T13:20:00.000+02:00

Journey's End (1930)
Gli angeli dell'inferno (Hell's Angels) (1930) (non accreditato)
La donna che non si deve amare (Waterloo Bridge) (1931)
Frankenstein (Frankenstein) (1931) - 3,5/5
The Impatient Maiden (1932)
Il castello maledetto (The Old Dark House) (1932)
Il bacio davanti allo specchio (The Kiss Before the Mirror) (1933)
L'uomo invisibile (The invisible man) (1933)
A lume di candela (By Candlelight) (1933)
One More River (1934)
La moglie di Frankenstein (Bride of Frankenstein) (1935) - 4,5/5
Una notte d'oblio (Remember Last Night?) (1935)
La canzone di Magnolia (Show Boat) (1936)
The Road Back (1937)
L'ultima beffa di Don Giovanni (The Great Garrick) (1937)
L'isola del paradiso (Sinners in Paradise) (1938)
L'inesorabile (Wives under suspicion)(1938)
Port of Seven Seas (1938)
La maschera di ferro (The Man in the Iron Mask) (1939)
Inferno verde (Green Hell) (1940)
Otto giorni di vita (They Dare Not Love) (1941)
Personnel Placement in the Army (1942)
Hello Out There (1950)

Whale (1889-1957), inglese, è noto principalmente e per i suoi horror gotici, in particolare il dittico su Frankenstein.
Si è suicidato annegandosi in piscina.

-Frankenstein
di James Whale - USA 1931 - horror - 68min.

In un paesino delle Alpi svizzere il dottor Henry Frankenstein, figlio di un nobile conte e promesso sposo alla bella Elizabeth, crea un essere mostruoso assemblando pezzi di cadaveri e donandogli la vita con sofisticate apparecchiature che convogliano l'energia dei fulmini. La creatura potrebbe essere pericolosa perchè il suo cervello apparteneva ad un criminale. All'inizio tuttavia si dimostra mansueta e addomesticabile, quasi estranea a bene e male. Maltrattato, si ribellerà e fuggirà dal laboratorio dello scienziato, seminando panico nel paese. Si rifugerà in un mulino cui la popolazione darà fuoco.

Non ci sono paragoni con l'altro mostro sacro dell'horror uscito nello stesso anno ( Dracula ), questo film è molto più maturo anche tecnicamente: il modo in cui Whale muove la macchina da presa è moderno e anomalo per l'epoca, quando l'inquadratura era ancora spesso fissa, e le imponenti e gotiche scenografie (benchè il fondale sia riconoscibilmente dipinto) dettano lo standard di decenni di horror a venire: il tipico "laboratorio dello scienziato" non cambierà poi molto nel corso di anni e anni di horror di sci-fi. Per non parlare del trucco: il mostro è molto più credibile di tante altre creature che compariranno in seguito sullo schermo, e Boris Karloff lo interpreta conferendogli una personalità, pur senza parlare. Forse è anche il primo horror in cui si tende a parteggiare più per il mostro che per gli uomini, di cui Whale mette in luce i lati più negativi. Tante le sequenze memorabili: la genesi del mostro, il celebre incontro tra il mostro e la bambina, l'incendio finale. Geniale inoltre l'idea di contrassegnare l'attore che interpreta il mostro con un "?" nei titoli di testa, per poi svelarlo nel finale.
Seguito da La moglie di Frankenstein

Voto: 3,5/5

-La moglie di Frankenstein
(The Bride of Frankenstein) di James Whale - USA 1934 - horror - 71min.

Lord Byron, Percy Shelley e Mary Shelley stanno discutendo del romanzo della donna, ovvero il celebre "Frankenstein o il Prometeo moderno", ripercorrendone la vicenda (mentre noi vediamo spezzoni del film precedente). In seguito i due chiedono alla Shelley di provare ad immaginarsi un seguito, e lei inizia a raccontare: il mostro non è morto nell'incendio del mulino, e continua a girovagare per i boschi attorno al paese. Ormai non ha più alcuna fiducia negli uomini e cova odio e rancore. Anche i brevi momenti di felicità (l'incontro con il contadino cieco che suona il violino e lo accoglie in casa sua, insegnandogli a parlare) sono destinati a concludersi bruscamente. Intanto il dottor Henry Frankenstein è avvicinato da un suo vecchio insegnante, il dottor Pretorius, anch'egli riuscito a ricreare la vita, ma non ancora con risultati del tutto soddisfacenti. Vuole la collaborazione di Frankenstein per creare una versione femminile del mostro, dando così vita ad una nuova razza.

Questo film è uno dei più bei sequel della storia del cinema. Superiore in tutto all'originale, vanta degli effetti speciali assolutamente incredibili per l'epoca, efficacissimi ancora oggi. La trovata geniale del prologo sottoforma di racconto è perfetta per introdurre la vicenda, ed ancora una volta si occulta l'identità dell'interprete della creatura (in questo caso della "mostra"), la cui nascita contiene un evidente richiamo a "La Mummia" uscito due anni prima (e per altro interpretato da Karloff). la storia è ancora più intrigante e avvincente del primo episodio (anche perchè meno scontata), e l'aggiunta di un pizzico di humor la rende ancor più godibile. Per non parlare dell'elemento religioso: l'immagine memorabile del mostro "crocifisso" dagli ottusi villici e il tentativo dei due scienziati di plasmare la vita sostituendosi a Dio costituiscono un monito alla smodata ambizione umana.
Grazie al sapiente lavoro di montaggio ed ai movimenti fluidi della telecamera, Whale conferisce ancora più ritmo e pathos rispetto alla pellicola precedente, e l'ottimo cast fa il resto. Peccato solo per il finale, un pò troppo sbrigativo. Per il resto è perfetto.

Voto: 4,5/5

Paul Weitz

2011-09-11T13:15:00.000+02:00

American Pie (1999) - 2,5/5
Ritorno dal paradiso (Down to Earth) (2001)
About a Boy - Un ragazzo (About a Boy) (2002)
In Good Company (2004)
American Dreamz (2006)
Aiuto vampiro (Cirque du Freak: The Vampire's Assistant) (2009)
Vi presento i nostri (Little Fockers) (2010)

Il principale merito di Weitz (1965), americano, è aver diretto il primo film della saga di American Pie.

-American Pie - Il primo assaggio non si scorda mai

di Paul Weitz - USA 1999 - commedia - 97min.

Gruppo di studenti di college alle prese con turbe ormonali. Gag e imprevisti a iosa e un finale che loda i buoni sentimenti.

Non c'è molto altro da dire su questo film divertente e furbetto, che non ha altro scopo che solleticare i pruriti dei tredici-quattordicenni e divertire alla buona con qualche bella pensata.

Voto: 2,5/5

John Waters

2011-09-11T13:12:00.000+02:00

Hag in a Black Leather Jacket (8 mm) 1964
Roman Candles (8 mm) 1966
Eat Your Makeup (16mm) 1968
Mondo Trasho (16mm) 1969
The Diane Linkletter Story (16mm) 1969
Molteplici maniaci (Multiple Maniacs) (16mm) 1970
Fenicotteri rosa (Pink Flamingos) (16 & 35 mm) 1972 - 2,5/5
Agitazione femminile (Female Trouble) (16 & 35 mm) 1974
Nuovo punk story (Desperate Living) (16 & 35 mm) 1977
Polyester (35 mm) 1981
Grasso è bello (Hairspray) (35 mm) 1988
Cry Baby (35 mm) 1990
La signora ammazzatutti (Serial Mom) (35 mm) 1994
Pecker (35 mm) 1998
A morte Hollywood (Cecil B. Demented) (35mm) 2000
A Dirty Shame (35mm) 2004

Waters (1946), americano, è noto per i suoi demenziali ed irriverenti film underground, specie per le sue collaborazioni con il travestito Divine.

-Fenicotteri rosa
(Pink Flamingos) di John Waters - USA 1972 - grottesco - 96min.

La lotta tra due "famiglie" americane per accaparrarsi il titolo di "più schifosi del mondo": da una parte una coppia che rapisce giovani donne, le fa ingravidare da uno schiavo decerebrato e rivende i figli a coppie di lesbiche; dall'altra una famiglia disfunzionale composta dall'enorme Babs Johnson (Divine), pluriomicida psicopatica, sua madre (una vecchia cicciona che vive in un recinto per neonati ed è ossessionata dalle uova), suo figlio, sorta di hippie zoofilo ed una compagna di viaggio guardona. Fra feste di dubbia moralità e banchetti antropofagi, la risposta di Babs, attuale detentrice del titolo, non si fa attendere.

Uno dei più noti esempi di cinema underground indipendente da ogni logica di ricavi finanziari e buon gusto. Waters gira in modo molto amatoriale mettendo alla berlina la cultura dei figli dei fiori e la liberazione sessuale, il femminismo e tutte le correnti "liberatorie" del decennio precedente in un mix di volgarità verbali ed oscenità sessuali mostrate con gioioso puntiglio. Grottesco campionario di nefandezze, sembra il tentativo di una mente depravata di mettere in scena tutte le sue pulsioni più proibite. L'operazione è però condotta con aria scanzonata e divertita, compiaciuta del sicuro impatto che la visione della pellicola avrà sul pubblico impreparato. L'abnorme travestito Divine è diventato l'icona indimenticabile del film, ormai assurto a cult. Come recita il teaser trailer dell'epoca: "An exercise in bad taste".
Per i non bigotti, il divertimento è assicurato.

voto: 2,5/5

Tommy Lee Wallace

2011-09-11T13:09:00.000+02:00

Halloween III: il signore della notte (1982)
Ai confini della realtà - serie TV - episodio Wordplay/Dreams for sale/Chameleon, Little boy lost/Wish bank/Nightcrawlers, The leprechaun-artist/Dead run (1985-86)
Max Headroom - serie TV (1987)
Vietnam addio - serie TV (1987)
Ammazzavampiri 2 (1988)
Baywatch - serie TV - episodio Cruise ship (1989)
It - film TV (1990) - 2,5/5
Il segreto del mare - film TV (1991)
The comrades of summer - film TV (1992)
The presence - film TV (1992)
Witness to the execution - film TV (1994)
Green Dolphin Beat - film TV (1994)
Flipper - serie TV (1995)
Born free: a new adventure - film TV (1996)
Once you meet a stranger - film TV (1996)
Steel chariots - film TV (1997)
The spree - film TV (1998)
Final justice - film TV (1998)
Il cacciatore delle tenebre (2002)

Wallace (1949), americano, è specializzato in horror. Ha realizzato la maggior parte dei suoi film per la TV, anche se da noi è noto proprio per uno di questi, It, che è uscito anche al cinema.

-It
di Tommy Lee Wallace - USA 1990 - horror - 180min.

Film per la tv trasmesso in due puntate da 90 minuti a testa, disponibile in dvd. Fra i vari film realizzati a partire dai libri di Stephen King questo è uno dei più riusciti che abbia visto. Sebbene i pochi mezzi a disposizione, specialmente per quanto riguarda la dimensione degli effetti speciali, rendano la pellicola vistosamente datata in alcune parti (il finale soprattutto), il film è godibile, e piacerebbe soprattutto ai bambini appassionati di storie spaventose (infatti a me era piaciuto tantissimo quando lo vidi per la prima volta anni fa). Per essere un film tv inoltre è molto curato e ben recitato.

Derry, New England. Un essere abominevole vive nel sistema fognario della cittadina e, manifestandosi sottoforma del clown Pennywise (Tim Curry), uccide i bambini del luogo. Un gruppo di sette ragazzini, tutti con almeno una discriminante che li renda soggetti alle angherie dei bulli (un balbuziente, un negro, un ciccione, un occhialuto, un asmatico, un boyscout, una ragazzina povera) si unisce per contrastarlo. 30 anni dopo ognuno ha la sua vita e si sono persi di vista, ma gli omicidi misteriosi ricominciano. Ai "Sette Perdenti" non resta che riunirsi per riaffrontare e sconfiggere definitivamente il malefico pagliaccio.

La prima metà del film (la migliore) descrive uno per uno i sette protagonisti e l'amicizia che li lega, e si sofferma sulla descrizione del mondo dell'infanzia nel suo aspetto di fantasia (che permette di vedere cose che gli adulti non vedono) e di realtà (la solidarietà e l'amicizia sincera sconfiggono ogni male). La seconda parte è più canonica e chiude il racconto su un tono prettamente orrorifico e con un semi-happy ending. Come ho detto, pur essendo un horror è un film "per bambini", che nei piccoli protagonisti possono riconoscere sè stessi e tutte quelle emozioni (verissime e purissime) che si vivono nell'infanzia. Per tutti gli altri potrà forse apparire un pò prolisso e scontato, ma il personaggio del clown è unico e irresistibile.

Voto: 2,5/5

Andy & Larry Wachowski

2011-09-11T13:07:00.000+02:00

Bound - Torbido inganno (1996)
Matrix (1999) - 3,5/5
Matrix Reloaded (2003) - 2/5
Matrix Revolutions (2003) - 2,5/5
Speed Racer (2008)

I fratelli Wachowski (Larry 1965; Andy 1967), americani, sono noti principalmente per aver creato la saga multimediale di The Matrix, primo esempio di compiuta transmedialità di un prodotto audiovisivo.
Giocattolone avveniristico per tutte le età, Matrix è stato un grande successo cinematografico, specialmente il primo episodio. Si tratta di un miscuglio di SF e film di arti marziali, con qualche elemento (nella prima pellicola soprattutto) del thriller di stampo orrorifico. Centinaia gli effetti speciali e, di conseguenza, i milioni di dollari necessari per realizzare una saga che assomiglia ad un videogioco d'azione-sparatutto-picchiaduro in cui la componente violenta è bilanciata (ma a volte soffocata) da sequenze più o meno lunghe di solo dialogo pseudo-filosofico, tanto che alcuni l'anno definito capostipite di un nuovo sottogenere, l'intellectual action movie. seppur caratterizzata anche da diversi difetti, la saga di Matrix può risultare un piacevole diversivo se avete voglia di divertirvi; tuttavia alcuni passaggi un pò ostici della storia possono farla risultare a tratti difficilmente comprensibile.

-The Matrix
USA 1999 - fantascienza - 136 min.

Sicuramente il migliore della serie, tanto che in effetti questo film basta a sè stesso e non c'era quasi motivo (a parte fare soldi) per proseguire la serie con altri due episodi. Comunque in questo film facciamo la conoscenza di Neo, lavoratore in un'azienda di software di giorno e hacker di notte (o comunque quando non lavora, cioè abbastanza spesso), il quale, contattato dal leggendario morpheus, criminale informatico di fama mondiale, apprende una terribile verità: le macchine hanno ormai preso possesso del mondo e sottomesso il genere umano; per poter utilizzare l'energia prodotta dalle persone come risorsa energetica, sono stati creati "campi di coltivazione" di esseri umani, i quali vivono in stato vegetativo immersi in vasche e tenuti in vita dandogli come cibo morti liquefatti per via endovenosa, e la cui mente è prigioniera di una "neurosimulazione interattiva" detta, appunto, Matrix. In pratica le menti umane sono prigioniere di un programma che illude le persone di vivere in un mondo normale, il nostro mondo appunto. Pochissimi umani vivono liberi nell'ultima città rimasta al mondo, Zion, situata vicino al centro della terra, e resistono disperatamente alle macchine, scollegando da Matrix il maggior numero di persone possibile, e per fare questo si introducono in Matrix attraverso canali d'accesso pirata e contattano le persone che più possono servire alla causa, spiegando loro tutta la verità ma lasciandoli poi liberi di scegliere se accettare di essere svegliati o continuare a vivere in questo mondo fittizio.
Ovviamente Neo, sebbene inizialmente reticente, accetterà di unirsi alla resistenza e, fra gli altri problemi, dovrà vedersela coi terribili "agenti", programmi di matrix che hanno il compito di "eliminare i problemi". Sarà vera la profezia dell'Oracolo, altro programma alleatosi con gli umani perchè interessato al raggiungimento della pace, secondo cui Neo sarebbe L'eletto, colui che è destinato a far cessare la guerra fra uomini e macchine?
Fantasmagorico, apocalittico, grandioso e divertentissimo, il primo epsodio di Matrix ha catturato un pubblico numerosissimo grazie all'originalità della trama e a sequenze d'azione mozzafiato, che mischiano sparatorie ad arti marziali (scene fortemente influenzate dal cinema di Hong Kong, basti vedere qualche film del John Woo primo periodo). Il film è una scarica di adrenalina che non annoia per tutta la sua durata; inoltre presenta anche un'interessante riflessione: in fin dei conti è proprio l'uomo, travolto dalle sue ambizioni, ad essere causa della propria distruzione.

Voto: 3,5/5

-The Matrix Reloaded
USA 2003 - fantascienza - 138 min.

Punto basso del trittico. Volendo fare una trilogia per sfruttare il grande successo del primo film, ma non avendo tante idee per due seguiti, i registi ( i fratelli Wachowsky) realizzano un film dove NON SUCCEDE NIENTE PER DUE ORE, ed alternano semplicemente lunghissime sequenze di combattimento, estenuanti nella loro ossessiva ricerca di spettacolarità, a dialoghi deliranti fra uomini e programmi computerizzati in cui si parla di destino, pace e guerra, bene e male con inutli e a volte incomprensibili metafore e divagazioni che poco hanno a che fare con lo spirito della serie e quasi niente con il genere cui appartiene il film. Scontenta i patiti d'azione e annoia anche i più assetati di filosofia. La trama si aggroviglia inutilmente arrivando alla fine del film senza nessun sostanziale cambiamento rispetto alla situazione in cui si era concluso il primo; in altre parole, questo secondo episodio si potrebbe benissimo non vedere e passare subito al terzo, di cui si riuscirebbe a capire tranquillamente il 90-95% della storia. Salvati solo i belli effetti speciali.

Voto: 2/5

-The Matrix Revolutions
USA 2003 - fantascienza - 129 min.

L'ultimo episodio riacquista (in parte) il fascino del primo, andando a chiudere la serie dignitosamente e non con il classico lieto fine che ci si aspetterebbe; tutta la seconda parte, incentrata da una parte sull'assedio di Zion da parte dell'esercito delle macchine e dall'altro sul combattimento finale tra Neo e il perfido agente Smith, che dilagando come un virus minaccia di prendere il pieno possesso di Matrix contro le intenzioni delle stesse macchine, le quali promettono a Neo la pace se riuscirà a sconfiggerlo, è veramente ben realizzata e coinvolgente. Malgrado non tutti i personaggi siano riusciti, e questo faccia sì che il pubblico non ne sia del tutto conquistato (il personaggio di Niobe ad esempio è del tutto inutile, e lei è anche antipatica), il film riesce comunque a coinvolgere lo spettatore anche emotivamente. Sdolcinatezze e tempi morti a parte, è un film godibile, imperdibile per i fan della serie. In ogni caso, però, l'unico che valga davvero il prezzo del biglietto è il primo episodio della trilogia.

Voto: 2,5/5

Svyatoslav Ushakov

2011-09-11T13:02:00.000+02:00

1992 — Мамонт (режиссёр)
1997 — Раньше я жил у моря (автор сценария, режиссёр, художник-постановщик)
1998 — Короткие ноги (автор сценария, режиссёр)
2002 — Апельсин («Orange»)
2002 — Циклоп («CYCLOPS»)
2007 — Два итальянца
2010 - Space Dogs 3D (Белка и Стрелка. Звёздные собаки)
2011 — Анимационный сериал "Куми-Куми"

Ushakov (1967), russo, è un regista d'animazione.

--Space Dogs 3D
(Belka i Strelka. Zvezdnye sobaki) di Inna Evlannikova, Svyatoslav Ushakov - Russia 2010 - animazione - 85min.

Realizzato in occasione del cinquantesimo anniversario del volo spaziale delle due cagnette Belka e Strelka, protagoniste del primo lancio spaziale operato dall'URSS conclusosi con un riuscito ritorno degli animali sulla Terra, è il primo film di animazione in 3D girato in Russia, dove ha raggiunto i migliori incassi della scorsa stagione. Per commemorare l'impresa canina (alla loro morte le cagnette sono state impagliate e venerate come eroi nazionali) è stato realizzato questo simpatico film di sapore disneyano, con una forte umanizzazione dei personaggi animali (di cui vengono romanzate le origini e le vicende; in fondo nella realtà erano solo due bastardine!).

Mosca. Sul finire dell'anno 1950, per le strade di Mosca si aggira un inquietante furgoncino nero che fa incetta di cani randagi. Gli animali tentano di fuggire, ma di quelli che vengono presi nessuno conosce le sorti. due cagnette, una randagia di nome Strelka ed una star del circo di nome Belka, assieme ad un topolino loro amico, stanno per vivere l'esperienza in prima persona. Cadute nella rete dell'accalappiacani, vengono condotte in una base militare, dove viene loro rivelata un'incredibile verità: sono candidate a diventare protagoniste di un'importante missione spaziale.

Il film procede sempre a passo spedito, forse troppo, accumulando inseguimenti frenetici, dialoghi molto veloci, azione spiccia; sacrificando molto allo sviluppo della vicenda, si è un po' ridotta all'osso la caratterizzazione di molti personaggi, che purtroppo non risultano particolarmente incisivi e simpatici; vero è che la Russia non ha certo una tradizione nel campo dell'animazione paragonabile a quella della Disney/Pixar, e questo indubbiamente si nota. Se graficamente la modellazione poligonale e la colorazione vivace (anche se come al solito un po' opacizzata dal 3D) non ha sbavature, i registi non hanno trovato quella perfezione drammaturgica di molta controparte americana che rende coinvolgente e divertente la visione di un film d'animazione.

Pur visivamente perfetto (bisogna dire comunque che il 3D, ben implementato, non aggiunte niente alla pellicola se non un po' di spettacolarità in più) il film non riesce insomma ad avvincere, la sequenza nello spazio è decisamente troppo breve, alcuni elementi sono palesi prestiti da altri film (la gag dell'uccelino che cerca di mangiarsi il formaggio senza riuscirci e una scopiazzatura dello scoiattolo de L'Era Glaciale, Strelka che cerca suo padre guardando le stelle rimanda al Simba de Il Re Leone e così via...) con conseguente mancanza di originalità. Insomma una prova riuscita a metà per la Russia, destinata, come per la corsa allo spazio, a restare seconda.

voto: 2/5

Shinya Tsukamoto

2011-09-11T12:55:00.000+02:00

Genshi San Tsubasa (cortometraggio), 1974
Jigokusho Shoben Geshuku Nite Tondayo (cortometraggio), 1979
The phantom of Regular Size (cortometraggio, 1986)
Le avventure del ragazzo del palo elettrico (Denchu Kozo no Boken) (mediometraggio, 1987) - 2/5
Tetsuo (1989) - 3,5/5
Hiruko the Goblin (Yokai hanta - Hiruko, 1990)
Tetsuo II: Body Hammer (1992) - 2,5/5
Tokyo Fist (1995)
Bullet Ballet (1998)
Gemini (Sōseiji, 1999)
A Snake of June (Rokugatsu no hebi, 2002)
Vital (2004) - 3/5
Haze (mediometraggio, 2005)
Nightmare Detective (2006) - 2,5/5
Nightmare Detective II (2008)
Tetsuo: The Bullet Man (2009)

Tsukamoto Shinya è, insieme a Kitano e Miike, uno di più noti ed originali registi del cinema giapponese contemporaneo. Tsukamoto è forse il primo tra questi ad essersi conquistato una fama tra gli amanti del cinema underground al di fuori del suo paese grazie all'opera cyberpunk Tetsuo-the iron man (1988), riprendendo ed esasperando al limite della sopportazione visiva i concetti già espressi da Cronenberg in Videodrome (1983), ed in parte ripresi sempre da Cronenberg in Crash(1996). Il bianco e nero sgranato, il montaggio convulso, la musica martellante, l'umorismo macabro e la scarsità di budget furono elementi che contribuirono a renderlo un piccolo cult per gli appasionati di visioni al di fuori della norma. Qualche anno dopo Tsukamoto ne girò il seguito (che proprio seguito non è) Tetsuo II-body hammer (1992). Pochi al di fuori del Giappone hanno però avuto l'occasione di visionare un mediometraggio (fra le prime pellicole professionali del regista) girato con lo stesso stile, che anticipa più o meno i temi di Tetsuo e che quindi merita di essere qui inserito, L'avventura del ragazzo del palo elettrico (Denchu Kozo no boken, 1987), recentemente presentato in italia in uno splendido cofanetto della rarovideo che raccoglie anche i due film successivi.
Col film A Snake of June conquista definitivamente fama internazionale.

- L'avventura del ragazzo del palo elettrico - (Denchu Kozo no Boken) -Giappone 1987 - fantastico (fantascienza) - 47 min.

Nel giappone moderno, uno studente che ha sulla schiena un grande palo elettrico è innamorato di una studentessa. Un giorno, mentre si ferma a parlare con lei è proiettato nel futuro da una macchina del tempo. In questo futuro un gruppo di vampiri domina ormai il mondo avendo oscurato la luce solare con un fumo prodotto da dei loro marchingegni. I vampiri stanno ora elaborando una nuova macchina che garantirà l'oscuramento perenne del cielo, ma dovranno vedersela col prescelto ragazzo del palo elettrico, l'unico in grado di riportare la luce su un mondo di tenebre....
Questo mediometraggio di una quarantina di minuti contiene già alcuni tipici elementi dei successivi Tetsuo: bianco e nero, rallentamenti e velocizzazioni, tecnica del passo uno (per maggiori info vedere qui: http://it.wikipedia.org/wiki/Stop-motion ) musica caotica (per non parlare della trama!), inquadrature intricatissime e angolazioni impossibili, almeno una donna seminuda. Tsukamoto realizza un film decisamente originale ed insolito, lontano dal mainstream ed anche dalla distribuzione vhs (in Giappone imperava l'OV-cinema, film realizzati appositamente per il mercato home-video), in effetti non riesco ad immaginare che Tsukamoto avesse girato questa pellicola con l'intenzione di destinarla ad un pubblico in particolare. Possiamo dire che gli sia servito come preparazione per Tetsuo, sicuramente più compiuto ed in generale più bello di questo singolare, ma in definitiva insulso film. La brevità della pellicola non premette infatti la costruzione di una storia elaborata (questo aspetto caratterizza anche Tetsuo, ma in quel caso le idee furono meglio sfruttate). Il film dà proprio l'idea di uno stravagante esercizio di regia riservato al regista e a pochi suoi amici. non so dirvi in che misura sia stato distribuito e quanto successo abbia fatto, sicuramente comunque non sarà stato notato da molti, visto che per il successivo il regista dovette pagare praticamente tutto di tasca sua! In definitiva è una pellicola interessante giusto per chi ama cose insolite o per i fan sfegatati di Tsukamoto, per il resto è un divertissement fine a sè stesso senza particolari note di merito. L'aspetto forse più interessante è la concentrazione del regista su di un soggetto singolo, emarginato e su cui grava un pesante fardello, idea ripresa anche in Tetsuo, ed in generale la rappresentazione di una società fredda e insensibile.
Voto: 2/5

-Tetsuo - the iron man, Giappone 1988 - fantascienza/thriller/horror - 67 min.

Questo film è il compimento del percorso iniziato col precedente mediometraggio. Racconta la storia di un qualunque impiegato della tetra e mostruosa società giapponese odierna che, dopo essere stato investito da una macchina, inizia piano piano a trasformarsi in un essere metallico, con sommo orrore di lui medesimo e della sua compagna. Dovrà scontrarsi con un altro iron man (lo stesso Tsukamoto) cattivo, con cui finirà per fondersi in una repellente biomacchina che correrà all'assalto della società che lo ha prodotto.
Più che Miike Takashi, Tsukamoto ricorda molto Cronenberg, se non nello stile, quantomeno nelle tematiche: la perdita di identità (M.Butterfly, Inseparabili, Spider) la fusione uomo macchina in cui è il primo a diventare dipendente dalla seconda e ad essere al servizio di questa (Crash, Videodrome) e, ovviamente, la mutazione (Il pasto nudo e soprattutto La mosca, che ha più di un'analogia con questo film e col suo seguito).se però Cronenberg descrive la mutazione in modo lento ed inesorabile, con pellicole tetre e di stampo horror, Tsukamoto fa l'opposto realizzando film brevi (Tetsuo dura poco più di 60 minuti), con montaggio frenetico, musica elettronico-industriale a palla e sequenze velocizzate, oltre ad un pizzico di humor assai macabro come il pene-trivella di Tetsuo che trapana la compagna durante un'amplesso. Tetsuo è l'uomo moderno che non è più solo uomo, sta mutando, ma non per questo evolvendo, in un cyborg programmato per annientare ogni cosa, primi tra tutti gli esseri umani, specie primitiva che è causa dell'abominio uomo-macchina, iron man pieno di collera e incontrollabile. Diretto, montato, fotografato e interpretato dal suo regista, Tetsuo è un film estremo, inusuale, mutante ed alieno che può disgustare o avvincere. Sicuramente colpisce.
Comparto audio di prim'ordine.
Voto: 3,5/5

-Tetsuo II - Body Hammer, Giappone 1992 - fantascienza/thriller.

Si introduce il colore, i movimenti di macchina si fanno meno convulsi, la trama più elaborata. Una versione di Tetsuo più "commerciale"? In realtà, anche se ripetere giova, Tsukamoto ha intelligentemente evitato di riproporre lo stesso identico film con questo secondo; riprendendo invece ancora una volta uno dei migliori Cronenberg (Brood - la covata malefica, 1979), trasforma l'idea dell'incarnazione delle nostre pulsioni negative in esseri deformi, dell' incarnazione delle nostre rabbie e paure in schifose armi metalliche che scaturiscono dal corpo e permettono ad un gruppo di cavie, agli ordini dello scienziato pazzo di turno, di sfogare così i propri isitinti omicidi. Quando il doc sperimenta, senza saperlo, sul fratello di quello che è il più forte dei suoi cyborg, innescherà una reazione a catena che porterà morte e distruzione, a cominciare dalla sua. Film più articolato e anche per questo più accessibile del precedente, Tetsuo II rimane comunque un prodotto underground, e continua il discorso iniziato coi film precedenti. Se nel Palo elettrico l'anomalia (che non era ancora una vera mutazione) poteva essere la scintilla in grado di rivoluzionare il nostro futuro dandogli una speranza, ed in Tetsuo si analizzava invece l'annichilimento dell'uomo moderno trasformato in pericolo mortale per l'umanità intera, in Body hammer l'uomo-macchina, oltre ad essere la naturale conseguenza del nostro tipo di soicetà e non più un'isolata anomalia, sebbene potenzialmente pericoloso, può essere addomesticato e ridotto a puro ingranaggio di quel mondo di vetro e cemento che sono i grattacieli di Tokyo (stupendamente ripresi all'inizio del film), grazie all'amore. Finita la carneficina, il mostro biomeccanico chiede alla sua compagna di eliminarlo ma lei per amore non lo fa. I due, grottesca versione moderna de la Bella e la Bestia, si aggirano tristi e spaesati per le vie di una megalopoli in cui ci sono più edifici che esseri umani: un mondo del metallo in cui vivere, per un uomo-macchina, non è impossibile. triste, desolante, ingiusto, opprimente, ma non impossibile. Da notare infatti come in questo film non sia la società la causa della mutazione, ma un unico soggetto folle (anzi due), mentre la società, pur fredda e distante, continua per la sua strada. Dalla rabbia siamo passati all'indifferenza, la totale apatia. Difficile giudicare cosa sia peggio.
Concludendo il film non è all'altezza del predecessore, anche se contiene buone idee e ha il pregio di non ripetersi eccessivamente pur presentando una situazione a tratti troppo simile alla pellicola precedente.
Voto: 2,5/5

-Vital
Giappone 2004 - drammatico - 85min.

Hiroshi Takagi (Tadanobu Asano) perde fidanzata e memoria a seguito di un incidente automobilistico. Ripresosi, ricomincia a frequentare i corsi di medicina all'università. Al corso di dissezione gli viene assegnato proprio il cadavere della sua ragazza, Ryoko Ohyama (Nami Tsukamoto), che poco prima di morire espresse il suo desiderio di donare il corpo alla scienza. Hiroshi è in gruppo di studio di cui fa parte anche Ikumi Yoshimoto (Kiki), depressa cronica con tendenze autolesioniste che si innamora di lui. Hiroshi però non può contraccambiare, convinto che il legame con Ryoko non si sia del tutto interrotto nemmeno con la morte della ragazza, che gli appare continuamente in sogno.

Film sull'elaborazione del lutto ambientato in un luogo in cui si è giornalmente a contatto con la morte (ma chi non lo è, in fondo?), è un film originale nella trattazione dei temi dell'attaccamento ai defunti e dei rapporti famigliari, girato in modo ellittico con frequenti parentesi oniriche, i cui colori vivi e luminosi contrastano con la cupezza grigio-bluastra della realtà: meglio morire che vivere? In realtà Hiroshi si trova in una specie di limbo, è come un'anima senza identità che deve sforzarsi di rinascere, di tornare a vivere ed apprezzare la vita. Il finale si chiude nella speranza, il che è insolito per il nichilismo giapponese ma non per Tsukamoto, nei cui tristi e desolati film si intravede sempre un filo di luce alla fine del tunnel.
Fotografia ricercata. Colonna sonora anonima. Gli attori sono bravi (per quel poco che devono dire) e Tadanobu Asano con i capelli lunghi (quasi icona christi) fa effetto per chi l'ha visto in Ichi The Killer.
Un po' lento e criptico, può annoiare se non si è in vena.

Voto: 3/5

-Nightmare Detective
(Amuku Tantei) di Shinya Tsukamoto - Giappone 2006 - thiller/horror - 134min.

Un serial killer è in grado di introdursi nei sogni (vi ricorda qualcosa?) di aspiranti suicidi (ah, ecco l'originalità!) per dar loro una morte particolarmente cruenta. Si dà il caso che un giovane, il "detective" del titolo (fa molto Dylan Dog) sia in grado di entrare nei sogni delle persone, e viene contattato dalla polizia per dare una mano a risolvere il caso. Lui non ne vuol sapere, ma visto che così il film non andrebbe avanti, dopo un pò accetta l'incarico.

Questo film, che non ha dalla sua originalità, brevità e leggerezza, se la cava ugualmente con un paio di personaggi ben tratteggiati (ben fatto soprattutto il cattivo, interpretato dallo stesso Tsukamoto), e scene oniriche molto ben costruite ed inquietanti; andandoci piano con lo splatter e girando tutto in digitale (probabilmente per il budget ridotto) il regista nipponico crea suspence con movimenti frenetici della videocamera, che normalmente indurrebbero solo una gran nausea. Desolazione e depressione ai massimi livelli, topoi del j-horror e del cinema di Tsukamoto.
Nulla di speciale però, per un prodotto consigliabile più che altro ai fan del regista.
Sottotitolato e distribuito in Italia dallo Rarovideo.

Voto: 2,5/5

Ming-Liang Tsai

2011-09-11T12:49:00.005+02:00

All the Corners of the World (1989) (TV)
Xiao hai (1991) - mediometraggio
Rebels of Neon God (Qing shao nian nuo zha) (1992)
Vive L'Amour (Ai qing wan sui) (1994)
Wo xin renshi de pengyou (1995) (TV) - mediometraggio
Il fiume (He liu) (1997) - 3/5
The Hole - Il buco (Dong) (1998)
Che ora è laggiù? (Ni na bian ji dian) (2001)
Tian qiao bu jian le (2002) - cortometraggio
Goodbye Dragon Inn (Bu san) (2003) - 4/5
Il gusto dell'anguria (Tian bian yi duo yun) (2005)
Hei yan quan (2006)
Chacun son cinéma (2007) - episodio It's a Dream
Visage (2009)

Tsai (1957), malese, ha studiato a Taipei per poi iniziare la sua attività ad Hong Kong. I premi vinti dai suoi primi lungometraggi (premio per miglior film a Torino, Leone d'oro a Venezia, Orso d'argento a Berlino) lo portano subito all'attenzione internazionale. Contraddistinto dal caratteristico inserto di sketch musicali all'interno dei suoi film (prevalentemente lenti e silenziosi), Tsai filma spesso storie di disperata solitudine nell'estremo oriente contemporaneo. Se Chion lamenta il fatto che la traccia dialogica al cinema prevale sempre su quella musico-ambientale, i film di Tsai lo smentiscono: difficile vedere pellicole dai dialoghi più scarni di queste.

-Il fiume
(He Liu) di Ming-liang Tsai - Taiwan 1996 - drammatico - 112min.

A Taipei è ritratta una famiglia disfunzionale: madre e padre separati in casa, (lei con un amante, lui che ricorre a scappatelle in saune gay) figlio che vive in una condizione di vuoto sentimentale ed esistenziale, costretto a letto a seguito di una caduta dalla moto.

Ritratto di un malessere che colpisce l'odierno Oriente come l'odierno Occidente. Fotografia di un disagio, di un vivere galleggiando nell'incertezza e nell'apatia, nell'inerzia senza speranza in un futuro. Film sotto il segno dell'acqua, mette in scena persone che vivono senza obiettivi, corpi in balìa della corrente. Fedele al suo stile, Tsai predilige i tempi lenti, i silenzi, la telecamera fissa, il quotidiano, tutto ciò che normalmente al cinema si trascura: è un documentarista che riprende animali in gabbia. Adotta uno stile che può piacere o risultare tedioso: potrebbe essere percepito come un vezzo, ma è indubbiamente funzionale al discorso portato avanti dal regista taiwanese.
Da prendere o lasciare.

Voto: 3/5

-Goodbye Dragon Inn
Taiwan 2003 - sperimentale - 82min.

Fuori piove a dirotto. Dentro, anime erranti vagano qua e là persi in un sogno o in un ricordo; un ragazzo giapponese va in cerca di avventure omosessuali; una bigliettaia pulisce e riordina ed un proiezionista proietta per l'ultima volta il vecchio film (1967) Dragon Inn di King Hu. Il luogo? una sala cinematografica a Taipei sospesa dalla realtà, in procinto di chiudere i battenti.

Il titolo originale (bu san = indugiare, attardarsi) restituisce l'idea che il film vuol trasmettere: il respiro prima del balzo, il saluto prima del congedo. Da un certo tipo di cinema, da un certo tipo di vita. Il sesto lungometraggio di Tsai per il cinema è un intonaco che si sgretola, una manciata di sabbia che scivola via dal pugno chiuso. La sala è separata dalla città da una pioggia incessante, (l'acqua è un elemento importantissimo nella cinematografia del regista malese), costituendo un microcosmo autonomo che è un archivio della memoria filmica. In essa i vecchi attori interpreti del film che viene proiettato si aggirano persi nella ripetizione di sé stessi, nella propria auto-contemplazione, in uno dei più formidabili cortocircuiti metafisici mai messi in scena.

L'eleganza formale della camera fissa o appena appena mobile è complementare ad una fotografia tetra che immortala antri oscuri e umidi, corridoi lunghissimi e sporchi, cunicoli dalla conformazione labirintica che frammentano lo spazio diegetico in un labirinto in cui è impossibile orientarsi. Quanto sia in grado di esprimere Tsai senza ricorrere a dialoghi è proprietà sua esclusiva (le prime battute pronunciate in scena si odono oltre il quarantesimo minuto), talento innato di un autore unico, qui in forma smagliante. La solitudine, tema portante della sua poetica, qui è declinata non tanto rispetto agli uomini, quanto alla cinematografia di un certo tipo e di una certa epoca, che non si fa più così perché i tempi sono ormai cambiati, eppure era proprio quello il cinema cui il regista si era appassionato da bambino.

La nostalgia per un qualcosa di concluso ed irripetibile: di questo "parla" Goodbye, Dragon Inn, esperimento d'avanguardia che non manca di momenti umoristici (umorismo silenzioso) né di colpi di genio registico (usare come colonna sonora del film la musica intra-diegetica della pellicola proiettata in sala).
Con tutti i pregi (ed i difetti: di ritmo in primis) del modus operandi di Tsai Ming-Liang, questo film è semplicemente imperdibile per qualunque appassionato della settima arte e di weird-seekers, mentre costituisce una visione probabilmente troppo ostica per chiunque altro.

Voto:4/5

Lars von Trier

2011-09-10T21:50:00.003+02:00

Il giardiniere delle orchidee (Orchidégartneren) (1977) - Cortometraggio
Menthe - la ragazza felice (Mynthe - Der lyksalige) (1979) - Cortometraggio
Nocturne (1980) - Cortometraggio
L'ultimo particolare (Den sidste detalje) (1981) - Cortometraggio
Immagini di una liberazione (Befrielsesbilleder) (1982) - Cortometraggio
L'elemento del crimine (Forbrydelsens element) (1984) - 3/5
Epidemic (1988) - 3/5
Medea (1988)
Europa (1991)
The Kingdom - Il Regno (Riget) (1994) & The Kingdom 2 (Riget 2) (1997) - 4,5/5
Le onde del destino (Breaking the Waves) (1996) - 4/5
Idioti (Dogme#2: Idioterne) (1998)
Dancer in the Dark (2000) - 3/5
Dogville (2003)
Le cinque variazioni (De fem benspænd) (2003)
Manderlay (2005)
Il grande capo (Direktøren for det hele) (2006)
Occupation (2007) - Cortometraggio
Antichrist (2009) - 5/5
Melancholia (2011) - 4/5

Trier (1956), danese, è uno dei più importanti registi contemporanei. Dopo i primi film di stampo sperimentale, realizza la serie tv The Kingdom (anche distribuita all'estero in una riduzione cinematografica), una delle vette assolute della produzione audiovisiva di ogni tempo. Da quel momento dirige una sequela di interessantissimi film, fra cui spicca il capolavoro Le onde del destino. nel 1995 stila con altri registi danesi il Dogma 95, protocollo di realizzazione di film ipperrealistici (in totale circa una quarantina di pellicole dirette da svariati autori). Nel 2009 dirige quello che è probabilmente il suo miglior film, Antichrist, una delle pellicole più importanti degli ultimi 50 anni di cinema.

-L'elemento del crimine
(Forbrydelsens element) - di Lars von Trier - Danimarca 1984 - thriller - 104 min.

nel lontano 1984, il giovane regista danese Lars von Trier (il "von" è aggiunto dal regista stesso) presentava il suo primo lungometraggio, dopo aver realizzato già alcuni corti. Il film non fu visto da molti (in effetti solo ora è arrivato in Italia, in dvd pubblicato dalla Rarovideo, che si occupa di ripescare dal dimenticatoio film del panorama underground o che comunque non hanno avuto grande distribuzione), anche perchè il suo taglio fortemente sperimentale non ne fa certo una pellicola adatta ad un pubblico mainstream. Il film è un noir classico nella trama: un investigatore è richiamato in Europa (non si sa bene dove, e da dove sia rikiamato) per occuparsi di un caso, un serial killer di bambine che vendono biglietti della lotteria. Per scoprirlo, l'investigatore si rifà agli insgnamenti del suo mentore, un investigatore in pensione divenuto scrittore, che nel suo romanzo "l'elemento del crimine" esponeva il suo metodo di indagine: immedesimarsi in tutto e per tutto nell'assassino, ragionare come lui, fare quello che potrebbe aver fatto lui, eccetera. All'inizio il metodo sembra funzionare, ma man mano che procede nell'indagine, sarà sempre più difficile distinguere la realtà dalla finzione, e capire chi sia chi...
Il film è (ben poco) illuminato interamente con lampade al sodio, che conferiscono all'immagine delle tonalità che variano dal giallo all'ocra, all'ambra all'arancione-marroncino, comunque sempre piuttosto cupo. Le immagini sono spesso sgranate e la telecamera indugia sempre su alcuni particolari della scena piuttosto che su tutta, in modo da limitare il campo visivo e lasciare molto spesso gli attori fuori campo, così che ne possiamo cogliere solo i dialoghi. La quasi totale mancanza di musica rende il tutto più angosciante e misterioso.
Un film del genere ha evidentemente dei limiti, eppure funziona come meccanismo narrativo ed è suggestivo a livello visivo-sonoro; tralasciando la musica infatti Trier si concentra sui rumori di scena, cigolii, vetri, vento, e specialmente acqua.
In definitiva non si può certo dire che sia un capolavoro, ma contiene già alcuni elementi interessanti che saranno riutilizzati dal regista in molti ei suoi lavori successivi, in particolare nel successivo Epidemic.

Voto: 3/5

-Epidemic

di Lars von Trier - Danimarca 1987 - thriller (fantastico) - 106 min.

tre anni dopo l'elemento del crimine, Lars von Trier presentava nelle sale il suo secondo film, Epidemic. questo film ha alcuni punti in comune col precedente e alcune innovazioni. la storia presenta due trame parallele, una vera e una immaginaria. In quella vera, ambientata nel nostro mondo, Lars von Trier ed il suo amico Niels Vorsel (che nel film recitano interpretando loro stessi) sono alle prese con una nuova sceneggiatura, intitolata Il commissario e la puttana. sfortunatamente si verifica un errore nel computer e il file viene danneggiato irreversibilmente. Dovendo ricominciare tutto da capo e avendo solo 5 giorni di tempo per consegnare lo script al produttore, decidono di creare una nuova storia (Epidemic), riguardante appunto la diffusione di una terribile epidemia che da una città si diffonde pian piano in tutto il mondo; la storia immaginaria è, appunto, Epidemic, che vediamo svolgersi in alternanza rispetto al lavoro dei due sceneggiatori. La storia immaginaria (cioè quello che stanno scrivendo) è la seguente: in una città imprecisata in un'epoca non meglio definita (comunque nel 900) si diffonde un'epidemia che deriva dalla morte di gruppi di ratti che nascono attaccati per le code, e quindi muoiono per l'impossibilità di muoversi. Il governo non sa come affrontarla e sembra vacillare. Per questo la guardia medica della città forma un governo straordinario per affrontare la crisi; il medico epidemiologo però rifiuta il ministero che gli era affidato per cercare di uscire dalla città (unico luogo dove la malattia è tenuta sotto controllo) e trovare una cura. Nella campagna incontra un prete con cui sembra fare amicizia e insieme vagano alla ricerca di superstiti; la malattia, però sembra ormai inarrestabile...
La sceneggiatura di Epidemic si conclude così, o meglio noi non sappiamo cosa accada da qui in poi. I due sceneggiatori comunque, la ultimano e la portano dal produttore. Frattanto, però, pare che un'epidemia si stia realmente diffondendo anche nel mondo reale...

Altra piccola perla recuperata dalla Rarovideo (anche se in danese sottotitolata in italiano), Epidemic rappresenta sicuramente un salto in avanti nella produzione di Trier; intanto la trama e la costruzione della storia sono molto più originali, la recitazione è molto spontanea (a tratti sembra di assistere ad un reality) ed il finale ha una grande carica di pathos nel suo crescendo di orrore. Il film è interamente girato in bianco e nero tranne per la scritta EPIDEMIC che, comparendo a inizio film nell'angolo in alto a sinistra dello schermo, rimarrà lì per tutta la pellicola, a colorare di un rosso sangue quell'angolo di schermo; è la rappresentazione visiva della malattia, che si insinua e si espande pian piano ovunque; a volte sembra scomparire dietro una persona o nell'ombra, ma eccola ricomparire subito dopo, e accompagnarci per tutta la durata del film, viaggio allucinante nella realtà e nell'immaginazione, che come nel film precedente, arrivano pian piano ad avvicinarsi fino alla fusione finale, ottimo momento di cinema surreale-orrorifico.
Lars von Trier si evolve pian piano, senza fretta, ma lascia già trapelare alcuni elementi tipici della produzione filmica del Dogma 95.

voto: 3/5

-The Kingdom - Il regno
(Riget) di Lars von Trier - Danimarca/Svezia 1994 - grottesco (horror) - 272 min. (in totale)

Film di quattro ore e mezza realizzato per la tv, uscito in 4 parti in patria e al cinema nel resto del mondo (diviso in due parti). Il genio di von Trier qui è più che evidente e molti degli spunti e dei guizzi di intelligenza che avevamo visto nei suoi film precedenti esplodono e si mescolano all'interno di questo enorme melodramma orrorifico-comico-soapopersitico.

Il Regno è un gigantesco ospedale di Copenhagen, simbolo della scienza e della ragione. Al suo interno si incrociano le vite di molte persone: lo staff medico, guidato da un primario da poco arrivato dalla Svezia, che odia tutto e tutti (molto dr.House), e composto da individui tutt'altro che raccomandabili, una loggia simil-massonica composta da importanti medici e dottori che lavorano nell'ospedale, pazienti dediti all'occultismo fra cui un'anziana signora che si inventa malattie immaginarie per farsi ricoverare e sostiene di essere entrata in contatto con lo spirito di una bambina morta nell'ospedale e che attualmente infesta la canna dell'ascensore dell'edificio. E poi c'è l'ospedale stesso: una struttura enorme, che incute timore e fa sentire a disagio tutti coloro che ci lavorano e che vi sono ricoverati, sotteranei infiniti e labirintici, perdite inspiegabili dai tubi, rumori provenienti da camere insonorizzate, echi di voci, segreti custoditi nell'archivio fra cui cartelle mediche che alcune persone sono ben intenzionate a tenere nascoste, e un profondo, terribile segreto risalente all'epoca della sua fondazione, celato o occultato intenzionalente, ma rintracciabile attraverso indizi, frammenti mai cancellati di quell' orribile evento, nascosto ma ancora presente, che aspetta solo di essere riscoperto. e poi lui, il grande mattacchione Lars von Trier che, alla fine di ogni episodio, spezza la finzione scenica concludendo con qualche riflessione e salutando cordialmente il pubblico che ha guardato anche quest'ultima puntata.

Il punto di forza del film è sicuramente la geniale commistione fra dramma e commedia, fra horror puro e grottesco satirico, che attacca la professione medica non di per sé, ma per le persone che la compongono. La pesantezza di alcune tematiche è audacemente controbilanciata da un umorismo nero, cinico e parossistico, tanto da aggiungere alla pellicola, che in alcuni momenti sembra ricercare il realismo documentaristico della rappresentazione, una dimensione chiaramente irreale; con questo procedimento il regista lascia spiazzati, perchè non si capisce se vuole essere serio o far solamente divertire, far riflettere o soltanto terrorizzare. Probabilmente tutte queste cose insieme, e direi che ci riesce molto bene. Data la sua originalità, è improbabile che possiate riuscire a comparare the Kingdom a qualunque altro film, in quanto contiene elementi di tanti generi diversi, a creare un film difficilmente classificabile come solo Horror, o solo drammatico. Può rientrare nel grottesco, ma comunque ogni classificazione risulterebbe restrittiva.

Seguito da una seconda serie, Riget 2, disponibile in Italia solo in dvd in lingua originale con sottotitoli, che prosegue la storia interrottasi alla fine della prima serie, senza cambiamenti stilistici significativi.

Voto: 4,5/5

-Le onde del destino
(Breaking the waves) - di Lars von Trier - Danimarca/Svezia/Olanda/Francia/Norvegia 1996 - drammatico - 158 min.

La storia è quanto di più melodrammatico si possa immaginare: l'ambientazione scozzese, precisamente in una piccola comunità di scismatici (mi pare calvinisti) dediti alla più ferrea disciplina religiosa, fa da sfondo ad una vicenda dolorosamente umana e realistica che però si compone, come quasi sempre nei film di Lars von Trier, anche di un elemento onirico, leggermente irreale, quasi fiabesco. Bett è una giovane donna con evidenti problemi mentali (non che sia ritardata, ma prova attaccamento morboso verso le persone a lei care, immagina di parlare con Dio, in breve non è del tutto autosufficiente e per questo è assistita da una sua carissima amica), che trova tuttavia l'amore, sposandosi con un "forestiero", cioè un non appartenete alla comunità del loro piccolo paese, che lavora in una stazione petrolifera nell'atlantico. Ciò fa sì che, dopo i primi mesi idilliaci di convivenza, Ian (questo il nome dell'uomo) debba tornare al lavoro per diversi mesi, e la lontananza per Bett pare insostenibile. Per di più, Ian ha un gravissimo incidente durante il lavoro che lo costringerà all'immobilità, apparentemente perpetua. Ian sembra voler incoraggiare Bett a trovarsi un amante, o più di uno, in apparenza perchè non vuole vederla ridotta nello stato pietoso in cui si trova, ma in seguito pare più dovuto ad una perversa e maligna inclinazione del marito sofferente che sfoga le sue frustrazioni sulla debole e fragile moglie. Il delicato equilibrio psicologico di Bett ne risentirà in modo irreparabile. La ragazza, con scandalo di tutta la comunità e della sua grande amica, che nonostante tutto le rimane sempre accanto, comincia a frequentare altri uomini, ad avere incontri occasionali e a pseudo-prostituirsi, per poi raccontare le sue avventure al marito infermo che pare trarre piacere da questi suoi racconti. Ben presto però le cose precipiteranno e Bett cadrà in un vortice dal quale non riuscirà più a uscire....
sorprendente, in quest'ottica il finale, che si illumina di un moderato ottimismo e pone un accento di gioia, forse l'unico, sull'intera vicenda.

Suddiviso in vari capitoli contrassegnati da un titolo e da una canzone (il film è ambientato negli anni '70 e le musiche sono quelle dell'epoca), il film si fa notare subito per le sue scelte stilistiche: camera molto vicina ai personaggi, spesso quasi attaccata ai volti, mancanza di illuminazione artificale, assenza di qualsivoglia effetto speciale o elemento di azione, è un film di dialogo e di atmosfera, sensuale e perverso, con punte di erotismo freddo e brevissimi momenti di velata comicità, schiacciati sotto il peso di una storia struggente e strappalcrime in cui l'analisi psicologica dei personaggi è l'elemento portante (e riuscito) del film. La recitazione è davvero straordinaria (la Bett di Katrin Cartlidge è una delle migliori interpretazioni cinematografiche che io abbia mai visto) e il realismo quasi documentaristico di certe sequenze (elemento tipico di Trier) conferisce alla pellicola un senso di drammaticità ancora maggiore. Parlavo però anche di una componente di irrealtà: a parte il finale (che non posso rivelare), palesemente irreale, tutto il film è come sospeso in una dimensione onirica, come un triste racconto di un libro di fiabe. Questa dimensione così surreale è il punto di forza e il marchio di fabbrica del regista danese, che non manca mai di mischiare fra loro generi diversi, a costituire una personalissima amalgama che è insieme, la sua idea di cinema e il tentativo di proporre in cellulodie tutto lo spettro delle emozioni umane.
Imperdibile, anche se avviso che è un film lungo e lento, richiede il suo tempo e un pubblico non addormentato.

Voto: 4/5

-Dancer in the Dark
di Lars von Trier - Danimarca/Svezia/Francia 2000 - drammatico (musical) - 137 min.

Film atipico, diverso dai suoi soliti (pur mantendendo molte caratteristiche proprie del suo personalissimo stile), è una specie di musical melodrammatico e commovente che ruota attorno alla figura della cantante islandese Bjork la quale, oltre ad aver realizzato le musiche per le canzoni del film (con testi scritti dal regista), si rivela essere un'eccellente attrice.

Ambientato in una cittadina industriale americana, si narra di un'operaia, che sta diventando cieca a seguito di una malattia ereditaria, la quale sta raccogliendo denaro per far operare il figlio, affetto dalla stessa sindrome ma non ancora con sintomi evidenti. Le servono oltre 2000 dollari, che sta risparmiando da lungo tempo. E' molto amica di una coppia di vicini abbastanza facoltosa, di cui l'uomo, che nella vita è poliziotto, ha ereditato una cospicua fortuna. Una sera, in vena di confessioni, l'operaia (Bjork) rivela all'uomo la sua malattia, e lui rivela a lei di aver ormai sperperato tutte le sue fortune, incapace di dire la verità alla moglie. In preda alla disperazione, il poliziotto scopre il nascondiglio dove l'operaia custodiva i soldi per l'operazione del figlio, e se ne appropria. Scoperto, scoppia una drammatica e violenta collutazione (la scena più bella ed emotivamente coinvolgente di tutto il film), che si conclude con l'accidentale morte dell'uomo. La ragazza è incolpata, arrestata e condannata a morte.

La forza di questo coinvolgente drammone è senza dubbio la buona resa psicologica dei personaggi (tutti bene interpretati) che rende difficile non provare compassione, per un motivo o per l'altro, per tutte le persone che popolano l'universo del film (poliziotto compreso). Il suo difetto principale, però, e questo è forse il paradosso della pellicola, è la componente musical: sembra quasi che nell'indecisione se girare un vero e proprio musical o rimanere nel campo del drammatico puro, genere peraltro avvezzo al regista danese, Lars von Trier paghi questa indecisione con un prodotto ibrido non del tutto soddisfacente. Le canzoni sembrano rompere il ritmo del film in modo fastidioso (e per altro non è una musica facilmente orecchiabile, e potrebbe benissimo non piacere), infatti sono molte di più le parti recitate di quelle cantate, cosicchè si ha l'impressione di vedere qualcosa di non totalmente compiuto, quasi un abbozzo del prodotto finale.
Detto questo il regista è al solito capace di far commuovere lo spettatore con sequenze ottimamente realizzate e dialoghi strappalacrime, che creano un coinvolgimento emotivo molto forte. Il suo intento denunciatario contro la pena capitale colpisce nel segno, e non può lasciare indifferente nessuno.
Al film va dunque un plauso, anche se, per i motivi sopracitati, non riesce ad essere quel capolavoro che sarebbe potuto derivare da una più netta presa di posizione da parte del regista.

Voto: 3/5

-Antichrist
di Lars von Trier - Danimarca/Germania/Francia/Svezia/Italia/Polonia 2009 - drammatico/fantastico/horror - 104min.

Lui (Willem Dafoe, straordinario) e lei (Charlotte Gainsbourg, Palma d'oro a Cannes per migliore attrice) copulano senza badare al figlioletto che, attratto dai fiocchi di neve che cadono oltre la finestra della sua cameretta, si sporge fino a precipitare sulla strada, morendo. Lo schock è enorme, soprattutto per la donna, soggetta ad ansia e stati di panico incontrollati. L'uomo, che è anche terapeuta, cerca di curarla, guidandola in un viaggio nel suo subconscio alla ricerca delle sue più profonde paure, per cercare di estirparle. Pare che ci sia un luogo in particolare a spaventarla: Eden, una località boschiva in cui lei aveva passato del tempo con il figlio l'estate precedente, mentre stava lavorando ad una tesi circa la persecuzione delle donne nel corso della storia. I due si recano quindi a Eden con la speranza che lei guarisca.

Ci sono film che sono paradigmatici della filosofia del loro autore (l'esempio più lampante è Matchpoint di Woody Allen); poi ce ne sono altri, rappresentativi del loro pensiero, inteso sia come loro psicologia che come struttura dei loro processi cognitivi, di come essi intendono la realtà e di come funziona il loro processo creativo (INLAND EMPIRE di David Lynch è tutte queste cose insieme); e poi c'è Antichrist di Lars von Trier, che è sia contenitore degli elementi precedentemente citati, sia qualcosa di diverso e opposto.
Questo film, uno dei maggiori capolavori della storia della cinematografia, è innanzitutto la summa del cinema precedente del regista danese: c'è la sua ossessione per la ricerca di uno stile visivo e sonoro unici, del tempo di ripresa perfetto, della provocazione scopica e sensoriale in generale, del racconto allegorico-fantastico mascherato da narrazione iperrealistica.
Con qualcosa in più.

Già dal titolo, il film evidenzia la peculiarità di essere un film CONTRO: contro il precedente cinema del regista, contro il cinema in generale, contro Cristo. Lars von Trier, il "grande masturbatore dello schermo", va contro tutto e tutti, solo e disperato, con un antifilm che disorienta, disgusta, sconvolge, scandalizza, sconquassa. Reduce da una profonda depressione, il regista realizza una pellicola che non lascia scampo dal male aberrante che mette in mostra; i suoi film precedenti erano solitamente tristi e sconsolati, eppure venati di un'ironia beffarda (The Kingdom - Il regno), di un cipiglio sardonico, supponente (Epidemic, "Europa"), di una giocosità fredda che sfiora il sadismo e che ha reso il regista antipatico a molti spettatori (si pensi all'ambiguità di un film come "Le cinque variazioni", o al disprezzo per il genere umano mostrato ne "Il grande capo"), oppure di un finale aperto al cambiamento, alla speranza dell'avvento di un Bene superiore (o quantomeno equivalente) al Male che era stato mostrato nel corso della narrazione (Le onde del destino). Antichrist non è nulla di tutto ciò: non è divertente, non ha un lieto fine, non è per nulla piacevole come visione, anzi è disturbante. La pellicola, dedicata a Tarkovskij, sembra quasi un congedo da tutto ciò che l'ha preceduta: è come se von Trier ringraziasse, ma dicesse no all'uso di schemi, forme e contenuti del cinema che è venuto prima di lui. Come al solito, questo atteggiamento ha spaccato in due critica e pubblico, suscitando critiche spietate da una parte e appassionati elogi dall'altra. E' il corrispettivo di ciò che accade in ambito scientifico quando viene proposta una teoria rivoluzionaria che incontra il favore degli studiosi più progressisti e l'astio di chi ha creduto e lavorato per anni (o per la vita) al modello ritenuto valido fino a quel momento. Questa presa di posizione, che espone il regista e la sua opera ad una pressione ed attenzione altissima, è conseguente al fatto che Antichrist sia l'incarnazione filmica del suo creatore: Lars von Trier è l'Anticristo, colui che distrugge, scardina, frantuma ideali e certezze per darci in cambio dolore, sofferenza e disperazione (Grief, Pain, Despair, i "tre mendicanti" che tanta importanza hanno nello svolgersi degli eventi raccontati).

Il mondo raccontato da von Trier (e quindi, nella sua ottica, la nostra realtà) è infine privo di Cristo, di un qualsivoglia Dio buono e misericordioso. E'anzi un mondo ostile all'uomo, a cominciare dalla Natura, infida, selvaggia, ingovernabile; per non parlare della natura umana, caotica, nichilista, distruttiva e (quindi) autodistruttiva. Ciò si palesa in particolare nel rapporto tra Uomo e Donna: due opposti che si attraggono senza riuscire a conciliarsi, anzi erodendosi a vicenda, e non permettendo la coesistenza di entrambi; uno prevale sull'altro, ed in particolare l'Uomo sulla Donna. "Lascia ch'io pianga la mia cruda sorte/ E che sospiri la libertà" recita la celebre aria del Rinaldo di Handel, colonna sonora del film.
Ma se per la Donna il destino è segnato, non va molto meglio per l'Uomo: torturato, seviziato e infine solo.

Ricco di sequenze magistrali, inedite per intensità e violenza, magnificamente interpretato da due attori eccezionali, contrassegnato da una colonna sonora e una fotografia memorabili, Antichrist è semplicemente un film imperdibile, incredibile ed indimenticabile.

Voto: 5/5

-Melancholia
Danimarca 2011 - drammatico/fantascienza - 130min.

Il pianeta Melancholia si sta avvicinando sempre più alla Terra; in una magione in campagna , una famiglia si riunisce per il matrimonio di Justine (Kirsten Dunst), novella sposa non troppo convinta; la sorella Claire (Charlotte Gainsbourg) cerca di sostenerla come può. Su tutto incombe la minaccia del pianeta: entrerà in collisione con la Terra o no?

Questo film, che vanta uno dei più bei finali della storia del cinema, è qualcosa di certamente anomalo, ma non troppo: insomma sebbene il genio di Lars von Trier gli permetta di realizzare pellicole che per originalità, inventiva ed estetica siano tranquillamente in grado di eclissare la maggior parte delle produzioni contemporanee, con Melancholia pesca a piene mani dagli stilemi del Dogma 95, specie nella prima delle due parti in cui è diviso il film (parti che prendono nome dalle due sorelle: Justine e Claire), ed in particolare il richiamo a Festen (1998) di Thomas Vinterberg, il primo film creato con le regole del manifesto.
La situazione di partenza è infatti talmente simile da ritenere impossibile escludere una mancata influenza: una grande famiglia dell'aristocrazia danese riunita in una magione di campagna a massacrarsi (psicologicamente) l'un l'altro. Sebbene le motivazioni siano diverse, infatti, anche il fulcro di questo film sono le frustrazioni che agitano gli animi dei protagonisti e che portano questi famigliari ad attaccarsi a vicenda. Il legame fra le due sorelle è tuttavia molto forte, e gli sforzi compiuti soprattutto da Claire fanno sì che tale rapporto superi le incomprensioni. Ma c'è un altro piccolo problema: il mondo è a rischio distruzione causa avvicinamento del pianeta Melancholia. C'è davvero un senso di precarietà continua, di angoscia metafisica che pervade tutto il film, dai primi minuti in slow motion (il precedente capolavoro Antichrist iniziava allo stesso modo) all'inquadratura finale, un senso di vuoto e di catastrofe imminente, pur rimanendo nell'ottica di un film raccolto, quasi claustrofobico, totalmente schiacciato sull'uomo: pochissime sono le visuali dallo spazio, la maggior parte delle volte che vediamo il pianeta avvicinarsi, lo vediamo dalla prospettiva dei personaggi. E la malinconia è davvero il sentimento che pervade lo spettatore durante la visione: un senso di impotenza, di tristezza mista a rassegnazione, eppure di sconvolgimento emotivo, di ansia di azione; lo spettatore si dibatte in una gabbia come fanno i personaggi del film. Trier è come al solito distaccato, impassibile di fronte agli avvenimenti, eppure sotto sotto totalmente partecipe, per due motivi: 1)Trier è un uomo, e come tale la fine del mondo riguarda anche lui 2)è un film al solito estremamente personale, nel senso che mette in scena le angosce e le paure del regista in primis, malato cronico di depressione e generalmente pessimista riguardo il genere umano.
Il cast è eccellente, a cominciare dalle due protagoniste (donne, come quasi sempre capita nei film del regista danese); la fotografia di Manuel Alberto Claro è fredda, nero-bluastra, cimiteriale; molto belli anche costumi e scene (esterni girati al Tjolöholm Castle). Bella colonna sonora con pezzi classici, come nel film precedente.
Che altro dire? L'ennesimo capolavoro di von Trier.

Voto: 4/5

Giuseppe Tornatore

2011-09-10T21:37:00.000+02:00

Il camorrista (1986)
Nuovo cinema Paradiso (1988)
Stanno tutti bene (1990)
La domenica specialmente (1991)
Una pura formalità (1994) - 3,5/5
L'uomo delle stelle (1995)
La leggenda del pianista sull'oceano (1998)
Malèna (2000)
La sconosciuta (2006)
Baarìa (2009)

Tornatore (1956), italiano, è uno dei registi italiani contemporanei più conosciuti all'estero, grazie alla suo approccio più internazionale della media nostrana all'arte cinematografica. I suoi risultati sono tuttavia altalenanti.

-Una pura formalità
di Giuseppe Tornatore - Italia 1994 - giallo/fantastico - 108min.

Film curioso e affascinante, rivela il talento di Tornatore nel raccontare una storia all'interno di una sola ambientazione e rendendola avvincente, quasi adrenalinica nella sua spasmodica ricerca di suspence.

In aperta campagna, collinosa e battuta da una pioggia incessante, in piena notte, un uomo viene fermato dalla polizia e condotto in un commissariato isolato, fatiscente e semi-allagato per essere interrogato a proposito di un omicidio avvenuto nel pomeriggio. L'uomo, interrogato da un ambiguo e sottilmente sadico commissario (Roman Polanski, eccezionale), si rivela essere il celebre scrittore Onoff (Gerard Depardieu), in quei giorni in ritiro nella sua tenuta per lavorare al suo ultimo romanzo. Infreddolito e colto da una lieve amnesia, Onoff è libero di andare, ma non prima di aver sbrigato col commissario una formalità.

Come macchina per creare suspence e tensione è perfetto, ed il finale sconfinante nel fantastico, pur scontentando gli amanti della logica, si rivela vincente e contribuisce a fare di questo strano e a tratti delirante film uno dei più originali di tutto il cinema italiano. Se ciò non bastasse, il testa a testa Polanski-Depardieu è impagabile, e vederli uno di fronte all'altro in tale duello di bravura sarebbe motivo sufficiente per vedere questo film. Ottime anche le figure di contorno, la musica di Morricone, la azzeccatissima scenografia. Dominato dall'acqua, simbolo del collegamento (e del passaggio) tra il mondo dei vivi e quello dei morti, immerso nella notte più buia e tetra che potete immaginare (forse metafora della prigionia di mondi e di storie all'interno della pellicola cinematografica?), "Una pura formalità" è un film da vedere almeno una volta. Pur con qualche tempo morto e prolissità, è una pellicola che, accettata l'impostazione, avvince per tutta la sua durata.

Voto: 3,5/5

Bertrand Tavernier

2011-09-10T21:33:00.000+02:00

Les Baisers di Bertrand Tavernier (1963)
Pays d'octobre, (1963)
Che la festa cominci... (1974)
L'orologiaio di St. Paul (1974)
Il giudice e l'assassino (Le Juge et l'assassin) (1976)
I miei vicini sono simpatici (1977)
La morte in diretta (1980)
Una settimana di vacanza (1980)
Colpo di spugna (1981)
Philippe Soupault (1982)
Philippe Soupault et le Surrealisme (1982)
Philippe Soupault, les images qu'ils aiment (1982)
Una domenica in campagna (1983)
Mississippi Blues (1983)
Round Midnight - A mezzanotte circa (1985)
Il quarto comandamento (1987) - 3/5
Lyon, le regard interieur (1988)
La vita e niente altro (1989)
Daddy Nostalgie (1990)
Contre l'oubli (1991)
Legge 627 (1991)
Eloise, la figlia di D'Artagnan (1994)
L'esca (1995)
Capitan Conan (1996)
Ricomincia da oggi (1998)
De l'autre cote du periph (1998)
Histoires de vies brisées: les double peine de Lyon (2001)
Laissez-passer (2001)
La piccola Lola (2004)
In the Electric Mist (2008)

Tavernier (1941), francese, lavora come regista, produttore, sceneggiatore e in un paio di occasioni come attore. Dirige film molto duri su gravi questioni socio-culturali.

-Quarto comandamento
(La passion Béatrice) di Bertrand Tavernier - Francia 1987 - drammatico - 131min.

1350. Nelle prime fasi della guerra dei Cent'anni (1337-1453, in cui sovrani inglesi e francesi si contendevano il possesso dei territori francesi) viene fatto prigioniero dei britannici il nobile François de Cortemart (Bernard-Pierre Donnadieu). Dopo una lunga assenza, torna finalmente, assieme al figlio Arnaud (Nils Tavernier) al castello dove da anni li attende trepidante la devota e affezionata figlia Béatrice (Julie Delphy). Il condottiero è però tornato trasformato dal conflitto, crudele e spietato, praticamente folle, abusa della figlia e denigra il figlio, finché Béatrice non deciderà di vendicarsi.

Con questo film Tavernier riflette sull'abominio del male e sull'effetto deleterio che esso ha sulle persone: chi è vittima del male finisce per diventarne il tramite. Ciò è esplicato sia nel prologo, che mostra le radici della follia in un François infante, e nell'epilogo, che rima con l'inizio e chiude a cerchio la storia, lasciando intendere che il male continuerà a perpetrarsi in futuro.
Con una scenografia essenziale ed una fotografia fredda, il regista francese trasmette un senso di disagio e disgusto; la turpe vicenda, raccontata senza indulgere in immagini eccessive, riesce a provocare con i suoi sottesi e ad angosciare profondamente in molte sequenze, raggiungendo forse l'apice in quella del grottesco "matrimonio" tra padre e figlia.
Donnadieu è di un'intensità molto profonda, ed anche il resto del cast è stato scelto bene.
E' un film disperato e deprimente che fa riflettere sugli abomini compiuti dall'uomo, sia su vasta scala (la guerra) sia nei rapporti interpersonali.

Voto: 3/5

Andrej Tarkovskij

2011-09-10T21:26:00.000+02:00

Gli uccisori (Ubijtsy) (1958)
Non cadranno foglie stasera (Segodnja uvolnenija ne budet) (co-regia Aleksandr Gordon)(1959)
Il rullo compressore e il violino (Katok i Skripka) (1960)
L'infanzia di Ivan (Ivanovo detstvo) (1962)
Andrej Rublëv (1966)
Solaris (Soljaris) (1972) - 3/5
Lo specchio (Zerkalo) (1975)
Stalker (1979)
Tempo di viaggio (1983)
Nostalghia (1983)
Sacrificio (Offret) (1986)

Tarkovskij (1932-1986), russo, è un regista che lascia trapelare un anelito allo spirituale, alla dimensione del misticismo che permea l'esistenza. I suoi film però sono anche acutissime descrizioni psicologiche, quand'anche accurate ricostruzioni storiche. Esempio di imponente cinema sovietico (sia per mezzi che per contenuti), Tarkovskij è il più degno erede dei maestri sovietici degli anni '20.

-Solaris
di Andrej Tarkovskij - URSS 1972 - fantascienza - 165min.

Molti dicono che sia stata la risposta sovietica a 2001. Non so se sia stato girato con questo obbiettivo, comunque con l'opera di Kubrick ha poco da spartire. Kubrick è metafisico e grandioso tanto quanto Tarkovskij è intimo e concreto. Il primo è un filosofo che si interroga sul destino dell'umanità, il secondo è uno psicologo che studia i meccanismi dell'inconscio.
Recensisco la versione integrale, disponibile in DVD ad opera della General Video Recording.

Chiamato per una missione sulla stazione orbitante presso il pianeta Solaris, lo scienziato Kris deve fare i conti con astronauti stralunati e una stazione semideserta e diroccata, nei cui corridoi vede ben presto materializzarsi il fantasma della moglie morta. E' una proiezione mentale del pianeta Solaris, enorme entità pensante che fa incarnare i ricordi delle persone in entità fisiche. Kris arriva a non volersene più andare per rimanere sempre con la proiezione della moglie, che sembra vera in tutto e per tutto.

Non è solo un film sull'elaborazione del lutto, ma più in generale sulla diffcoltà di affrontare il proprio passato, lasciandoselo alle spalle per affrontare la vita, o perdendosi nei ricordi e giacendo nell'inerzia. Tarkovskij ricorre al futuro per parlare del passato e del presente degli individui, in un film che assomma tutte e tre le dimensioni temporali in un ipnotico labirinto mentale. In questo senso potrebbe essere accostato ad un altro film di Kubrick, "Shining", che ricorda questo film per vari aspetti: l'Overlook Hotel non è molto dissimile dalla stazione spaziale, entrambi luoghi difficilmente accessibili ed ancor più difficilmente abbandonabili; luoghi dove il passato rimane prigioniero e si con-fonde col presente, imprigionando i protagonisti in un loop spazio-temporale.
Non manca qualche difetto: forse il taglio del lungo prologo terrestre nell'edizione italiana non fu fatto a torto (sebbene ovviamente raccomandi la visione integrale!), dato che alcuni passaggi si dilatano senza ragione e inducono alla noia. La recitazione, per quanto competente, non si può certo definire coinvolgente. Le scenografie sono a dir poco insufficienti: ci vuole molta fantasia per immaginare una stazione spaziale con porte in alluminio! Tarkovskij lavora bene con i mezzi a disposizione, ma il risultato complessivo lo fa sembrare un film vecchissimo rispetto alla sua età, ed ancor più se paragonato a 2001.
In conclusione è un buon film che affronta temi difficili da trattare con la classe di un grande regista, ma purtroppo non è supportato da un convincente apparato tecnico, il che, soprattutto per un film di fantascienza, è una grande pecca.
Alcuni indicano come anno di realizzazione il 1971. Io mi sono basato sull'indicazione riportata sulla confezione del DVD che possiedo, ma forse questa si riferisce all'anno di distribuzione in Italia. Se qualcuno mi può illuminare a proposito ben venga.

Voto: 3/5

Quentin Tarantino

2011-09-10T21:19:00.001+02:00

My Best Friend's Birthday (1987) - Incompleto
Le iene (Reservoir Dogs) (1992) - 3/5
Pulp Fiction (1994) - 4/5
Jackie Brown (1997) - 2,5/5
Kill Bill vol. 1 (2003) - 3/5
Kill Bill vol. 2 (2004) - 3,5/5
Grindhouse - A prova di morte (Grindhouse - Death Proof) (2007) - 2,5/5
Bastardi senza gloria (Inglourious Basterds) (2009) - 4/5
Django Unchained (2012)

Tarantino (1963), americano, ha fatto pochissimi film, eppure ha già vinto una Palma d'oro e segnato un'intera generazione di cineasti. La sua cinefilia maniacale gli permette di includere in ogni pellicola decine di citazioni di film conosciuti e sconosciuti, in particolare di b-movies italiani degli anni 70-80. Grande fan di Sergio Leone, ma anche di Miike Takashi, della nouvelle vague francese e di Ruggero Deodato, Tarantino mescola nei suoi film elementi presi dai generi più disparati, anche se la componente violenta o comunque d'azione di solito prevale su tutto. Postmoderno al 100%.

-Le iene
(Reservoir dogs) - USA 1992 - gangster/thiller - 99 min.

In un magazzino che funge da punto di ritrovo per un gruppo di banditi reduci da una rapina finita male (due di loro sono morti, uno è ferito), i superstiti si ritrovano, indecisi se attendere il loro capo o darsela a gambe, e sospettosi della presenza di una spia della polizia nel loro gruppo: nessuno si fida più di nessuno, e le tensioni emergenti dai rapporti conflittuali dei malviventi avrà sanguinose conseguenze.

Esordio formidabile e celeberrimo, la pellicola ha reso immediatamente Tarantino un regista di culto per le giovani generazioni, grazie ad un inedito cocktail di scene di brutalità improvvisa e umorismo macabro, e una sceneggiatura avvincente con colpi di scena a ripetizione. Il film, ambientato quasi interamente nella location semivuota del magazzino, si sviluppa nell'arco di poche ore (anche se comprende alcuni flashback precedenti il colpo) e si concentra sui rapporti tra i vari banditi, rendendo palpabili dubbi, ansie e sospetti reciproci. Fra dialoghi esilaranti e realistici (vero marchio di fabbrica di Tarantino) e sprazzi di iperviolenza (che porta lo spettatore, appena entrato in empatia coi personaggi, a riconoscerli per quello che sono, banditi assassini), la pellicola si distingue per un'ottima fotografia e una grande sapienza nell'occultare le immagini più disturbanti per limitarsi a mostrare le conseguenze delle turpi azioni commesse dai protagonisti (la celebre sequenza del taglio dell'orecchio). La recitazione, sopra le righe, è ottima, specialmente quella di Michael Madsen e Harvey Keitel, ma si distingue anche un ottimo Steve Buscemi. Altro fiore all'occhiello è l'accattivante colonna sonora.

Se c'è un filmmaker che può assurgere a modello di "regista della post-modernità", non vi è dubbio che questi sia Quentin Tarantino. Con Reservoir Dogs lo spettacolo della frammentazione diegetica, dell'uso euforico della citazione, della con-fusione dei generi, del fraudolento saccheggio di topoi dalla storia del cinema di genere è esibito, ostentato e rivendicato.
Chi riscontra dell'iperrealismo in questa pellicola è evidentemente in fallo: nulla potrebbe essere più distante dal reale; basti vedere gli ettolitri di sangue fuoriuscenti dallo stomaco perforato di Tim Roth per rendersene conto.
C'è chi parla di rispetto delle unità aristoteliche riguardo questa pellicola: se decurtiamo Reservoir Dogs di numerosi metri di pellicola, si può condividere. Se invece consideriamo l'opera nella sua totalità, contempleremo una dis-lineraità temporale e spaziale superata solo dalla successiva opera del regista, quel Pulp Fiction che fa della frantumazione diegetica la propria ragione ontologica.
Ma se nel film d'esordio di Tarantino il plot può essere facilmente riordinato secondo una sequenziale concatenazione degli eventi, è il problema gnoseologico a porsi con maggior insistenza, forte della frammentazione dei punti di vista: chi è in grado di indicare quale sia il protagonista del film? Forse Mr. White? O magari Mr. Orange? Perchè non Mr. Blone invece? In un microcosmo all'interno del quale ciascun personaggio è marchiato da un incancellabile sentenza di morte, vi è l'impossibilità di stabilire la minima gerarchia d'importanza fra i vari personaggi, ognuno detenente un tassello del mosaico, un pezzo di verità, una parte imprescindibile del film.
All'eclissi del protagonista (o meglio, alla sua moltplicazione) fa eco l'obliazione dell'eroe: l'unico personaggio che si può definire positivo, ovvero il poliziotto preso in ostaggio, viene freddato dai criminali; il poliziotto infiltrato nella banda perde qualunque coordinata etico-morale, non sapendo più per chi lavora ed in cosa consista la sua missione; Mr. White, l'unico criminale che sembra mostrare un po' di umana compassione, non viene di fatto riscattato dalle sue azioni; le forze di polizia che intervengono nel finale a "risolvere" la situazione vengono relegate nel ben poco nobile fuoricampo. Reservoir Dogs si presenta così come una fenomenologia del male (o comunque dell'assenza del bene); da qui non si deve certo dedurre una tensione registica alla filosofia o all'ammonimento morale: l'intento ludico dell'operazione è conclamato, evidente nella "westernizzazione" della messinscena (ralenti, piani americani, pose da pistoleri, i piani-sequenza), nell'eccitazione scopico-uditiva (il rosso vivo del sangue, la nettezza del bianco e del nero delle uniformi da lavoro dei gangsters, le melodie country-rock della colonna sonora intradiegetica), nelle sequenze dialogiche pseudo-realistiche ( si consideri la sequenza iniziale, con la delirante discussione sul significato della canzone di Madonna "Like a virgin": tale discussione può forse essere plausibile se condotta da un gruppo di amici in vena di sconcezze; ma può essere considerata realistica nel momento in cui è enunciata dalle bocche di un gruppo di spietati e freddi criminali mercenari in procinto di effettuare una rapina in banca?). Ecco che allora appaiono sterili, quando non fuori luogo, riflessioni critiche improntate alla ricerca di significazioni ulteriori all'intento ludico della pellicola: Reservoir Dogs è una geniale operazione di entertainment, magistralmente realizzata a livello tecnico-attoriale e paradigmatica dell'estetica post-moderna.
Voto: 3/5

-Pulp fiction
USA 1994 - gangster/thriller - 154 min.

"il 2° film di Tarantino (1963) procede sul filo di un'irridente ironia, di un efferato umorismo nero, di una dialettica tra buffonesco e tragico (tra "fun" e funesto) che mettono azioni, gesti e personaggi come tra parentesi, in corsivo, anche quando, come nel torvo episodio della sodomizzazione, questo film divertente e caustico dai dialoghi irresistibili penetra nell'abominio del male." (dal dizionario dei film Morandini)
Questa è un'ottima sintesi di ciò che è Pulp fiction, film unico nel suo genere (l'unico lontanamente comparabile è lo stesso "Le iene", di cui questo film è come la versione più bella e riuscita) sostenuto da una superba sceneggiatura che, realistica ma con una buona componente di assurdità cinematografica, coinvolge, turba, a volte eccede nel trash (appunto l'episodio della sodomizzazione), precipita in scene di violenza efferate e si placa con dialoghi divertenti e sopra le righe ( i migliori di tutta la produzione tarantiniana), ed offre una carrellata di personaggi indimenticabili (il Vincent Vega di John Travolta, Uma Thurman nella parte della moglie del boss, il pugile Butch di Bruce Willis, probabilmente quello più riuscito). Ripresa dello stesso identico tema del precedente ma realizzazione superiore da tutti i punti di vista (recitazione, sceneggiatura, colonna sonora, ambientazioni), il film è indimenticabile e rimane impresso proprio per la sua unicità: non esiste un altro film come Pulp Fiction. il suo limite è forse l'eccessivo compiacimento nel mostrare il sangue, caratteristica che nel precedente era più contenuta e funzionale alla storia, per non parlare delle volgarità verbali pronunciate a iosa per tutto il film. Se parolacce e sangue che schizza non vi spaventano, avete trovato il film che fa per voi. In ogni caso è assolutamente da vedere, è il capolavoro di Tarantino, almeno fino a Bastardi senza gloria .

Voto: 4/5

-Jackie Brown
USA 1997 - poliziesco/thriller - 155 min.

Dopo aver girato un episodio del film a episodi Four rooms (1995), Tarantino torna con un film di due ore e mezza, lento e lineare, senza grandi colpi di scena ma pur sempre con una storia interessante e un finale davvero godibile, incentrato sulla figura di una hostess che fa la trafficante e che riesce a gabbare un pò tutti, polizia e criminali, e a fuggire con i soldi. Se la storia in sè è semplice e avviene senza colpi di scena, sconnessioni temporali o dialoghi accattivanti, è perchè questo film rappresenta il tentativo del regista di mostrare ai suoi detrattori come sia capace, se ci si mette, di fare un thriller canonico, basato più sulla trama che sul montaggio volto alla ricerca dell'effetto scioccante a tutti i costi, e improntato su una recitazione più sottotono rispetto alle pellicole precedenti. Se da un lato il tentativo riesce, dall'altro ci si chiede se valeva proprio la pena di farlo: il film è un thriller come tanti, con una buona trama e bravi attori, ma che non aggiunge veramente nulla di nuovo all'immenso panorama del cinema d'azione hollywoodiano che vanta tra l'altro titoli di fattura maggiore.

Voto: 2,5/5

-Kill Bill vol.1
USA 2003 - azione - 110 min.

Dopo l'insuccesso precedente, Tarantino opta per una summa del suo cinema e una summa del cinema d'azione in generale, rifiutando sistematicamente ogni altro scopo al di fuori dell'intrattenimento audiovisivo in quello che è un colossale miscuglio di film di arti marziali, thriller splatter, anime, azione hollywoodiana, estetica da videoclip e videogioco con tutti gli artifici possibili (bianco e nero, ralenti e velocizzazioni, suddivisione in capitoli con "boss" di fine livello, rifiuto di qualsivoglia realismo) nella prima parte di quello che doveva essere un film unico di oltre tre ore ma che la produzione gli ha imposto di dividere in due parti. Non c'è molto altro in Kill Bill a parte katane che mozzano arti e fiumi di sangue, eppure la tipica capacità tarantiniana di coinvolgere lo spettatore in un mix di generi e trucchi cinematografici lo rende appetitoso non solo per i più sfegatati patiti d'azione. E' un film sicuramente da vedere, con la consapevolezza di assistere a null'altro che la vendetta di una donna nei confronti del suo ex-amante (a capo di un impero criminale) e dei suoi sottoposti, che elimina uno dopo l'altro. Omaggio all'Estremo Oriente come anche il secondo volume (Giappone nel primo, Cina nel secondo), è la celebrazione del cinema tarantiniano portato ai suoi limiti più estremi. La colonna sonora, come al solito, è formidabile.

Voto: 3/5

-Kill Bill vol.2
USA 2004 - azione - 110 min.

Conclusione del precedente, che vede la protagonista finalmente faccia a faccia con Bill in un finale sorprendentemente impostato sul dialogo e non sull'azione, ricco di sequenze memorabili (l'uscita dalla tomba, l'addestramento in Cina, il confronto finale), questo secondo volume, più incentrato sulla psicologia dei personaggi che sull'azione (che comunque non manca) è sicuramente superiore al precedente, diventuando quasi intellettualoide da metà in poi. Il film propone un'ottima recitazione di Uma Thurman (che grazie a questa saga è ormai ascesa all'Olimpo del cinema d'azione) che si conferma ottima attrice, la solita colonna sonora di pregio, una fotografia superba (come del resto anche nel primo episodio), e prende una piega più intimista e riflessiva, grazie a cui appaiono anche alcuni spunti di riflessione sulla vita e la morte, l'autenticità e la falsità (vedi il monologo di Bill su Superman e Clark Kent). Un film irrinunciabile per chi ha visto il primo e godibile anche da coloro che non sono patiti del cinema d'azione, per la sua alternanza di tempi lenti e sequenze di combattimento avvincenti. Come al solito è un film tarantiniano al 100%.

Voto: 3,5/5

-Grindhouse: a prova di morte
(Grindhouse - Death proof) - di Quentin Tarantino - USA 2007 - horror/thriller - 116 min.

Quando si parla di Quentin Tarantino, pubblico e critica si spacca sempre in due: gli estimatori (fra i quali ci sono io) e i critici.
Il conflitto probabilmente non si sanerà mai per un semplice motivo: quando si guarda un film di Tarantino, si finisce sempre col chiedersi "non capisco se sia un capolavoro o una cazzata madornale!" "Non so se classificare Tarantino fra i geni o gli imbecilli", e si sentono dialoghi del tipo: "Ma Tarantino fa sempre film del cazzo, è un idiota! "Ma cosa dici? E' un grande, come fanno a non piacerti i suoi film? E' un mito!".
Questo perchè il cinema di Tarantino è una summa di generi, citazioni e tecniche cinematografiche che non permettono di catalogare le sue opere con precisione in uno specifico genere cinematografico. Sono commedie nere, action-movie, thriller con inflessioni grottesche ed ironiche, ma questi aggettivi non sono comunque sufficienti a dare un'idea di quello che sono i suoi film: bisogna vederli e farsi un'opinione.
Detto questo, per presentare questo film bisogna premettere il motivo che ne giustifica la creazione.
In origine, Tarantino si accorda col regista Rodriguez per creare un film in due episodi (Planet Terror di Rodriguez e, appunto, Death Proof di Tarantino); questi due episodi, che vogliono rimarcare lo stile dei filmetti thriller-orrorifici-erotici degli anni 70-80, realizzati con mezzi poverissimi e pellicole rovinate e consumate, danno vita a Grindhouse (le grindhouses erano appunto quei cinemacci di serie b dove si proiettavano questi film "caserecci", a due o tre alla volta, per tutta la notte; postacci mezzo diroccati in cui ci si andava a "divertire", insomma). Per ricalcare quello spirito, dunque, i registi rovinano apposta le pellicole, motivo per cui durante il film ogni tanto salta l'immagine, il suono si inceppa eccetera, proprio come avveniva all'epoca nelle grindhouses. Tuttavia il progetto in America non fa successo e raccoglie magri incassi, perciò Tarantino pensa bene di allungare il suo Death Proof e distribuirlo come film unico in Europa.
Che dire, viene voglia di vedere il Grindhouse originale, con anche il segmento di Rodriguez, per avere ancor più la sensazione di essere catapultati indietro nel tempo. In effetti avendo allungato il film, questo presenta parti un pò inutili, parti un pò troppo lunghe, parti piuttosto noiose. Tuttavia lo stile tarantiniano emerge evidentemente anche in questa pellicola, quindi i fan più accaniti troveranno pane per i loro denti. Certo, bisogna conoscere l'antefatto sull'origine di questo film, altrimenti chi va a vederlo senza sapere nulla non capisce il perchè delle frequenti "bizze" della pellicola che salta, si riavvolge eccetera.
Per quanto riguarda la trama, dovendo ricalcare lo spirito di quei film, è giustamente una cazzata: Stuntman Mike è un pazzo che abborda giovani ragazze per farle fuori con la sua macchina "a prova di morte", finchè un gruppo di ragazze decide di fargliela pagare cara.
Fine della storia: non è niente più di questo perchè non vuole esserlo.
Per questo motivo è così difficile valutare il film: in sè è una stronzata, ma Tarantino è arrivato intenzionalemente a questo risultato con la sua maestria registica. Insomma, a farlo apposta, non è mica facile realizzare un film del cavolo!!!
Quando sono andato a vederlo, tuttavia, l'effetto che ha suscitato negli spettatori in sala è stato proprio lo stesso che probabilmente si sarebbe potuto vedere nelle vecchie grindhouses: la gente faceva il tifo per le ragazze o per il killer, si incitava e si applaudiva, si rideva sonoramente alle battute e si restava pietrificati davanti ad una delle scene più sensuali che abbia mai visto in un film, ovvero la lap-dance di una delle protagoniste, girata con una maestria che può avere solo un gran regista.
In conclusione alcuni lo troveranno un capolavoro, altri una scemenza, ma per Tarantino è sempre così quindi non c'è da meravigliarsi.

Voto: 2,5/5

-Bastardi senza gloria
(Inglorious Basterds) di Quentin Tarantino - USA 2009 - Guerra - 146min.

Nella Francia occupata dalle truppe di Hitler si intrecciano le vicende di diversi personaggi: l'ufficiale delle SS Hans Landa (Christoph Waltz, Palma d'oro a Cannes come miglior attore), soprannominato "il cacciatore di ebrei", il cui unico obiettivo, ancor prima del successo del reich, è la realizzazione personale; astuto, intelligentissimo, spietato. Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent), ebrea, scampata da piccola ad un raid nazista operato proprio dalla squadra di Landa, la quale gestisce un cinema a Parigi sotto falsa identità; fredda e determinata. Una squadra di soldati ebrei americani, capitanata da Aldo Raine (Brad Pitt), famosi come "i bastardi", aventi come unico obiettivo lo sterminio di quanti più nazi possibile, cui va levato lo scalpo. Al centro della vicenda un cinema ed un film da proiettare, "Orgoglio della nazione", film di propaganda prodotto da Goebbels incentrato sulle gesta eroiche del soldato Friederich Zoller (Daniel Bruhl), che ha resistito da solo, su una torre campanaria, ad un plotone di marines. Tutte le vicende si incrociano nel finale, ovvero la prima cinematografica della pellicola, alla presenza del Fuhrer in persona.

Capolavoro di tecnica, sceneggiatura, recitazione, colonna sonora, scenografia, costumi, è uno dei grandi film del decennio: il miglior risultato di Tarantino che continua imperterrito, con un successo dopo l'altro, il suo percorso di riuso e mescolamento di generi e citazioni che lo rendono uno dei registi più originali del cinema contemporaneo. Ritmo impeccabile per una vicenda assolutamente fantasiosa e avvincente, anche per la sfacciataggine con cui si riscrive deliberatamente la Storia; anche in questo film Tarantino dà prova del suo talento nella costruzione di lunghe sequenze dialogiche che descrivono efficacemente le personalità in scena. Si raccomanda la visione non doppiata, per apprezzare la varietà linguistica (si parla tedesco, inglese, italiano e francese) che costituisce uno dei tanti punti di forza del film.
Imperdibile.

Voto: 4/5

Senkichi Taniguchi

2011-09-10T21:11:00.000+02:00

Snow Trail (銀嶺の果て, Ginrei no hate) (1947)
ジャコ万と鉄（1949年）
Escape at Dawn (暁の脱走, Akatsuki no dassō) (1950)
愛と憎しみの彼方へ（1951年）
吹けよ春風（1953年）
赤線基地（1953年）
潮騒（1954年）
Rangiku monogatari (乱菊物語) (1956)
裸足の青春（1956年）
嵐の中の男（1957年）
国定忠治（1960年）
男対男（1960年）
紅の海（1961年）
紅の空（1962年）
やま猫作戦（1962年）
大盗賊（1963年）
独立機関銃隊未だ射撃中（1963年）
馬鹿と鋏（1965年）
International Secret Police: Key of Keys (国際秘密警察鍵の鍵) (1965)
Che fai, rubi? (What's up, Tiger Lily?) (1966) - 2/5
奇巌城の冒険（1966年）
カモとねぎ（1968年）
公式長編記録映画日本万国博（1971年）

Taniguchi (1912-2007), giapponese, era amico di Akira Kurosawa, il quale scrisse il primo film diretto da Taniguchi, che fu anche il film d'esordio di Toshiro Mifune, Snow Trail.
Specializzato in film d'azione, in occidente è noto per il fatto che il suo film del 1965 International Secret Police: Key of Keys, è stato rimaneggiato e ricopiato da Woody Allen che ne ha fatto una commedia parodica.

-Che Fai rubi?
(What's Up, Tiger Lily?) di Senkichi Taniguchi, Woody Allen - USA/Giappone 1966 - avventura - 85min.

Nel 1965 il regista e sceneggiatore giapponese Taniguchi (1912 - 2007), amico di Kurosawa Akira, diresse il film spionistico Kizino Kizi (Secret Police: Key of Keys). L'anno seguente fu acquistato dal mercato estero e l'edizione americana fu affidata a Woody Allen. Quest'ultimo, reduce dal successo del precedente Ciao Pussycat, pensò bene di ridoppiarlo, riscriverlo ed inserirvi scene aggiuntive per trasformarlo in una parodia dei film alla James Bond, in cui gli eroi sono alla ricerca di una fantomatica ricetta di insalata di uova che permetterà a chi la possiede di dominare il mondo.
Un film più sgangherato di questo è difficile trovarlo. A parte gli assurdi interventi di Allen a inizio, metà e fine film (per una volta non doppiato da Lionello), ciò che diverte è che della storia si capisce poco o nulla tanto è assurda, e veder recitare degli attori giapponesi che pronunciano battute alla Allen ha indubbiamente un effetto straniante. Certo è che la riuscita del film dipende da quanto lo spettatore decide di stare al gioco: il completo sconvolgimento del film ha il risultato di concatenare situazioni demenziali una dietro l'altra; quindi se siete alla ricerca di trame ben definite siete capitati nel posto sbagliato. Anche coloro che apprezzano la comicità brillante dell'Allen più maturo rimarranno delusi dal livello generalmente "basso" di comicità. Non si perde molto a non vederlo, a parte qualche momento decisamente spassoso.

Voto: 2/5

Rachel Talalay

2011-09-10T20:58:00.000+02:00

Nightmare 6 - La fine (Freddy's Dead: The Final Nightmare) (1991) - 2/5
Ghost in the Machine (1993)
Tank Girl (1995)

Talalay, americana, è più attiva in tv che al cinema, ambito in cui ha realizzato solo 3 film.

-Nightmare 6 - La fine
(Freddy's dead: The Final Nightmare) di Rachel Talalay - USA 1991 - horror - 89min.

Springwood, Ohio. A causa della moria di tanti ragazzi, nessun adolescente vi vive più, e la città è popolata solo da anziani schizzati. Altrove, tanto per cambiare, un gruppo di ragazzi è ospite di ospedale psichiatrico. Fuggono insieme a Spencer, colto da amnesia, che vede Freddy in sogno ed è guidato a Springwood, e dalla dottoressa Maggie, assillata da un incubo ricorrente.

Ecco rifiorire un pò la saga con un episodio divertente (perchè ormai la paura ha lasciato da un pezzo la serie), girato bene e ben sceneggiato, finalmente discretamente recitato e con personaggi abbastanza accattivanti da premettere di rimanerci un pò male quando muoiono. Englund è all'apice e si vede che si diverte un mondo. Con l'inizio degli anni Novanta la computer graphic fa bene il suo lavoro, ed il finale del film viene persino girato in 3D, da vedere con gli appositi occhialetti. Sarebbe stata una degna conclusione, ma qualche anno dopo Craven decide di realizzare un curioso capitolo conclusivo...

Voto: 2/5

Isao Takahata

2011-09-10T20:55:00.000+02:00

1968 Hols: Prince of the Sun (太陽の王子ホルスの大冒険, Taiyō no Ōji - Horusu no Daibouken)
1972 Panda! Go, Panda! (パンダ・コパンダ, Panda Kopanda)
1981 じゃりン子チエ (Jarinko Chie)
1982 Gauche the Cellist (セロ弾きのゴーシュ Sero-hiki no Gōshu)
1987 柳川堀割物語 (Yanagawa Horiwari Monogatari) / The Story of Yanagawa's Canals
1988 Una tomba per le lucciole (Grave of the Fireflies) (火垂るの墓, Hotaru no Haka) - 5/5
1990 赤毛のアン－グリーンゲイブルズへの道－ (Akage no An – Guriin Geiburuzu eno Michi -) / Anne of red hair, Road to Green Gables
1991 Only Yesterday (おもひでぽろぽろ, Omohide Poro Poro)
1994 Pom Poko (総天然色漫画映画平成狸合戦ぽんぽこ, Sou- Tennensyoku Manga Eiga - Heisei Tanuki Gassen Pon Poko)
1999 My Neighbors the Yamadas (ホーホケキョとなりの山田くん, Hōhokekyo Tonari no Yamada-kun)
2003 Winter Days (冬の日, Fuyu no Hi)

Takahata (1935), animatore giapponese, è famoso in ambito internazionale per essere il co-fondatore dello studio Ghibli assieme ad Hayao Miyazaki. Il suo film forse più conosciuto all'estero è Una tomba per le lucciole, probabilmente il più bel film d'animazione mai realizzato.

-Una tomba per le lucciole
di Isao Takahata - Giappone 1988 - animazione - 93 min.

Questo bellissimo film non è solo il miglior film d'animazione che abbia visto, ma uno dei più commoventi e poetici film che mi sia capitato di visionare. La scelta di trasporre il romanzo di Akiyuki Nosaka in cartone animato piuttosto che in pellicola con attori in carne ed ossa si rivela vincente, riuscendo a conquistare anche il pubblico occidentale e gli adulti poco avvezzi al cinema di animazione.

Kobe 1945. Sotto i bombardamenti americani Seita e la sua sorellina Setsuke perdono la madre, mentre il padre, capitano di marina, è al fronte a combattere. Senza più una casa, sono ospitati dalla zia, che non nasconde il fastidio provato nel doversi accollare le spese per il loro mantenimento. Abbandonato quindi il tetto domestico, decidono di trasferirsi in un rifugio antibombardamento inutilizzato, e di sopravvivere con i pochi soldi rimasti. Seita deve darsi da fare per procurare cibo per sè e per la sua sorellina, in una lotta quotidiana fra dolore, miseria e incomprensione.

Stilisticamente il film è ottimo, e pur avendo ormai i suoi anni non ha nulla da invidiare agli enormemente più costosi cartoni della Disney ed ai moderni film di animazione che integrano effetti speciali computerizzati. La sua bellezza sta nella purezza del disegno, nella delicatezza e semplicità della rappresentazione, nella pudicizia con cui viene mostrato l'orrore della guerra nella dimensione del vivere civile al posto di quello militare. Il film ruota tutto attorno ai due fratelli, figure cui è impossibile non affezionarsi, sia per la purezza e l'innocenza rappresentate da Setsuke, sia per gli sforzi intrapresi da Seita per sfamare lei e sé stesso, che lo mettono a confronto con altre realtà di dolore ma anche di egoismo e incomprensione.
Il film dice quello che deve non con tono polemico e provocatorio, ma anzi dimesso e pacato, con una storia che fa piangere e che induce alla riflessione.
Molte le sequenze memorabili e commoventi: le sequenze iniziali e finali, i due fratelli sulla spiaggia, la visita di Seita alla madre in ospedale, e altre ancora. La colonna sonora, intensa e struggente, entra sempre al momento giusto, per accompagnare i momenti salienti del film.
In conclusione un capolavoro assoluto del cinema per estetica e contenuti, una visione imprescindibile.

Voto: 5/5

Sopon Sukdapisit

2011-09-10T20:45:00.000+02:00

Coming Soon (2008) - 1,5/5

Sukdapisit, sceneggiatore thailandese, ha al suo attivo come regista l'unica (pessima) prova di Coming Soon.

-Coming Soon
(โปรแกรมหน้า วิญญาณอาฆาต-Program na winyan akat) di Sopon Sukdapisit - Thailandia 2008 - 83min.

Lo staff di un cinema multisala è perseguitato dal mostro di un film in uscita ispirato ad una storia vera: è il fantasma di una vecchia pazza che rapiva bambini e che è stata impiccata dai genitori di questi ultimi.

Diretto dal co-sceneggiatore di Shutter e Alone, è un pessimo film che tenta inutilmente di creare suspence, risultando semplicemente una noia incommensurabile. E' originale solo il setting, ovvero la decisione di ambientare un film (quasi completamente) in una multisala; per il resto, la paura inesistente e la recitazione men che mediocre lo rendono assai poco raccomandabile.
Il suo difetto di fondo è il proporre sistematicamente clichè e storia prevedibilissima senza tentare alcuna soluzione originale.

Voto: 1,5/5

Charles Sturridge

2011-09-10T20:41:00.000+02:00

Runners, (1983)
Aria, (1987)
Il matrimonio di Lady Brenda, (1988)
Monteriano - Dove gli angeli non osano metter piede , (1991)
A Foreign Field (1993)
Favole (FairyTale: A True Story) (1997)
Shackleton, (2002)
Lassie, (2005)
The No. 1 Ladies' Detective Agency (2008)
The Road to Coronation Street (2010)

Sturridge (1951) è un regista inglese.

-Favole

(Fairy Tale: a true story) di Charles Sturridge - USA 1997 - commedia/fantastico - 99min.

Storia vera: nel 1917, nello Yorkshire, in Inghilterra, due bambine, Elsie Wright (Florence Hoath) e Frances Griffiths (Elisabeth Ear) scattano delle foto che sembrano immortalare delle fate (le "fayries" della tradizione nordica, ovvero piccoli esseri alati di sembianze femminili che si mostrano solo a chi crede in esse) nel bosco antistante la proprietà della famiglia Wright. Scoppia un caso in tutto il paese, soprattutto quando Sir Arthur Conan Doyle in persona (Peter O'Toole), dopo aver fatto analizzare le foto ad alcuni specialisti, le dichiara autentiche, ovvero non manipolate. Sulla vicenda interviene anche Houdini (Harvey Keitel), maestro del prestigio e dunque scettico, che non vede traccia di inganno nell'innocente comportamento delle due bambine.

E' un film da prendere o lasciare: se ci si lascia trasportare dal racconto e non si è a priori ostili a contaminazioni di cinema fantastico in un racconto di ambientazione storica, si potrà apprezzare la ricostruzione ambientale, le simpatiche interpretazioni dei due attori più famosi, le concessioni al fantasy e l'impostazione chiaramente favorevole alla tesi dell'esistenza del soprannaturale.
Ovviamente la pellicola non convincerà nessuno scettico dell'esistenza di queste creature, resta il fatto che la storia è vera e che prove di manipolazione di qualunque tipo sulle suddette fotografie non sono state trovate all'epoca, sebbene studi più recenti sembrino poter confermare che si tratti di falsi. In ogni caso nel 1983 le sorelle ammisero che quasi tutte le foto fossero dei falsi, tranne l'ultima scattata. Vi riporto le foto originali (di cui si vedono delle repliche anche nel film) dopo il voto (la supposta foto vera è l'ultima).

Voto: 3/5

NB: tutte le foto provengono dal sito http://www.randi.org/library/cottingley/ e vanno considerate di proprietà del webmaster di tale sito.

Oliver Stone

2011-09-10T13:11:00.000+02:00

Seizure (1974)
La mano (The Hand) (1981) - 2/5
Salvador (1986)
Platoon (1986) - 3/5
Wall Street (1987) - 3/5
Talk Radio (1988)
Nato il quattro luglio (Born on the Fourth of July) (1989)
The Doors (1991)
JFK - Un caso ancora aperto (JFK) (1991)
Tra cielo e terra (Heaven & Earth) (1993)
Assassini nati (Natural Born Killers) (1994) - 3,5/5
Gli intrighi del potere (Nixon) (1995)
U Turn - Inversione di marcia (U Turn) (1997)
Ogni maledetta domenica (Any Given Sunday) (1999)
Comandante (2003)
Persona non grata (2003)
Alexander (2004)
Looking for Fidel (2004)
World Trade Center (2006)
W. (2008)
A sud del confine (South of the Border) (2009)
Wall Street: il denaro non dorme mai (2010)

Stone (1946), americano, è un regista che è sempre stato attento al contenuto politico delle sue pellicole, denunciando i lati più oscuri della politica/economia americana. Famoso per il film antimilitarista Platoon, e la saga di Wall Street, ritrae spesso personaggi vittima di un ingranaggio (la società, sotto vari punti di vista) che finisce per stritolarli o traviarli.
E' anche autore di diversi documentari.

-La mano
(The hand) di Oliver Stone - USA 1981 - horror - 104min.

Un disegnatore (Michael Caine) in crisi coniugale perde la mano destra in un incidente d'auto, e si ritrova in un colpo solo senza lavoro e con la famiglia in pezzi. Quando la sua mano ricompare compiendo efferati delitti le cose vanno ancora peggio. Ma qual è la verità?

Il film ha un precedente in "Il mistero delle cinque dita" (1946), di cui condivide l'idea di base. Questa incursione nell'horror da parte di Stone, regista politicamente impegnato ("JFK", "Gli intrighi del potere", "Comandante") non è molto riuscita: a parte la tensione totalmente assente si nota un'incertezza registica nella direzione da dare alla vicenda, a metà fra l'horror di atmosfera e lo splatter più canonico. Si salva il sempre grande Caine e la sottile ambiguità della narrazione che contribuisce a mantenere un certo livello di interesse, almeno fino allo scontato finale aperto e senza spiegazione.

Voto: 2/5

-Platoon
di Oliver Stone - USA 1986 - guerra - 120min.

Le vicissitudini di un plotone di marines al confine tra Vietnam e Cambogia nel corso del 1967.

Stone conosce ciò di cui parla dato che è stato in Vietnam lui stesso. L'attaccamento ai personaggi è profondo, anche perchè sicuramente il regista vi riversa parte del proprio vissuto. Interessante notare poi come, anticipando Full Metal Jacket, Stone sostiene che nemico sia prima di tutto interiore.
Tuttavia il film è altalenante: dopo un'ottima prima parte descrittiva, si perde in un finale truculento che, pur nel suo probabile realismo, non aggiunge molto a quanto già detto. Diciamo che un ottimo finale sarebbe stata la morte di uno dei colonnelli (non vi dico quale), ovvero la celebre immagine della locandina del film. Ottimo il cast, da Sheen a Dafoe a tutti i comprimari. Le accuse di retorica e propagandismo non sembrano essere giustificate, anzi: "Platoon" non sarà il miglior film sul Vietnam, ma è sicuramente un film sincero.

Voto: 3/5

-Wall Street
di Oliver Stone - USA 1987 - drammatico - 124min.

N.Y. 1985. Un broker (Charlie Sheen) deve cercare di accaparrarsi un grosso cliente, il miliardario finanziere Gekko (Michael Douglas, premiato con l'Oscar), per invogliarlo ad investire denaro con la sua compagnia. Pur di riuscire nel suo intento, il giovane impiegato passa a Gekko informazioni riservate, innestando così una spirale di attività illecite. Quando Gekko medita speculazioni riguardo la compagnia aerea in cui lavora il padre del ragazzo (Martin Sheen), mettendone a rischio l'impiego, il broker si rivolta contro di lui.

Lo scenario presentato da Stone (figlio di un agente di borsa, cui è dedicato il film) è quello di una lotta senza quartiere pur di accaparrarsi una fetta della torta. l'unico personaggio totalmente positivo infatti il padre del protagonista, che è estraneo al mondo dell'alta finanza e sensibile ai problemi dei lavoratori comuni. La sensazione è che chi lavora nel campo della compravendita di azioni e delle giocate in borsa perda completamente il contatto con la realtà concreta del lavoro, e pensi solo al proprio tornaconto. Stone, che è stato in Vietnam, descrive una situazione di guerra combattuta a colpi di trasferimenti di denaro.
Ottimo il cast (Douglas doppiato da Giannini) e riuscito l'accostamento di padre e figlio (i due Sheen) che si rivelano in scena una coppia affiatata.
Consigliato.

Voto: 3/5

-Assassini nati
(Natural Born Killers) di Oliver Stone - Usa 1994 - azione - 115min.

Mickey (Woody Harrelson) e Mallory (Juliette Lewis) sono una copia di psicopatici assassini (entrambi vittime di abusi famigliari) che viaggiano per l'America ammazzando gente a caso. Il circo mediatico messo in piedi da tv e giornali li dipinge come eroi che si ribellano al sistema, i ragazzi li osannano, la polizia dà loro la caccia. Arrestati dal detective di dubbia moralità Scagnetti (Tom Sizemore), sono internati in una prigione diretta dal losco Dwight McClusky (un istrionico Tommy Lee Jones); qui un famoso anchorman televisivo di nome Wayne Gale (Robert Downey Jr.) della popolare trasmissione "American Maniacs" vuole realizzare il suo servizio più importante: un'intervista ai due assassini nati.

All'epoca dell'uscita fu aspramente criticato per la quantità di violenza mostrata nonostante il suo scopo fosse quello di criticare l'attenzione morbosa dei media per i fatti di cronaca più raccapriccianti (il famoso detto "Bad news is good news"). Non vedo in che altro modo Stone potesse far passare il messaggio.
Film all'insegna della sregolatezza visiva e sonora, è un trip allucinogeno ricolmo di pulsioni omicide e patologie mentali, che fa dell'ipereccitazione visivo/uditiva la sua cifra stilistica. Recitato sopra le righe da tutti, montato convulsamente, risente innegabilmente della mano di Tarantino alla sceneggiatura, sebbene quest'ultima sia stata ampiamente rivista dallo stesso Stone.
Scorciato in misura differente in vari paesi, in Italia sono stati abbastanza clementi, eppure il divieto è solo ai minori di 14 anni mentre è v.m.18 negli altri paesi. Dovrebbe esistere un director's cut di una decina di minuti più lungo, curata dallo stesso Stone.
Film anomalo per Stone, probabilmente piacerà di più ai fan di Tarantino. Consigliato, comunque. Colonna sonora memorabile.

voto: 3,5/5